Вся история музыки в 65 карточках

Вся история музыки в 65 карточках

Ключевые события европейской академической музыки: от Пифагора до Кейджа

Составили Федор Софронов, Борис Филановский, Юлия Богатко, Ирина Старикова

Что это такое?

I Античность

· Античность

· Средневековье

· Возрождение

· Барокко

· Классицизм

· Романтизм

· Модернизм

· Авангард

Cвернуть все

VII ВЕК ДО Н. Э.

В Древней Греции появляется организованная мелодия

Считается, что поэт и музыкант из Спарты Терпандр первым начал распевать стихи на определенные мелодические моде­ли (попевки), то есть использовал повто­ряющиеся музыкаль­ные фразы для запоминания и деклама­ции стихов.

Ему же приписывается усовершен­ствование первого про­фес­сионального музы­кального инструмента — кифа­ры, разно­видности лиры: он добавил к четырем струнам (тетра­хорду) еще три, благодаря чему диапазон инстру­мента увели­чился почти до октавы, и поло­жил начало дальнейшему теоретиче­скому разделению этого диапазона на тоны и полутоны — простей­шие интервалы между звуками.

≈ 530 ГОД ДО Н. Э.

Пифагор связывает музыку и математику

Философу и мистику Пифагору припи­сываются первые попытки объяснить музыку, в частности интервалы между звуками, с помощью математики, а также установление связи между этими интервалами и движением планет. Пифагорейцы описали музыкальный строй с помощью ряда обыкновенных дробей и высчитали гармоничные и негар­мо­ничные интервалы. Эти интервалы строились с помощью монохорда (изо­бре­тение которого также приписывается Пифагору) — инструмента без резона­тора со струной и под­вижным зажимом. В реальной же музыке звучали не мате­мати­чески просчитанные «натуральные» интервалы, а лишь приближенные к ним.

Благодаря пифагорейцам теория отде­ля­ется от практики до XVII–XVIII веков, когда развитие музыкального языка приведет к тому, что снова будет необходимо рас­считывать интервалы, чтобы новые инструменты (осо­бен­но клавиш­ные) не звучали фальшиво.

Е — 440-Е ГОДЫ ДО Н. Э.

НАЧАЛО V ВЕКА ДО Н. Э.

Появление музыкальной драмы

Можно сказать, что в это время трагедия — уже высоко­развитый жанр: Еврипид, например, использовал все суще­ствовавшие на тот момент разновидности напевов (мелосов) и по-разному применял их для повышения градуса драма­тического действия. Это и так называемые народные мелосы — дорийские, эолийские и лидийские, и более изысканные — с уменьшенными и увеличенными интерва­лами. В трагедии становится меньше хоров, больше моно­логов, появляются музыкальные антракты — интерме­дии. К этому же времени относятся первые дошедшие до нас фрагменты трагедий Еврипида с музыкаль­ными знаками, которые в ряде случаев показывают несовпадение музы­кального и поэти­ческого метров, то есть мелодия отделяется от текста.

≈ 250 ГОД ДО Н. Э.

II Средневековье

ГОД

ГОД

IX ВЕК

Рождение композиции

Изобретение способа зафиксировать высоту и длительность звука — узловая точка всей европейской музыкальной истории, равная по значимости появлению алфавита. С этого момента музыкальная традиция становится все более письменной, все менее похожей на устный способ передачи традици­онных культур. Вслед за нотацией появляется само понятие композиции, фигура компо­зитора, понятия о произведении и исполнении; текст приобретает все большее значение. На протяжении столетий действие музы­кан­та постепенно превращается в текст композитора, и этот текст становится все подробнее, оставляя все меньше места испол­ни­тель­скому произволу и вообще устному началу.

≈ 1150–1250 ГОДЫ

Е ГОДЫ

III Возрождение

≈ 1320–1325 ГОДЫ

Традиция новизны

Филипп де Витри первым провоз­гла­шает, что задача музыканта — создание нового. Воспроизводить канон может и ремесленник, но лишь художник может нарушить правила так, чтобы при этом создать новые. Де Витри положил начало важнейшему принципу, который двинул музыку вперед и отслоил ее от традиционной культуры, статической или цикличе­ской. Отныне компози­тор — специалист по созданию новых правил, новой эстетики, а вся история — это непрерывный пересмотр канона, деконструкция общепринятого, невзирая на его сакральность. Музыка уподобляется науке с ее расширением сферы знаний и суммы технологий, меняющимся контекстом и со все более узкой специализацией.

≈ 1450 ГОД

ГОД

Начало нотопечатания

Итальянец Оттавиано Петруччи публикует первый нотный сборник «Harmonice musices odhecaton» («Сто сладкогласных песен»), в котором напечатаны светские трех- и четырех­голосные сочинения, среди прочих — авторства главных композиторов того времени: Окегема, Обрехта, Жоскена Депре и других.

