Раннее творчество Пикассо. От «голубого» периода к зрелому кубизму.

Пабло Пикассо, 1881-1973г. Фундаментальная фигура для 20в, всегда на острие художественного процесса, экспериментировал, не останавливался, часто меняется. Матисс более-менее нашел свою манеру, а Пикассо экспериментировал; Матисс только в живописи, а Пикассо в мире (1й из художников, кто стал чутко реагировать на исторические и политические события). Родился в Малаге, в семье уважаемого художника. Юность в Барселоне, там учился в АХ, еще в Мадриде, но оттуда сбежал - классика не для него, но вот это полезно, там королевские собрания, ими он интересовался всегда. Потом снова уехал в Барселону, открыл свою мастерскую.

1. Ранние работы реалистичные, классические, еще ничего нет от революционного Пикассо. Иногда вещи символистские по содержали (Наука и Милосердие, у постели больного. Что нужнее?). Потом он попадает в кружок модернистов (собирались в клубе Кватро Гатос). Тут уже стиль его меняется (Автопортрет, 1900). Есть у него и много чисто испанского - немного больше религиозной мистики.

2. В 1900г впервые едет в Париж, оформляет павильон ЭКСПО. Познакомился с импрессионистами, пост импрессионистами (ценил Сезанна и Дега). Мулен де ла Галетт, 1900. В стиле импрессионистов, но по-испански. Темные тона и нет той радости жизни.

3. Голубой период, 1901-1904. В 1911г возвращается в Париж, почти все время там живет, но много путешествует. Сразу новый стиль, не понятно, откуда взялся. В это же время он находит своих меценатов (в тч русских). Периоды условны, поле 1910х он будет смешивать. Голубой - все в таких тонах, постепенно он перейдет вообще к монохрому. Картины этого периода меланхоличны (печальны, трагичны). Это признак рубежа веков, но у него были и личные темы (умерла младшая сестра, друг покончил с собой). Возможно, намеренное ограничение цветов связывается именно с этим.

Голубая комната, 1901 г. Виден и Дега, и Бонар, но важен его собственный стиль.

Девочка с голубем, 1901. Это светлый мотив, детских портретов у него всегда много. Но здесь тоже есть характерна тревога. Фигура очерчена.

Автопортрет. Портрет Хайме Сабартеса. Самые характерные вещи этого периода - портреты. По гамме одинаково, но вот стиль разный. Его друг -поэт, работа плоская, плотная, графичная. Портреты всегда очень лаконичны, решены минималистичными средствами. 

Арлекин. Арлекин и его спутница. В это время появляется его любимая тема - связь с цирком, бродяги, нищие. Но по сюжету они оторваны от цирка, нет веселья. Интересуют декоративные детали - костюмы, орнамент. Плоско, добавляются и другие цвета, но синий всегда есть.

Любительница абсент а. Почти Гоген. Гипертрофированные руки, пальцы-змеи. Две женщины в баре, 1902. Почти Микеланджело, мощная мускулатура. Но везде полная меланхолия. Любитель абсента. Почти темно-синий, более объемный, больше моделировок.

Старый нищий с мальчиком. Он любил нищих, обиженных жизнью. Но показывает из статуарно, это не маленькие люди.

Жизнь, 1903 г. Это финальная картина периода. Посвящена самоубийству его друга (застрелился на глазах у всех в кафе). У него появляются дополнительные сюжетные элементы. Свет странный, видимо аллюзия на разные возрасты и этапы жизни. Характерный прием - внутри картины показывает 2 свои картины, они показывают любовную историю и одиночество (мужчина и женщина сидят, обнимаются, потом женщина в той же позе, но уже без мужчины). Герои еще классические, по своему.

4. Розовый период, 1904-05. Справляется со своей болью. Более условное название, розового иногда вообще нет. Переезжает в новую мастерскую, Бато-Лавуар (Корабль прачечная), это общежитие для бедных художников, там вся богема. Знакомится, например, с Гийомом Апполинером (с ним будут разрабатывать фигуры вытянутые, больные, но лица могут быть правильными). Постепенно наступает просветление, его персонажи избавляются от тоски, но движения нет. Просто за счет цвета все воспринимается легче + те же актеры, шлюхи и парижские горожане. До кубизма еще далеко, в начале много голубого + странная анатомия (отголоски символизма).

Актер, 1904. Акробат и юный арлекин, 1905. Они не веселые, но есть философское начало, они где то в себе.

