Смерть и богатство на языке Демьена Хёрста

    Демьен Хёрст – один из представителей молодых британских художников, группы современных художников, большинство из которых закончили Голдсмитский университет в Лондоне. Но Хёрст известен также и тем, что является одним из самых дорогих художников мира. Будучи главным подопечным коллекционера Чарльза Саатчи, он создает большое количество разнообразных и часто злободневных произведений, продающихся на аукционах за огромные суммы.

Рисунок 1. «Физическая невозможность смерти в осознании живущего», 1991 г.

    Вообще, тема смерти довольно часто проскакивает в работах Хёрста с самого начала его карьеры, хотя усмотреть этот мотив порой бывает сложно. Одной из самых популярных его работ на эту тему является инсталляция «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (1991 г. Частное собрание) (см. рис. 1). Она представляет собой огромный резервуар объемом 213х518 см с помещенной в раствор формальдегида огромной тигровой акулой. Само название произведения является отражением рефлексии Хёрста на тему смерти и ее осознания самим художником. Хёрст говорил: «Я умру – и я хочу жить всегда. Я не могу избежать смерти, и я не могу избавиться от желания жить. Мне хочется хотя бы мельком увидеть, что такое – умереть»[9]. Но у этого произведения есть несколько подводных камней, и первый из них – непосредственно акула. Тигровые акулы – один из самых распространенных видов акул, что, возможно и послужило причиной тому, чтобы выбрать именно ее, ведь чем больше особей существует, тем сложнее представить себе их полное исчезновение. Тем не менее, этот вид акул также был признан самым опасным для человека видом акул в тропических водах, а также, самым уничтожаемым на тот период видом акул вследствие браконьерства. Таким образом, использование объекта, чье полное уничтожение находится под большим вопросом (хотя в современном мире ничего нельзя с точностью утверждать, возможно, вскоре эти акулы появятся в Красной книге, что сделает произведение Херста пророчеством) ставит нас как можно дальше от смерти и ее осознания, передает ощущение самого Хёрста, который стремится познать смерть и одновременно не может этого сделать из-за жизни.

Важно также обратить внимание на то, что в «Физической невозможности» присутствует присущая постмодернизму концептуалистская игра: здесь объект изображения совпадает с самим изображением. Он непосредственно показывает название, написанное на экспликации. Это как бы более легкая версия «Стула» Кошута, в которой не хватает описания тигровой акулы или «физической невозможности смерти». Здесь будто бы плывущая на нас с открытой пастью акула в формалине показывает, насколько невозможно ощутить смерть как акулы, так и непосредственного зрителя (в местах обитания таких акул все понятно и возможно), стоящего в белом кубе выставочного пространства.

Рисунок 2. «Разделенные мать и дитя», 1993 г.

    Это произведение стало одним из знаковых образов современного искусства, что привело впоследствии к тому, что Хёрст сделает еще несколько подобных зверей и частей плавающих звериных туш в формалине или же просто подвешенных на крюках, превращая тем самым довольно интересую идею в серию, которая прекращает быть интересной уже при третьем воспроизведении. «Разделенные мать и дитя» (1993 г. Частная коллекция) (см. рис. 2), конечно, очень трогательные, но первые работы этой серии кажутся более продуманными. Но здесь также важно помнить, что вся эта затея (начиная с ловли тигровой акулы) стоит немалых денег, которые потом, тем не менее, окупались на аукционах.

    Но тема смерти в работах самого дорогого художника часто непосредственно соприкасается с темой богатства, причем это часто не только о конечной стоимости произведения, но также и о стоимости его создания. Сейчас многие художники играют именно на этих смыслах, как, например, Кунс. Самое дорогое произведение Хёрста «Ради любви к Богу» (2007 г. White Cube, Лондон) (см. рис. 3) представляет собой отлитый из платины и инкрустированный бриллиантами череп (хотя зубы его принадлежат другому очень старому черепу[10]). В интервью Хёрстт говорил, что эта фраза была навеяна ему словами его матери: «For the love of God, what are you going to do next?»[11][12]. Возможно, это один из вопросов, которыми задается любой далекий от искусства человек, впервые увидевший работы Хёрста (мертвую акулу в формалине, например). А дальше Хёрст отлил платиновый череп и инкрустировал его бриллиантами, не в ответ на эту фразу, но не без воспоминаний о восклицании его матери.

Рисунок 3. «Ради любви к Богу», 2007 г.