ВАЖНО!

ГОД

ГОД

Воспитание слушателя

С тех пор как музыка стала отдельной профессиональной областью, процесс обучения полностью изменился: сначала — передача знаний от учителя к ученику в монастыре; затем — практика частных занятий; теперь, наконец, публичное учебное заведение. По мере того как развивались традиция и стили, рос корпус текстов, музыка выходила в публичное поле, так что ей требовались не только производители — исполнители и композиторы, но и потребители — слушатели, они же меценаты (см. здесь). Развитие музыкального образования и все большая его доступность неизбежно вели от духовной практики (Средневековье) через эзотерическое посвя­щение в тайны искусства (Ренессанс) к крепкому ремеслу (барокко) и навыкам домашнего музицирования (классицизм и романтизм), а там и к «формированию гармоничной личности» в школах XX века.

ГОД

ГОД

Е ГОДЫ

ГОД

КОНЕЦ XVI ВЕКА

«Новый сладостный стиль»

К концу XVI века главным вокальным жанром, в котором соединяются все самые современные музыкальные новации, становится мадригал, а главным автором мадригалов — итальянец Джезуальдо да Веноза. Он активно использовал хроматические звуки , работать с которыми начал еще Вичентино (см. здесь), для усиления драматизма — изобра­жения аффектов (смерти, скорби, мук, убийства) и звуко­пи­си (изобра­жение бега, ветра). Эту отчетливо экспрессивную и динамичную манеру позже назовут «новый сладостный стиль».

Эксперименты Джезуальдо и других мадригалистов послу­жили форми­ро­ванию современной нам гармонии, мыслимой как последование аккордов, а не составляющих их отдельных тонов.

Карло Джезуальдо да Веноза. Мадригал для пяти голосов «Se la mia morte brami» (1611). Исполняет Ensemble Métamorphoses de Paris, дирижер Морис Бурбон. 1998 год

IV Барокко

≈ 1600 ГОД

Рождение оперы

К началу XVII века главным жанром музыкального драма­тического представления была мадригальная комедия, где сложное многоголосное устройство песен не давало рас­слы­шать текст. Содружество философов-гуманистов и музыкан­тов — Флорентийская камерата — искало способы возродить жанр античной трагедии. Члены камераты композитор Якопо Пери и поэт Оттавио Ринуччини реформи­ровали мадригальную комедию таким образом, что монологи стали ариями, диалоги — речитативами, а сами мадригалы — хорами. Первыми постановками в новом жанре считаются оперы «Дафна» (1598, не сохранилась) и «Эвридика» (1600).

ВАЖНО!

ГОД

ГОД

Изобретение фортепиано

Итальянец Бартоломео Кристофори одним из первых усовершенствовал клавесин, основной на тот момент клавишный инструмент. Главным образом изменения коснулись способа извлечения звука: в клавесине струну защипывало перышко, а новый инструмент использовал звукоиз­вле­чение другого родственного инструмента — клавикорда, в котором по струне бьет молоточек. Это давало музыкантам принципиально иные возможности: можно было играть громко или тихо в зависимости от характера прикосновения к клавишам. Но чтобы фортепиано приоб­рело современный вид, прошло около двух веков. Оно стало универсальным инструментом, на котором можно было играть любую музыку.

ВАЖНО!

Унификация звучания

Ренессанс и барокко породили фантастическое разнообразие струнных, духовых и клавишных. Из-за относительной слабости торговых и культурных связей различных европейских регионов сохранялось много локальных школ и традиций инструменто­строения. Кроме того, если мелодия всегда отвечала на вопрос «что играется», тембр инструмента отвечал за «как», поэтому одно и то же сочинение можно было сыграть (или спеть) совершенно разными ансамблями. По мере того как тембр становился частью композиции, тускнела и пестрота местных инструментов. Например, фортепиано в XVIII веке отличались друг от друга гораздо больше, чем к началу двадцатого (диапазон, механика, форма корпуса, размер клавиш), а сегодня тот же Кристофори мог бы подумать, что все рояли мира построены в одной мастерской.

Е ГОДЫ

ГОД

ГОД

ГОДЫ

V Классицизм

ГОД

Появление дирижера

Немецкий флейтист Иоганн Иоахим Кванц в своем трактате «Опыт наставления в игре на поперечной флейте» 1752 года впервые вводит фигуру музыкального руководителя, буду­щего дирижера. Этому посвящены главы «Что должно учи­тывать при выступлении в открытых концертах», «О каче­ствах музыкального руководителя» и некоторые другие. Однако до появления книг о дирижерской профес­сии, написанных Берлиозом и Вагнером, пройдет еще почти сто лет, а до превращения дирижирования в «точную науку» Германом Шерхеном — еще больше (исследования Шерхена появляются на рубеже 1920-х и 1930-х годов).