Семья комедиантов, 1905 г. Он работал над ней долго, известнейшая работа периода. Замысел менялся на протяжении исполнения. В раннем эскизе много движения, кто то на шаре (знакомо), есть пейзаж. Второй эскиз больше похож на картину. Вот картина: персонажи не взаимодействуют, не связаны. Пейзаж пустынен. Считают, что в фигуре арлекина он изобразил себя (воспринимал себя как трагикомическую фигуру). Почему то включает даму справа внизу, она полупрозрачная, полу мираж (напоминает танагрские, античные греческие терракоты).

Девочка на шаре, 1905 г. Все больше проявляется интерес к формальному составлению композиции: куб (сидит атлет) и шар (стоит девочка). Разные планы в композиции, закрывает передний (это не характерно для классики). Пространство сложное, взгляд скользит зигзагом. Практически монохромно.

Мальчик, ведущий лошадь, 1906. Намечается путь к другому периоду, опять ограничивается гамма - концентрируется на сером и охре. Сама живопись легкая, полупрозрачная, почти классическая.

5. Кубизм. С 1906г опять начинает искать новый стиль под влиянием выставок Сезанна, Гогена и примитивной скульптуры (Лувр, скульптура древней Иберии). Гертруда Стай, американская поэтесса, меценат, поборница нового стиля тоже на него влияла, ругала, когда он не делал что то новое. Ее парижская квартира-салон нового времени (именно там познакомился с Матиссом).

Портрет Гертруды Стайн, 1906 г. Писал около года (долго), она ему позировала к80 раз. Переписывал, но лицо так и не закончено. Она не поняла, но он сгладил эффект (лет через 20 вы будете выглядеть так). Лицо напоминает маску, этот признак перейдет в будущее - плоское, черты присутствуют, но все выхватывает одним лучом света, условные, объема почти нет.

Автопортрет с палитрой, 1906. Автопортрет 1907. Ранняя вещь, еще похоже на розовый период (легкая живопись и краски), но вот лицо уже маска. А вот вторая вещь - шаг вперед. Черты геометризируются, сильно упрощаются. Живописная манера меняется - активные контуры, небрежная манера с цветом, активна работа мазка.

Две обнаженные, 1906. Это грань его классического стиля и нового. Объемные, правильные есть светотень, но и лицо-маска. Он очень скульптурный художник, от объема не отходит никогда.

Авиньонские девицы, 1907. В 1906г начинает работать над картиной-фурором, именно с нее принято отсчитывать кубизм. Название работе дал его друг-поэт. Сначала была другая идея, по эскизу больше фигур - 5 девушек, но еще два персонажа (по центру кто то типа моряка, который забрел в этот бордель, а справа студент с книгой/черепом. Рабочее название Пикассо - философический бордель. Кстати, это не во французском Авиньоне, а в Барселоне на улице Авиньон. Работал долго, продвигалось трудно. Уже нет энтузиазма юности. В мастерской картин показал в 1908г, публично только в 1938г. В этот период он сторонился публичности, итак был популярен, были покровители. В итоге, шокирующая вещь (может и хорошо, что в 1908г ее не увидели). Все каноны нарушены. Три левых фигуры - перекличка с темой трех граций (у него это часто), но они не грациозные. Левая - а ля Египет (разворот, застывшая), две девушки справа - лиц нет вообще, там конкретные маски, которые к тому же и искажены, то есть он отправляет нас еще и в разные периоды истории искусства. Правая фигура спиной к нам, но повернула лицом (на 360). То есть нет ничего правильного. Все строится из острых пересекающихся плоскостей. Но есть следование сезановским приемам - контур не обязателен, можно выйти за него. Есть иллюзия объема. Условно использование цвета, хотя цвет тела реалистичен. От первоначального эскиза впереди остался натюрморт. Это только первая стадия кубизма. Дальше Брак и Пикассо будут работать вместе параллельно над новой техникой. Это уникально, тк они друг друга подпитывали. В ранних работах, пейзажах Брака у него есть что то более революционное, но Авиньонский девицы дали ему толчок, но потом уже и Пикассо на него смотрел - полноценное сотрудничество.

Три женщины, 1908-09. Дальнейшее движение в сторону кубизма. Объем намечен, есть даже что то вроде классики. Но все в плоскостях. Фигуры объединяются друг с другом и с фоном. Пространство - не пустота между предметами, а субстанция, которая также должна быть изображена на картинах. Строится на сочетании красного и зеленого.

11. Синтез неоклассицизма, сюрреализма и других тенденций в зрелом и позднем творчестве Пикассо.

