Т ема 5. Инструментальные жанры миниатюры.

Урок 12. Жанры лирической музыки.

Ноктюрн. Пастораль. Элегия.

Жанр ноктюрна – один из самых популярных в эпоху романтизма. Это слово в переводе с французского означает «ночной». Под звуки ноктюрна часто представляют ночные пейзажи – затуманенные и притихшие, освещённые сиянием луны и мерцанием звёзд. Но прежде всего – это лирическая песнь. Начало ноктюрну положил Джон Фильд, но более известными стали ноктюрны Фридерика Шопена. Это сокровищница лирики, то грустно-мечтательной, то сладостно-счастливой, то драматичной. Широкие певучие мелодии при своих повторениях всякий раз украшаются и утончаются. Среди наиболее популярных классических мелодий –

· «Ноктюрн Миb мажор» Шопена.

Ÿ Глинка Ноктюрн "Разлука".

Ÿ Лист «Грёзы любви».

 

Жанр пасторали – в переводе с латинского означает «пастушья музыка», в более широком смысле – сельская идиллия. Чувство нерушимого покоя, душевной гармонии пронизывают музыку пасторали. В 18 веке аристократы разыгрывали на сцене сельско-пастушеские сцены, наряжаясь в пастухов и их возлюбленных пастушек.

    Пасторальной может быть симфония (пример – «Симфония №6» Бетховена), симфоническая картина или часть сюиты («Утро» из сюиты Грига «Пер Гюнт»).

Ÿ Послушаем «Пастораль» из сюиты Бизе «Арлезианка». Эта симфоническая миниатюра состоит из трёх частей (АВА). Первая тема (А) – сочная и тяжеловесная, звучит у струнных инструментов, поддержанных «медью». Она напоминает трудовые песни. Середина (В) – это и есть пасторальная музыка, поэтичная и нежная. Песенная тема исполняется флейтой и кларнетом. Фоном для мелодии служат аккорды в ритме болеро с ударами бубуна.

Жанр элегии. Элегии бывают и вокальные, и инструментальные. Элегичными могут быть романсы и арии, а могут – фортепианные миниатюры. Элегии пишутся в медленных темпах, чаще в минорных ладах. Примеры инструментальной «Элегии» встречаем в творчестве Грига, Рахманинова, Массне.

Ÿ Послушаем «Элегию» Массне. Необычно изложение темы в басовом голосе на фоне пульсирующих аккордов верхнего голоса (приём обращённой фактуры). Печально-никнущая мелодия в ми миноре в средней части становится взволнованной, затем - начинается реприза 3-х частной формы.

Вариантами жанра элегии могут быть «Размышления» или «Грёзы». Окраска здесь бывает более светлой, прозрачной.

Ÿ Например, «Грёзы» Шумана из цикла для фортепиано «Детские сцены».

 

Урок 13. Жанры виртуозной музыки. Токката. Этюд. Каприс.

 

Слово «виртуозность» означает высшее мастерство. Любой музыкальный инструмент – будь то флейта, орган или скрипка – раскроет все свои возможности лишь тогда, когда к нему прикоснутся руки мастера – музыканта-виртуоза.

Усовершенствование музыкальных инструментов, усложнение техники игры привело в 18 веке к развитию жанров виртуозной музыки: вариаций, фантазий, токкат, концертов, сонат. Виртуозная техника игры на клавесине совершенствовалась итальянцем Доменико Скарлатти. В своих 555 пьесах для клавира он развивал такие сложные приёмы игры, как быстрые пассажи, трели, двойные ноты, перекрещивание рук. По воспоминаниям современников Скарлатти его игра «производила ошеломляющее впечатление: казалось, будто за инструментом сидела тысяча чертей».

Ÿ Послушаем одну из этих пьес – «Сонату До мажор».

Токката – жанр старинной музыки виртуозного характера, писалась для клавишных инструментов. В ней присутствовала импровизационная свобода музыкального развития. Патетический речитатив сопоставлялся с виртуозными пассажами. Своей кульминации жанр достиг в творчестве Баха. Его токкаты – клавирные и органные – поражают мощью звучания и смелой виртуозностью. Среди органных сочинений Баха особенно популярна

· Токката и фуга Ре минор BWV 565. Токката звучит свободно и пламенно. Приподнятые интонации вступительного речитатива создают впечатление возвышенной ораторской речи. Бурные виртуозные пассажи, гигантские наслоения плотных по фактуре аккордов придают токкате мощь и виртуозный блеск.

Это короткое произведение, написанное молодым Бахом, значит в истории музыки гораздо больше, чем многие «большие концерты» маститых композиторов.

Органная музыка в Германии до И. С. Баха имела давние традиции. Опыт целой плеяды замечательных мастеров органного искусства служил Баху опорой. Он был лично знаком со многими представителями старшего поколения немецких органистов и мог в живом звучании воспринимать национальное своеобразие немецкой органной музыки. Именно орган стал для Баха родной стихией. Здесь его гений раскрылся во всем своем великолепии и необъятности. Орган стал для него своего рода оркестром, который мог выдержать грандиозный размах его импровизаций.