Это не значит, что коллективное исполнительство до этого момента было совсем не централизовано: как правило, группой музыкантов руководил клавесинист, размахивая свернутыми нотами или рукой, или сам композитор с батту­той — специальной палочкой, служившей для отбивания такта. Известная нам дирижерская палочка появится в Вене в начале XIX века, а из «отбивателя ритма» в «творца» дирижер превратится в середине XIX века, когда повернется к публике спиной.

ГОДЫ

ГОД

ГОД

Экономика музыки

Традиционно композиторов и исполнителей обеспечивали работой монастыри, соперничавшие друг с другом просвещенные монархи и князья, церковные общины, меценаты. Прежде чем с ними начала конкурировать публика в нынешнем смысле слова, прошли сотни лет, в течение которых музыка была предметом роскоши, приви­ле­гией очень немногих. В эпоху Моцарта концертная жизнь, похожая на современную, только начинала формироваться в полуфеодальных немецкоязычных странах и Франции, поэтому моцартовский фриланс во многом еще держался на концертах по подписке, частных уроках и подарках сиятельных лиц. Для сравнения: Гайдн большую часть жизни прослужил в Австрии придворным капельмейстером, а освободившись от контракта, поехал в капиталистическую Англию с ее общедоступными концертами — и там снискал огромный коммерческий успех как свободный художник.

VI Романтизм

ГОД

ГОДЫ

Паганини — первый виртуоз

В эпоху романтизма возникает новый тип музыканта — виртуоза, и складывается культ особого его почитания. Никколо Паганини, начавший как вундеркинд и продол­живший карьеру почти непрерывно гастролирующего скрипача, привлекал публику не только мастерской и точной игрой, но и загадочным, порой экзальтированным поведением. Его собственные каприсы для скрипки (сочинения свободной формы, благодаря Паганини ставшие виртуозно-изысканным жанром), ноты которых мог купить каждый исполнитель, были первым вызовом виртуоза не виртуозу.

Никколо Паганини. Каприс № 24. Исполняет Яша Хейфец (скрипка)

ГОД

Появление музыки с литературным содержанием

Новый для XIX века жанр — програм­мная симфония, то есть имеющая литературную программу, появляется с легкой руки Бетховена. Пытаясь создать что-то, что соединяло бы не только инстру­мен­тальную и вокальную музыку, но и уравнивало музыку и литературу, Бетховен вынужден закончить Девятую симфонию (1824) как ораторию: в финале солистами и хором исполняется «Ода к радости» на слова поэмы Фридриха Шиллера. Надо заметить, что более ранние сочинения с названиями (концерты Вивальди, симфонии Гайдна) опирались на живопись или в лучшем случае описательную поэзию; в них отсутствовал литера­турный нарратив. Непосредственно он появляется у Гектора Берлиоза в его «Фантасти­ческой симфонии» 1830 года: Берлиоз не использует вокал, но предлагает слушателю прочитать написанный им сопроводительный текст, состоящий из названия и краткого литературного вступле­ния к каждой части. Эти эксперименты продолжил Феликс Мендельсон. Две его увертюры — «Гебриды, или Фингалова пещера» (1832) и «Морская тишь и счастливое плавание» (1828–1834) — считаются непосредственными предше­ственниками жанра симфони­ческой поэмы, созданной Ференцем Листом. Таким образом, романтики не придумали собственной крупной формы, но перепридумали старую, наполнив ее новаторским для своего времени содержанием.

Флешмоб «Ода к радости» из Симфонии № 9 Людвига ван Бетховена. Нюрнберг, 2014

Е ГОДЫ

ГОДЫ

Оперная реформа Вагнера

Вагнер воплощает в жизнь мечту романтиков о «тотальном театре» : он придумывает музыкальную драму — оперу со сквозным сюжетным и симфоническим развитием и с системой лейтмотивов (собственных мелодий каждого героя). До Вагнера такое было возможно в симфониях, но не в операх, делившихся на отдельные номера — арии, дуэты, хоры и речитативы. Вагнер первым использовал в опере симфонический синтаксис, то есть музыка перестала быть подчинена тексту, теперь они равноправны. Вагнеровские принципы стали основными для оперы второй половины XIX века.

ГОД

ГОД

Театральная реформа Вагнера

В 1872 году король Людвиг Баварский (1845–1886) выделяет деньги на постройку оперного театра в Байройте для своего кумира Рихарда Вагнера, который как раз заканчивает в этом году свою колоссальную тетралогию — «Кольцо нибелунга». Строительство не раз останавливалось из-за нехватки средств, но в постройку вкладывалось и молодое немецкое правительство, и даже османский султан Абдулазиз. Уже через четыре года театр, не имевший аналогов в Европе, был готов, и с 13 по 17 августа 1876 года состоялась премьера «Кольца», мистерии, в которой Вагнер подменяет греческий миф германским.