Кубизм: к зрелому он приходит в 1910х, но предпосылки еще у Сезанна, а первая кубистическая работа - Авиньонский девицы, 1907г. Термин в 1908г, критик Луи Воксель употребил по отношению к Браку. Термин не точный, намекает на кубовидность, главное - отказ от плавных естественных форм, обращаются к простейшим. Первое направление, в котором все теоретически обосновано (теория параллельна практике). Стайн и Гийом Аполлинер - главные идеологи кубизма. У них была цель - освободить искусство от поверхностного, оставить только то, что есть в форме. Книга «О кубизме», 1913, Глез и Меценже, два художника. Меньше пишут о форме, больше о духовном начале, о платоновских идеях. Сразу популярна. Конвейнер Натаниэль, важен для кубизма, дилер, покупал-продавал новые работы. Пост фактум написал статью, где объяснил и наметил историю кубизма. Искусство должно быть очищено от лишнего наслоения (это фовистские эксперименты, вообще фовизм и кубизм противоположны), но и по возможности много говорить об изображенном предмете. В основе кубизма Сезанн (ум в 1906), примитивные искусства и научные достижения (оптика, рентген). Стадии: 1) Аналитический кубизм. Поиски сфер и конусов в природе, сохраняется цельность, в итоге максимальное дробление форм. 2) Синтетический. Дробление, но появляются и крупные формы, развивается коллаж. 3) Декоративный. Пик пройден, отдельные приемы кубизма сочетаются с другими приемами. Братья Вийон до 1937 не видели Авиньонский девиц, но тоже пришли к кубизму. У Пикассо период кубизма заканчивается вскоре после начала 1 мировой (то есть тоже недолгий период, к1907-1914).

Характерно: уместить на одном полотне разные кадры и точки зрения. Преодоление цвета, сосредоточение на проблемах формы и пространства. После 1910х Брак и Пикассо уйдут в монохром. Больше всего любят натюрморт, пейзаж, человек изображается реже. Натюрморт - это статика, не двигается. Развиваются и новые техники - коллаж. Это первое направление в живописи, где возрастает роль текста. Вместо подражания природе ее конструирование. Цель - изобразить некоторую структуру бесконечности в 4х измерениях (какой 4? Может быть время). Они впервые со времен Ренессанса радикально переосмыслили живописную систему. Иногда вводятся обманки, типографский шрифт, грубые материалы (обои, куски газет и тд). Появляется кубистическая тайнопись: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц и тд.

Хлеб и ваза с фруктами на столе. Робко, есть геометризация. Тут должны были сидеть фигуры. Это переосмысления сюжета и жанра.

Портрет Воллара. В 1899 Сезанн его же писал, он был новаторским, но у Пикассо в 1910г - это огромный шаг вперед. Это уже аналитика, ощущение накладывающихся кадров, которые мы должны соединить в своем сознании. Интересно, что черты лица мы узнаем. Цвет еще сократился, только серый и коричневый (немного охры). Живописная фактура не исчезла, в чем то стала более активной. Это нужно для того, чтобы показать нам плоскость картины. Он не хочет нас пускать внутрь, показывает, что создает трехмерное в двух мерном. Еще больше дробления, но фигура еще сконцентрирована. Портрет Канвейлера, 1910 г. Фигура соединяется с фоном, нет концентрации, грани расползаются. Подробности уже нет. Еле угадываем лицо и не больше, все охристо-коричневое.

Девушка с мандолиной и Обнаженная, 1910 г. Все равно у него сохраняется эффект объема, округлости. Дробление не такое сильное, как у Брака. Форма тоже выступает сильнее. Причем он не стремится передать реальный объем, это то, что он видит у себя в голове («Я пишу формы не такие, которые вижу, а такие, которые представляю»).

Аккордеонист, 1911. Брак, Португалка или Эмигрантка, 1911. Классическое сравнение худжоников. Потрясающе похожие вещи, многие даже сложно атрибутировать. Фурма сгущается к центру полотна (опилки, собранные магнитом), это характерно для времени. Треугольная композиция, очень мелкое дробление. Это грань беспредметности, но еще есть реалистичные вещи, вводится текст. У Пикассо цвет ближе к серому, у Брака к охре. В 1912г у них параллельно намается этап синтетического кубизма. Помимо живописной фактуры дополнительные элементы. Коллаж становится самостоятельным жанром, возрастает роль текста, дробление формы успокаивается. Надо показать не только форму предмета, но и его суть.

Натюрморт с плетеным стулом, 1912. Иногда этот период называют «рококо-кубизм», тк он обращается к овалу. Это двойной иллюзионизм - плетеный стул, это клеенка, где изображена сетка. Вместо рамы реальный кусок настоящего каната (это тоже переход к коллажу).