    Это произведение отсылает к далекой традиции ванитас (vanitas) – аллегорическим натюрмортам, композиционным центром которых часто являлся именно череп. Этот жанр отсылает к библейскому стиху из Екклесиата: «Vanitas vanitatum dixit Ecclesiastes vanitas vanitatum omnia vanitas»[13]. Сутью ванитас было напоминание людям, что жизнь не вечна, а развлечения мимолетны, и смерть в конечном итоге заберет каждого, причем, быть может, даже завтра. Такие натюрморты включали в себя черепа, свечи, мыльные пузыри как выражение мимолетности развлечений, песочные часы как символ скоротечности жизни, всевозможные предметы роскоши и книги как символ тщетности жизни. В «Ради любви к Богу» Хёрст объединил череп и роскошь, богатство, ну и частичку человеческой плоти в виде настоящих зубов, но сюда также вклинивается контекст рынка искусства. По сути, Хёрст создает произведение из огромного количества денег и продает его за еще большее количество денег – такая вот ирония над современным рынком искусства, над роскошью и вечностью темы смерти. Или, по-другому, над роскошью и жанром, высмеивающим роскошь, богатство, излишнее самолюбование. Символ тщетности жизненной суеты (то есть богатства) художник превращает в объект роскоши, то есть триумф этой самой жизненной суеты (то есть в богатство). Можно, конечно, тут приписать этому произведению смыслы, связанные с ценностью человеческой жизни (выраженные в инкрустировании черепа бриллиантами) по сравнению с богатствами и роскошью, но в этом уже не будет настоящего духа хёрстовского искусства, не будет его особой иронии.

    В 2005 году в галерее Пола Столпера прошла выставка Хёрста под названием «Новая религия»[14]. Теоретически, она была посвящена не столько смерти, сколько медицине и медицинским препаратам, которые и являются для художника той самой «новой религией», но в каждой религии есть место осмыслению смерти. Здесь интересны три экспоната: «Судьба человека», ящик и «Череп под кожей».

Рисунок 4 (слева). «Судьба человека». Рисунок 5 (справа). Ящик для экспонатов.

    «Судьба человека» (см. рис. 4) представляет собой маленький череп ребенка викторианской эпохи, который был куплен художником за бесценок. Это череп был отполирован, отлит серебром и покрыт особой черной краской, а его зубы были отполированы для придания контрастности[15]. Причем череп этот был частью инсталляции в виде алтаря, другими составляющими которого был украшенный пилюлями крест, большая таблетка-евхаристия и «Святейшее сердце», исколотое шприцами и иголками. Ящик (см. рис. 5) представляет собой также целую инсталляцию со своей историей, опять же отсылающей некоторым образом к традиции vanitas. Ящик – это уже привычная деталь

Рисунок 6. «Череп под кожей»

почерка Хёрста (примерное мы уже наблюдали в случае с животными в формалине). В нем видны выемки для каждого из экспонатов, когда-то бережно сложенных в него для транспортировки. Но в этом ящике также есть небольшая коробочка с бабочкой, которая также часто встречается в работах художника. Бабочка здесь – это библейский символ жизни, которая длится всего одни сутки. «Череп под кожей» (рис. 6) - большая картина с анатомически верно изображенным черепом, чьи зубы покрыты бриллиантовой крошкой. Эта работа предшествовала черепу «Ради любви к Богу», и также отсылает к традиции vanitas.

    Таким образом, в творчестве Хёрста довольно много смерти, гармонично сочетающейся как с темами богатства, критики рынка искусства, так и с религиозными темами и переосмыслением разных жанров искусства. Главной темой все же остается диалог смерти и богатства, причем как со стороны искусства, так и со стороны заказчиков этого искусства. Вообще, тема денег и игра с рынком искусств не нова, в нее играют еще со второй половины XX века. Сейчас крупнейшими «игроками» являются Демьен Хёрст, Джефф Кунс и также Такаси Мураками, причем последние два художника превратили свое творчество в целую корпорацию по производству искусства. И если Хёрст в своих произведениях играет с темой смерти, то Кунс в своих – с потреблением, а Мураками – с популярной культурой. Тем не менее, шок и репродуцирование похожих друг на друга произведений искусства будет интересен не вечно, но сейчас эти художники являются продолжателями уорхоловской линии, активно продолжая завоевывать рынок искусства, иронизируя над богатством покупателей.

    Использованные источники:

1. Демиен Херст. Смерть поет песни о жизни. // Adindex.ru. / 1 октября 1012 г. – URL: https://adindex.ru/publication/gallery/2012/10/1/93612.phtml. (Дата обращения: 06.12.2020).

2. Hirst unveils £50m diamond skull / BBC News Online. BBC News. 1 October 2014. – URL: http://news.bbc.co.uk/2/hi/entertainment/6712015.stm. (Дата обращения: 09.12.2020).

3. New Religion / Damien Hirst - URL: http://damienhirst.com/exhibitions/solo/2016/new-religion-kazakhstan (Дата обращения: 09.12.2020).

4. Shaw, William. The Iceman Cometh. / The New Yourk Times, 3 June 2007. – URL: https://www.nytimes.com/2007/06/03/magazine/03Style-skull-t.html. (Дата обращения: 09.12.2020).

 

Дамир Абдрахманов

Бесконечные возможности современных арт-объектов в непривычной обстановке: Крис Энгман и Джеймс Таррелл

Метамодернизм проявляется в разнообразных моделях мышления, практиках, формах искусства, техниках и жанрах. Казалось бы, в наше время каждый человек имеет возможность запечатлеть любой момент из жизни на свой телефон, фотоаппарат и для этого не нужен специалист и дорогая техника, но фотоискусство как жанр, развивается с каждым днем и «нажать на щелчок» будет недостаточно.