Для этого инструмента Бахом создано огромное количество произведений. Это были и большие музыкальные циклы, состоящие из прелюдий, фантазий, токкат с фугами, и одночастные хоральные прелюдии. Основу органных миниатюр у Баха составляли мелодии протестантских хоралов. Вершиной органного творчества Баха стали его знаменитые Токката и фуга ре минор.

Форма фуги - основа органного творчества Баха. Обыкновенно он предварял ее прелюдией (небольшой пьесой, которая изначально представляла собой импровизационное вступление к основному произведению) или токкатой. Впрочем, строгой жанровой границы между токкатой и прелюдий провести нельзя. Довольно часто одна и та же пьеса называется в одних источниках токкатой, в других - прелюдией.

Токкату и фугу ре минор композитор написал, вероятно, еще в юности – во всяком случае, до переезда в Веймар. Виртуозное, исполненное молодой страстности и высокого религиозного чувства, это сочинение требует от исполнителя не только блестящей техники, но и способности к импровизации.

Начало произведения - возглас, повторенный трижды, с каждым разом все ниже. Он - словно призыв к молчанию. «Внемлите!» - говорит вступление слушателям. Из вступления рождается музыкальная речь. Бурная, драматичная, она подобна горной реке весной. Она не дает опомниться, она властно влечет за собой и поражает мощью и глубиной звука.

Следующая за токкатой фуга полна доверительности. Она лирична, изящна и вместе с тем по-юношески неспокойна. Музыкальный поток неустанно бежит вперед, но поток фуги, в отличие от потока токкаты, скорее напоминает прозрачные воды ручья. Что это? Трепет верующего сердца? Успокоение после сомнений? Признание в любви? И если да - то к кому? Некоторые полагают, что в этом произведении молодого Баха звучит эхо его первой любви, его страстной и невинной любви к Марии Барбаре, которая вскоре стала женой композитора. Думается, однако, что если мотив влюбленности и присутствует здесь, то вовсе не он определяет настроение всего сочинения.

Вся пьеса длится не более десяти минут. Но за это время она успевает захватить слушателя, подчинить его себе, она заставляет его пережить целую жизнь, полную восторга и смятения.

19 век дал миру великих виртуозов – Паганини, Шопена, Листа. В их творчестве особое место занимает жанр этюда.

Слово «этюд» вам хорошо знакомо. С первых месяцев овладения инструментом музыканты начинают играть этюды. Сначала совсем простые. Затем переходят к более сложным. По-французски etude - изучение. Они развивают технику музыканта. Каждый этюд посвящён освоению какого-то технического приёма: игра октавами, трели, терции, например.

Изучением технических приёмов, кстати, занимаются не только музыканты. Этим занимаются и художники, и шахматисты, и многие другие. Этюды великих художников часто оказываются не просто упражнениями для выработки какого-либо приёма, а подлинными произведениями искусства. Их выставляют в музеях, ими восхищаются. Вот и в творчестве Шопена этюд получил новое значение.

У Шопена этюд перестал быть упражнением. Он стал полноценным художественным жанром, как и другие концертные произведения, раскрывающим поэтические образы, мысли, настроения. Отныне этюды стали включаться в концертные программы как серьёзные и выразительные произведения наравне с сонатами, балладами и другими жанрами.

Его сочинения в этом жанре наряду с сочинениями Ференца Листа открыли новую, романтическую эру в истории фортепианного этюда и фортепианной виртуозности вообще. Всего в наследии Шопена - 27 этюдов, две тетради по 12 номеров в каждой (ор. 10 и ор. 25), и ещё три отдельные пьесы.

Судьба Ф. Шопена тесно переплелась с судьбой Родины. Признанный лучшим пианистом Польши, композитор отправляется с концертами в Европу. Шопен долго не мог решиться на этот шаг.

«…Нет у меня сил, - писал он, - назначить день отъезда; мне представляется, что я уезжаю, чтобы умереть, - а как, должно быть, горько умирать на чужбине, не там, где жил».

И всё же двадцатилетний композитор покидает Польшу. На прощальном вечере, устроенном друзьям, Ф. Шопену преподнесли серебряный кубок с польской землёй, который он хранил в знак верности своей Родине.

Когда из Польши пришла весть о начале народного восстания и его жестоком подавлении, Ф. Шопен решил прервать концертное путешествие и вернуться на Родину. Однако родные и друзья, боясь за его жизнь, отговорили композитора от этого шага: пусть он служит Родине своим искусством.

«Я проклинаю час своего отъезда… - пишет в письмах композитор. – Я не могу поступать, как мне хочется… В гостиных притворяюсь спокойным, а вернувшись домой бушую на фортепиано».