Коллажи: они похожи, похоже называются. Присутствуют бутылки, ноты, газеты и тд. Нарастает количество материалов и фактур. Важно качество читаемости (есть коллаж с гитарой - ее нет, она - это пустое, место, которое образовано разными кусочками коллажа, но форму мы видим). Чем дальше, тем больше цвета. И цвет, и свет, и контрасты возвращаются, а вот темы сохраняются. Бутылка, бокал и скрипка, 1913. Они оба начинают интересоваться фактурой (Брак, Скрипки и трубка), включение разных материалов - это еще и декоративный эффект. Вещь более размазанная по плоскости, его больше интересуют фактуры, а Брака композиция. Белый фон, прорисовка или вырезка из газеты. Человек в шляпе. Два профиля, один на свету, второй в тени. Еще две вырезки газет, сознательные - на лице, где текст про стоматологию, а на груди текст про туберкулез. Портрет молодой девушки, 1914 г. Популярная. Цвета неожиданно много. Фон зеленый, но здесь иллюзионизм нового порядка. Дерево (его имитация), там, где подлокотник, есть имитация мрамора - там должна быть мраморная статуэтка. Нет пространства, плоскостно, вываливается на 1п.

Арлекин, 1915. Арлекин с гитарой, 1918. Они возвращаются, но другое впечатление. Яркие, контрастные цвет, крупные сопоставлению плоскости. Он здорово чувствует форму, из плоскостей он создает объем. Три музыканта, 1921. Завершающая работа периода. Два музыканта и кто то в костюме монаха - может духовная составляющая музыки. В свою живопись переносит приемы коллажа, сохраняется его характер.

Скульптура: У него в мастерской висела реальная гитара, еще был столик с характерным натюрмортом. То есть это то, в чем он имел дело каждый день. В ранних работах много дерева, это низкий рельеф. Но были и более объемная вещи. Дерево любит тонировать и красить - полихромную любит. Рюмка абсента, 1914. Традиционная техника воскового литья - модель, потом гипс, потом собственно бронзу. Но ее он раскрашивает, что не характерно. Включает реальную вещь - серебряную лопатку для сахара. В итоге место странное, не понятно, что это рюмка.

Неоклассицизм: Портрет Воллара, 1915. Рисунок, абсолютно новая, классическая манера. Параллельные эксперименты. Выразив себя в кубизме, стал искать что то новое. Здесь классическая фигура, объем, светотень, растушовки. В этот период он увлекся Энгром (тонкий и изящный рисунок). Пикассо работает в театре, много, в тч работает в Дягелевым, есть эскизы к Русским сезонам (эскиз занавеса в балету Парад, 1917). В этот же период он едет в Италию, потом в влюбляется в балерину Ольгу Хохлову (у нее классическая красота), в его творчестве проявляется много классических черт.

Женщина в испанском костюме. Уже ничего нет от кубистических масок. Белый фон, форма моделируется линией, активный желто-красный цвет, но там чистый пуантилизм. Часто сочетаются разные техники в одном произведении (портрет Ольги, Паоло- Арлекин, это его сын от Ольги).

Спящие крестьяне, 1919 г. Одновременно приходит к грузному и массивному неоклассицизму. Есть что то от Ван Гога, и трактовка цвета, и тема, и активная фактура. Появляются характерные для времени круглящиеся линии. Ориентируется скорее на Рим, чем на Грецию. Почти брутализм. Мать и дитя, 1921. У него много картин с похожими персонажами. Манера графичная, цвета мало, фигуры грузные, но складки мягкие. Условное пространство с пустым фоном, сохраняется что то от кубизма - отдельные детали не считаются с общими пропорциями. То есть опять же разные составляющие организуются в одном организме.

Две женщины, бегущие по пляжу, 1922. Диониссийский ключ, активное движение и танец (хотя по моему все довольно сбалансировано). А так, тот же пустынный пейзаж намек на море, низкая точка зрения, массивные тела, на них тонкая штриховка, которая создает форму.

Сюрреализм: Танец, 1925. Объятие, 1925. Опять же одновременно, у него начинает появляться сюрреализм. Плотно общался с дадаистами и сюрреалистами (печатался в их журнале, Кабаре Вольтера). Здесь тоже процесс конструирования, но уже не из геометрии. Это органика. В первую очередь, он дает волю своей фантазии. Это очередной этап, руководствуется воображением. Меняется и настроение, это связано с его личной жизнью (все было бурно, много жен, сложные отношения, в конце это его привело к мизантропии по отношению к женщинам). Есть ощущение тревоги, страха, все пропитано страстью. Такие же яркие сочные цвета, много кричаще розового, есть что то от плаката.