За последнее время появилось огромное количество жанров и направлений в искусстве, мода на фотографию как часть искусства растёт. Этому способствует постоянное развитие цифровой фототехники, использование сменных блоков оптики и их широкий выбор, обширные возможности по ретушированию и изменению фотоизображений в компьютерных редакторах. Также развитию фотографии способствуют различные упрощённые способы к доступу информации, каждый желающий фотограф-любитель может записаться на тематические курсы, занятия, студии и получить необходимые сведения о профессии или взять их с нуля.

Художник-фотограф из Лос-Анджелеса Крис Энгман экспериментирует в своих работах с архитектурным пространством. Созданные им инсталляции создают иллюзию, что в плоское пространство можно войти, потому что оно выглядит трехмерным.

Чистота, пустота, ирреальность, естественность и сверхъестественность, необъяснимость и глубина – метамодернистская стилистика. В работах американского художника Криса Энгмана песчаные дюны, океаны, леса и тропики попадают в трехмерные пространства и становятся частью реальных интерьеров.

Крис Энгман родился в 1978 году и живёт в Сиэттле. Три раза он завоёвывал вожделенный приз всех креативных фотографов и перфомансистов - «GAP Award», которая расшифровывается как (Grants for Artists «Гранты художникам»). Фотографирует Крис Энгман в основном в безлюдных североамериканских пустынях.

Он делает из своих пейзажных фотографий объемные инсталляции. Для этого он обклеивает небольшие комнаты фрагментами снимков, добиваясь эффекта максимального погружения. Если посмотреть на инсталляции Энгмана снаружи, с определенного ракурса, то можно увидеть фотографию целиком. Но если зайти внутрь и сменить угол обзора, то становится ясно, что снимок состоит из фрагментов, создающих иллюзию перспективы.

Для создания работ художник всегда использует разные методы. Например, для произведения Refuge Энгман н апечатал 150 листов бумаги с изображением леса, завесил ими комнату, сфотографировал результат и напечатал конечную фотографию.

Главная тема работ фотографа — отношения между физическим и иллюзорным мирами. Инсталляции состоят из разного количества фрагментов, прикрепленных на стены, потолки и полы для создания объемного изображения.

«Мне кажется, между перспективой и убежищем существует конфликт, а между иллюзией и материальностью — напряжение, которые я считаю неотъемлемой частью фотографии. К тому же они уже давно стали предметом моей работы. Под иллюзией я имею в виду силу фотографии, которая показывает нам «запечатленные моменты» и правду о мире. Под материальностью я подразумеваю реальные фотографические инструменты: чернила, бумагу, рамы и физический контекст», — рассказывает художник.

Еще один художник Джеймс Таррелл — он создает световые инсталляции, погружая зрителей в реалии чистого опыта. «Вот уже много лет я пытаюсь разгадать, можно ли доверять собственной способности воспринимать окружающий мир или все не то, чем кажется. Реакция человека во время сеанса может быть непредсказуемой. У кого-то кружится голова, кто-то, наоборот, в полном восторге — ведь внутри капсулы свет буквально пульсирует и человек может видеть сны наяву, с открытыми глазами. Я называю это внутренний свет» — говорит художник.

Творчество Таррелла посвящено изучению света и пространства. Будь то использование света на закате или сияния телевизора — искусство Таррелла помещает зрителей в реалии чистого опыта. Таррелл манипулирует светом как скульптор глиной. Каждая инсталляция активизирует сенсорное восприятие, которое способствует открытию: что казалось, например, кубом, в действительности — две световые плоскости проецируемого света, а чёрный квадрат на потолке — портал в ночное небо. Творчество Таррелла находится где-то между логическим дискурсом и чистым наблюдением. Художник создает работы, которые свидетельствуют о расхождении между знанием и восприятием. То, что Таррелл показывает зрителям, не является иллюзией или обманом, это удивительная реальность.

Художник рассматривает переливы цвета, как нечто подобное музыке, он создает градиентные заливки, позволяющие зрителю «услышать» мелодии своей души.

Первые крупные проекты Таррелл осуществил, работая в калифорнийском отеле Mendote Hotel: с 1966 по 1972 год он был арендован художником как студия и выставочное пространство. В основном работы Таррелла хранятся в музеях Северной Америки, Европы и Азии.

Оба этих художника создают, казалось бы, из обычных фотографий, предметов, форм и материала - работы в которых ты можешь погрузиться, задуматься, на время «отключиться». Человек, попадая в непривычную обстановку, испытывает острый смысловой и стилистический диссонанс, выходит из равновесия, ненадолго теряет точки опоры — и в этом зазоре между ожидаемым и действительным у человека есть шанс прикоснуться к иному состоянию сознания, обрести нового себя. Возможно это и есть новое искусство – где мы сморим не просто фотографию 9x13, а можем «войти» в эту фотографию, рассмотреть детально, прикоснуться или как свет может погрузить нас в определенную атмосферу.

 

Макарова Юлия