Своё горе, гнев, возмущение он излил в музыке. Как творческий отклик на происходящие в Польше события (в 1831 г.) появились такие сочинения Шопена, как знаменитый Этюд № 12, названный «Революционный», и Прелюдия № 24.

· Этюд № 12 (Revolutionary – «Революционный»). С огромной художественной силой отразились здесь гневный протест и острая душевная боль, охватившие музыканта, когда он узнал о подавлении восстания, вспыхнувшего на его Родине. На фоне грозных волнообразных - «вихревых» - пассажей слышатся страстные возгласы - словно гордые призывы умереть, но не сдаваться в смертельном бою. Когда они стихают, краткая до-мажорная кода звучит как трагически возвышенное оплакивание гибели героев.

В последний же момент по всей клавиатуре вновь проносится пассажный «шквал» - как порыв непримиримых мятежных чувств. По своему страстному эмоциональному накалу «Революционный этюд» родствен героике Бетховена, в особенности финалу его фортепианной сонаты «Аппассионата».

Любовью к Польше пропитан каждый такт музыки Шопена. Разлучённый на всю жизнь с Родиной, он оставался всегда польским композитором. Вот, почему как самую дорогую реликвию хранит сейчас Польша сердце Шопена, которое до последнего своего удара билось для родной страны.

Сердце Шопена привезли из Парижа в Варшаву, в костёл Святого Креста, и оно бережно хранилось там долгое время. Когда фашисты оккупировали Польшу, польские патриоты тайно вынесли из костёла драгоценный сосуд, хранивший эту реликвию, и спрятали его.

.

Русский композитор и критик Цезарь Кюи писал о Шопене: «Шопен... болел страданиями своего Отечества, болел разлукой со своими родными и друзьями, болел тоской по родине и своё искреннее, глубокое горе высказал в дивных, поэтических звуках. Это тяжёлое, скорбное настроение он называл одним польским непереводимым словом «жаль», которое одновременно обозначает и скорбь, и обиду».

«Глубокие думы о себе самом и о своём несуществующем более Отечестве, свои радости и отчаяние, свои восторги и мечты, минуты счастья и гнетущей горести, солнечные сцены любви, лишь изредка прерываемые тихими и спокойными картинами природы, - вот где область и могучее царство Шопена, вот где совершаются им великие тайны искусства под именем сонат, прелюдий, мазурок, полонезов, скерцо, этюдов…», - писал В. Стасов, выдающийся русский критик и общественный деятель XIX в.

Шопен и Лист создали виртуозные этюды в блестящем стиле, со сложнейшими приёмами игры, с необыкновенно красочной звучностью. Из учебной пьесы они превратили этюд в подлинно художественное произведение – этюд-картину, этюд-настроение.

Ференц Лист нередко превращал этюд в концертную виртуозную пьесу программного характера. Наиболее известны его этюды «Метель», «Хоровод гномов», «Блуждающие огни», «Шум леса».

В русской музыке мастерами художественных этюдов были Рахманинов, создатель «Этюдов-картин», и Скрябин.

· Скрябин. Этюд ре# минор – написан после 1905 года и отражает события первой русской революции. Подобно этюду Шопена полон бурных пассажей, ораторских интонаций, пламенных эмоций.

Каприччио – этот жанр также может быть отнесён к виртуозным. В переводе с итальянского означает «каприз», «прихоть». По-французски произносится как каприс. В музыке так называют пьесы, свободные по строению, капризного, изменчивого характера. Широко известны каприсы Паганини – виртуозные, причудливые пьесы.

Появление на концертных эстрадах Европы Никколо Паганини стало сенсацией в музыкальном мире. Его «дьявольская» игра, демонический облик и ореол тайны приводили современников в восторг и смятение. Изданные в Милане в 1820 году «24 каприса» для скрипки соло были объявлены неисполнимыми. И действительно, виртуозность этих блестящих пьес требует предельного напряжения физических и духовных сил исполнителя. Миф об их неисполнимости давно развеян.

Ÿ Наиболее популярен «Каприс №24» Паганини. Его тема стала основой произведения русского композитора – «Рапсодии на тему Паганини» для фортепиано с оркестром Рахманинова. Иногда эту подвижную и колкую мелодию называют «пляской смерти». Её 2-я часть построена на основе «золотой секвенции».

В старинной музыке каприччио могло сближаться с жанром фантазии, иногда становилось программным. Например, «Каприччио на отъезд возлюбленного брата» И. Баха, состоящее из 6 частей, не лишённых оттенков юмора, или «Рондо-каприччио» Бетховена с подзаголовком «Ярость из-за потерянного гроша».

Подобно фантазии, каприччио может оказаться и сюитой на народные темы, что часто происходит в русской музыке («Каприччио на русские темы» Глинки, «Итальянское каприччио» Чайковского, «Испанское каприччио» Римского-Корсакова, «Цыганское каприччио» Рахманинова).