Мастерская с гипсовой головой, 1925 г. Есть и классический момент (гипс), и сюрреалистическая композиция (детали разложены прихотливо, еще и иллюзорная архитектура). Но и ритм сопоставления плоскостей, это от кубизма. То есть полных синтез разных стилей. Этот стиль вообще очень трудно определить. Стиль не является первичным в произведении искусств а (он это всегда подчеркивал).

Девушка перед зеркалом, 1932 г. Многие усматривают тему Ванитос. Стоит красивая, а выглядывает какая то страшная. В целом, он любит экспериментировать с орнаментом, с цветом. Параллельно много портретов, где все плоскостно, совмещается профиль и фас.

Распятие, 1930 г. Это после изучения Грюневальда, Изенгеймского алтаря. Небывалое буйство цвета. Готический натурализм нашел отражение у него. Но дико ярко.

На пляже или Купание, 1937. Это параллельно. Сюрреализм, только охристый и голубой (море).

Иллюстрации. 1930х еще и расцвет графики. Он не только увлекся Энгром, но и выработал свой вариант изящного рисунка. В целом, язык (как и темы) классический, редко появляется сюрреализм. Сюита Воллара - это серия работ, практически все 30е он их создавал. Это 100 гравюр, неоклассический дух, нет одной темы. Глобально - в начале это мастерская скульптора, потом это тема минотавра. Напечатано более 300 экз. То есть всего - это несколько тысяч. Есть два полных комплекта - Британский музей (докупили недавно) и в Австралии. Минотавр это отдельная тема - реакции на политику. + традиционно для Испании (бык, коррида), но еще и режим Франко. Сначала его минотавры сильные, вакхические, но постепенно - это слепнут и слабеют. Появляется образ маленькой девочки, которая ведет его за собой, разумеется на казнь. В конце это образ поверженного минотавра. Вершина разработки - Минотавромахия. Соединяется многое: и минотавр, и девочка, и поверженная лошадь, и обнаженная на ней, даже голубка. Этот язык сложно расшифровать, очень много образов и символов. Хотя иногда у него появляется и положительный образ минотавра, который борется с системой.

Мечта и ложь Франко 1937 г. Это что то типа комиксов, образы разные (классика, Франко - дама с веером). Вообще он показывается в виде корнеплода, тут иногда встречается минотавр, он борется с Франко.

Герника, 1937 г. Это его главная работа. С точки зрения формы говорить сложно. Это синтез всего (классика, сюрреализм, опыт кубизма). При этом почти монохромный колорит. Главное - ее символизм. Он против войны, нет случайных образов. Это реакция на разрушение города Герника (Баски) немецкой авиацией (они сотрудничали с Франко). Он тут же оформлял павильон на Экспо. Более классический подход к пространству (глубина развитие) - на эскизе. В реальности больше деталей, но что то он убирает, пространства уже нет. Цвета нет (белый, серый, черный, немного бежевого). Сохраняется интерес к фактуре - есть штрихи, которые напоминают газетный шрифт, но газет там нет. Странное нагромождение образов, нельзя связать в одну картинку. Женщины, затронутые войной (во время бомбардировки погибло много женщин и детей, тк мужчины были на фронте), минотавр, мужчина с поднятыми руками (и распятие, и самолет, и сдача). Поверженная лошадь (она всегда символ борьбы, всего светлого). Лампочка - это свет, и огонь бомб. Сам он не стремился развернуть какую то иконографию (я сам не стремлюсь придавать какой то смысл фигурам, бык это бык). Сразу из Парижа картина поехала в тур по Европе. Испания хотела ее получить, начиная с 1960х, Франко ее хотел. Но Пикассо был очень против, пока Франко не падет. На временное хранение она была отдана в Нью-Йорк, там она пробыла до 1992г (до этого 1 раз в 80х она приезжала в Испанию).

Голубка, 1949 г. Он был убежденным пацифистом, этот символ мира принадлежит именно ему. Сначала реализм, потом все проще и проще. В различных вариантах.
Капелла в Валлорисе, 1952-1954 г. Это капелла в крипте церкви нет окон. Он писал работы на больших листах фанеры, все закреплялось на стенах. Это тоже рефлексия на войну. Появляется античная тема - воины-тени, скорее античные.

Алжирские женщины (по Делакруа), 1955. В 1950е он обращается к классике, много всего перерисовывает. Дикие цвета, много линий и штриховок. Есть Менины по Веласкесу (монохромно).

В скульптуре был перерыв, но в это время он общается с Хулио Гонсалесом, он его научил технике сварки металла (она сложная, но позволяет экспериментировать). Есть Оратор - глина и вкрапления металлической сетки. Есть Голова смерти - обобщенная, но выразительная, толи череп, толи противогаз. Голова быка - из велосипедного сидения и руля - простая вещь, но сильное впечатление. Отстает от стены, тень становится частью произведения. Беременная женщина. Еще больше увлекается использованием готовых форм - живот и грудь это керамические миски. Самка бабуина с детенышем, 1951: голова это 2 детские малинки живот - таз, уши - ручки, и так много всего. Все это соединяется в гипсовой форме, то есть сливается с отливкой. Бык, 1958 е. Это доска и фанера. Форма читается безошибочно, хотя это что то типа коллажа.

Керамика: Он живет в Валлорисе, а это центр изготовления керамики. Делает много, и декоративные вещи, и утилитарные (тарелки, вазы и тд). На определенном этапе жизни он стал живой легендой, к нему ездили в Валлорис, поклонялись. Он пользовался этим, был художником-самопиаром. Важно то, что он ни на секунду не останавливался, искусство для него - это способ жизни.

12. Футуризм в Италии: Специфика и основные представители.

Футуризм в чем то близок кубизму, в чем то противостоит. 1909, Томазо Маринетти публикует 1й манифест футуризма, призывает восстать против традиционной культуры, а традиционные музеи связывает с кладбищами, в которых никакой жизни нет. Милан становится центром развития итальянского футуризма. Первая группа: Балла, Баччони, Карра, Северини, Руссоло; еще было второе поколение (Доттори, Деперо, Прамполини). С 1910 череда манифестов: технический по живописи, скульптуре, литературе, музыке, архитектуре - огромное количество текстов. Многие переведены на русский, 1914, СПб, «Манифесты итальянских футуристов». В манифестах не было художественного оформления, просто листовки, но все равно понимают, что композиция должна присутствовать, но надо ее переработать. Движение и свет уничтожают материальность тел. Рембрандт,Гойя и Гоген оценены положительно, тк в свое время шли против. В 1911 году в Милане проходит выставка свободного искусства + другого искусства - детей, душевнобольных, самоучек. 1912 - в Париже, не без скандала, выставлялись вместе с кубистами, стали им противопоставляться, выставка популярна - футуризм начал распространяться. Антонио Сант’Элеа, манифест архитектуры. Альбом его рисунков Новый город. Сейчас малопривлекателен, но тогда это идеал будущей жизни, подразумевается гигантский масштаб и машинная эстетика, утопическое видение будущего. В 1914 первая независимая выставка футуристического искусства в Риме. На самом деле стала последней, тк 1 мировая. Футуризм возникает в такой классической стране, как Италия. Для Италии - это был абсолютный протест и отторжение наследия. Многие футуристы восприняли приемы символизма, кубизма, но если эти течения рождались во взаимодействие теории и практики, то футуризм возник, как чистая теория. Футуризм отталкивался от фовизма (цветовые находки), и кубизма (формы), однако отвергал кубический анализ (разложение). Главное - скорость, энергия. Характерны энергичные композиции, фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали, скошенные конусы, движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение - тн принцип симультанности. Кубисты пытаются зафиксировать вневременную сущность предмета, футуристы - передать движение, внести в искусство категорию времени.

Джакомо Бала. Учитель 4х других. В Париже увлекся Сера, пуантилизмом, отдельные мазки, соединяющиеся в цельное изображение, работа с пространством.

Банкротство. Нет жанровой составляющей, это просто порог и нижняя часть дверей, которая исписана граффити. Просто зарисовка современной жизни. Мазок настолько мелкий, что все сливается.

День рабочего. 3 части, но в единой раме, неравнозначные. Интерес к современности, стройке, разное время суток, атмосферы и разные аспекты жизни рабочих. Но во плане техники все традиционное.

Приветствие на лестнице. Резкий ракурс, ощущение углубления в пространство.

Уличный фонарь (дуговая лампа). Первая вещь, где проявляется новая эстетика. Свет фонаря, как яркие цвета. Интерес к физической природе света, распространению света от источника в сторону. Свет фонаря ярче, луна теряется на его фоне.

Девушка, выбегающая на балкон. Переходит к теме передаче движения, техника раздельного мазка в укрупненном варианте, у девочки много голов (так передает движение). Композиция слева направо согласно классическим законам.

Динамизм собаки на поводке. Безумное количество ног, хвостов, следы движения поводка в воздухе, эффект движения из нескольких фаз. Рука скрипача. Движение части руки от локтя, полупрозрачные руки, перетекающие одна в другую.

Полет ласточек. Это не просто полет, а динамика, сначала даже не понимает, что это ласточки. Не просто ласточки, а линии движения и динамическая последовательность. Для футуристов важен зритель, он становится соучастником. Их 2, во втором (тоже 1913) уже вид дальше - больше абстракции.

Подобные вещи делал в фотографии Брагалья. Дам это позволяла выдержка (Пощечина).

Скорость автомобиля. Основа - белый фон и на нем из нескольких точек выходят пучки линий, они моделируют пространство. Внутри - круглящееся нечто, как клубы дыма. Интересное отношение к абстракции, есть название и некоторые намеки, но не более. Скорость автомобиля и свет. В живописи пытается показать вещи типа звука или запаха.

Радужные взаимопроникновения. У него начинаются эксперименты с цветом в духе Делоне. Абсолютно абстрактные вещи, их много, но название одно. У некоторых есть подзаголовки. По сути, это просто треугольники разных цветов и размеров. Пример исследования, как свет проникает в цвет и как белый свет можно разложить на спектральные цвета.

Проход Меркурия перед солнцем. Астрономическая тема, резкие лучи мазков. Передают нам цвет практически буквально.

Форма крика «Да здравствует Италия». 1я мировая. Эстетика сильно меняется, хотя и абстракция. Локальный прямой цвет, крупные однотонные плоскости, как правило концентрация к центру, из острых граней какие то завихрения. Внутренняя динамика.

Кулак Боччони. Это монумент памяти, он не вернулся с войны, но был самым талантливым из них. Острые формы, выход в третье измерение. Основа - подобие волны, все красное, есть даже какой то намек на серп и молот.

После окончания войны Бала в рамках найденной эстетики. В Италии популярна аэроживопись, воздухоплавание и тд. Разбеленный колорит + пейзажный жанр. Птичий полет. Еще увлечен философскими и научными концепциями. Наука против обскурантизма. Влюбленные цифры. Цифры движутс яна нас, как эффекты в пауэр поинт. Из чего то абстрактного, понятие становится материальным, объемным.

Дела мебель и костюмы.

Умберто Боччони. Ученик Бала, в 1900х был в Париже, увлекся Сера и постимпрессионизмом, таковы ранние работы. Любит сюжет движущегося поезда. Этюд женского лица показывает некое увлечение символистами, много активныхдлинных мазков, и свет, и объем, и дематериализация формы. Ее волосы почти как фонарь Балло.

Драка. Бытовая ситуация - футуристическая тема, много людей, все в активном движении, есть и эпицентр, композиция стягивается в центр. Переходная работа.

Город пробуждается. Итальянский мотив укрощения коней. С точки зрении композиции напоминает битву при Ангеаре. Но в то же время активнейшие мазки, не просто фактура, а эффект движения. Пойманы в очень резких фазах и неустойчивых позах.

Состояние души. Серия из трех. Тема прощания на перроне. Влияние эстетики кубизма. Текст и цифры, дробление формы, сдержанная цветовая гамма. Формы растворяются в движении. Отдельные фигуры в массе уже не различаем. Вторая картина: те, кто уезжают. Смазанность. Если присмотреться можно увидеть дома, пейзаж и тд, но все закручиваются в движении. Третья: кто остаются. Много линий передающих движение, но по вертикали. Фигуры вплетены в лес из вертикальных линий. Ощущение совершенно иное. Монохромный сдержанный колорит.

Смех. Различима женщина, которая откинулась назад и смеется, остальное не понятно. Лучи света сверху, снопы из прожекторов. Интерес к тому, чтобы соединить разные ракурсы в одной картине. Тема смеха важна, он должен омолодить мир.

Улица входит в дом. Дома танцуют, яркие цвета, задник наплывает, эффект кругового движения.

Одновременные видения. Искаженная геометрия города наползает. Част мотив женщины на балконе. Мелкий отдельный мазок - поверхность насыщена цветом.

Горизонтальные объемы и Материя. По сути, это портреты, скрещенные руки и форма в своих дроблениях не стоит на месте, а смещается, сохраняется монументальность, дает ракурс снизу. Эстетичность - одно из абстрактных понятий, которые футуристы передают в живописи, видем мелкий мазок формы, стремятся к дугообразности, к активному закручиванию.

Динамизм футболиста. Фигуру трудно увидеть, ключевое движение к центру, как и у Балло. Влияние машинкой эстетики футуристов, идея машинной цивилизации их восхищала. Статья Северини, мы тоже машины, мы тоже машинизированы. Динамизм велосипеда, Пластические формы лошади - то же самое, 2я активнее по цвету и фактуре.

Скульптура: единственный из футуристов, кто ею занимался, традиционная - мумифицирована, хотел увидеть форму в динамике. Фигура должна быть открытой и смешиваться с пространством. Развитие бутылки в пространстве. Спиралевидное округлое футуристическое движение. Формы предметов активно перетекают друг в друга. Эффект непрерывного спиралевидного движения. Уникальные формы протяженности пространства (Мотив бегущего человека). Сначала была серия из 4х, тема человеческой фигуры. Гладкая поверхность - по ней скользим.

Карло Карра. Более традиционен, чем Боччони. Фигурист за счет организации, тк это коллективное искусство. Вместе с де Кирико составил ядро метафизической группы.

Всадники Апокалипсиса. Традиционный пост импрессионизм, закручивающиеся длинные мазки. Довольно светло и ярко.

Станция в Милане. Мотив поезда, от которого распространяется свет.

Похороны анархиста. Основное - красно-черное сочетание, происходит драка. Есть скрученные плоскости, но ощущение дробления пространства.

Демонстрация интервенционистов. Футуристы приветствовали войну и борьбу в целом, совпали с ранним фашизмом. Очень походе на коллаж. Композиция - круг и все стремится к нему, всякие газетные вырезки как лучики. С приходом фашизма футуристы были очень популярны, но потом появилось тоталитарное искусство.

Пьяный джентельмен. Идол- гермафродит. Уже в 1915 он порвал с футуристами, примкнул к метафизикам (Метафизическая муза) и вернулся к предметности. Теперь его интересовали геометрически правильное конструирование. Потом во 2п 1920х примкнут к новоченто, Маяк, Заброшенный дом, очень натуралистично, но без людей. В конце жизни стал критиком (успех), иллюстрировал книги (но тут не большая выразительность).

Джино Северини. Тоже начинал с пуантилизма. Потом кубистические влияния, много времени провел в Париже (Бульвар). Темы у него французские, но потом уходит в абстракцию с яркими, но пуантилистскими цветами и приемами.

Луиджи Руссоло. Композитор, но немного отметился и в живописи. Аромат. Классическая ранняя вещь. Есть и что то от символистов, и длинный извивающийся мазок ВГ, так многие начинали. Динамизм автомобиля, Восстание, потом изменяется. Для него характерен некоторый клин, довольно простые цвета, иногда почти диссонанс и много красного.

После 1й мировой остается только Балло. По сути, когда Боччони погиб все рассыпалось. За пределами Италии футуризм был, но не широким, это Россия и Англия.

Льюис вдохновился, но говорил, что с футуризмом не согласен. Считал что истинное искусство должно быть более внятным, ясным и упорядоченным, а тут все слишком подвижное. У него есть и классические вещи (Портрет Эры Паунда) и абстракция (Мастерская).

Невинсон. Более французский по духу, ближе к кубистам. Кобурн занимался фотографией.

На англичан большое воздействие оказала 1 мировая, появляются реалистические вещи (Дороги славы), но если присмотреться - мелкие линии.

13. Зарождение и развитие обстрактного искусства: «Лирическая» и «Геометрическая» абстракции.

С развитие фотографии живопись отдает ей реалистическую функцию, с этих пора становятся важны ее специфические особенности. Это приводит к появлению абстрактного искусства, которое зарождается и развивается в двух направлениях. 1. ЛИРИЧЕСКАЯ, основана на интуитивном извлечении абстрактных форм из подсознания (Кандинский и Клее). 2. ГЕОМЕТРИЧЕСКАЯ, построение абстрактной формы на основе четких математических законов (Мондриан и Де Стейл). Развитие происходит параллельно в живописи, скульптуре и архитектуре (Баухаус и функционализм). Такая архитектура характеризуется полным отсутствием декора. Выделяют две волны абстрактного искусства: во время и после 1й мировой, после ВОВ (абстрактный экспрессионизм). Развитие абстракции происходит параллельно на Западе и в России (более продвинуты, условность икон + желание догнать и перегнать). В Европе все было вскормлено средиземноморской натурой, пропитанной классическим отношением к форме. Абстрактное искусство не было укоренено в идеологии, не связано с идеями о социальной утопии и строительстве нового мира. Во вторую волну в штатах идет активное коллекционирование современного искусства, постройка музеев (Гугенхайма, 1937).

Василий Кандинский. В 1910г первая абстрактная акварель и книга «О духовном в искусстве». Извлечение формы из подсознан