Вагнер полностью перепридумал устройство театра. Огром­ный оркестр спрятан под сценой, это не только обеспечивает наилучший звуковой баланс между солистами и остальными музыкантами, но и не дает зрителям разглядывать орке­стран­тов. В зале нет ни балконов, ни галерей, есть только ложи и длинные ряды партера; на представление нельзя опаздывать и мешать себе и другим зрителям погру­жаться в действо — все внимание должно быть сосредоточено на происходящем. Фестивальный театр в Байройте — это первый «храм музыки», сакральное место, куда съезжаются паломники, придающие музыкальному действу значение религиозного ритуала. Байройтский театр до сих пор исполняет только оперы Вагнера.

ГОД

«Могучая кучка» — на Всемирной выставке в Париже

Митрофан Беляев, издатель и меценат, привозит в Париж музыку русских композиторов. Мусоргский, Бородин, Римский-Корсаков стали главными открытиями года, фактически предвосхитившими успех Русских сезонов. Техника письма Мусоргского и Бородина, оркестровые приемы Римского-Корсакова производят огромное впечат­ление на Дебюсси и молодого Равеля. Не насчитываю­щая и века национальная школа начинает оказывать влияние на старейшую в мире.

VII Модернизм

ГОД

ГОД

Начало модернизма в музыке

С симфонической поэмы Клода Дебюсси «Прелюдия к „Послеполуденному отдыху фавна“» и последующих его произведений начинается музыкальный модернизм. Дебюсси отказывается от привычного использования оркестра как средства создания монументального, насыщен­ного звучания. Он использует его как совокупность групп инструментов с продуманными фактурами звучания. Например, в группе из флейты, альта и арфы основной звук различен, но призвуки их тембров (обертоны) очень похожи. То есть Дебюсси впервые обра­щает пристальное внимание на тембровую палитру аккорда, тембр становится самостоя­тельным, крайне важным параметром сочинения, подлежащим классифи­кации и упорядочению. А ряды одинаковых по составу, ярко окрашенных аккордов, медлен­но плывущих по страницам оркестровых партитур Дебюсси, не обращают внимания на буйки и маяки, расставлен­ные по правилам классической гармо­нии, которая начинает стреми­тель­но распадаться также с этого момента .

Клод Дебюсси. «Прелюдия к „Послеполуденному отдыху фавна“». Исполняет Симфонический оркестр Монреаля, дирижер Шарль Дютуа

ГОД

ГОД

Начало атональной музыки

1908 год считается началом атональной музыки, то есть основанной не на ладовых устоях и тональных центрах, которые доминировали в музыке с 1722 года (см. здесь), а на собственной, придуманной, системе взаимосвязей звуков. Одновременно три композитора — Арнольд Шёнберг, Чарлз Айвз и Бела Барток (хотя экспери­менты начал еще Ференц Лист в 1885 году, а у Скрябина атональ­ность возникает в 1905-м) — пишут сочинения вне или над тональной системой: Шёнберг — финал Струнного квартета № 2, Айвз — «Вопрос, оставшийся без ответа» и Бела Барток — Багатели соч. 6, № 2 и 3.

Чарльз Айвз. «Вопрос, оставшийся без ответа». Исполняет CCM Concert Orchestra, дирижер Оливье Очанин

ГОД

ГОД

Зарождение мультимедиа

Скрябин, обладающий, как нередко бывает среди музы­кантов, «цветным слухом» , отказавшись от тональности, предлагает слушателю ориентиро­ваться в переходах от одной части формы к другой с помощью цвета. В музы­кальной поэме «Прометей» (или «Поэма огня») он приме­ня­ет «световую клавиатуру» в качестве своего рода индикатора тональности: на московской премьере 1911 года предпола­галось, что цвета будет проецировать над музыкан­тами специальный проектор со сменными фильтрами, но, по одной из версий, устройство оказалось слишком мало­мощным и концерт прошел без мультиме­диа­состав­ляю­щей. Первое исполнение со специально сконструи­рованным для этого инструментом хромола (его создал инженер Престон Миллар) состоя­лось только в 1915 году в нью-йоркском Карнеги-холле. Этот момент следует считать точкой рождения мультимедийной композиции в совре­менном смысле этого слова.

VIII Авангард

ГОД

Новизна и странность

Предметом музыки всегда было гармоничное, созвучное и сораз­мерное. Этим искусством можно было овладеть, лишь выполняя строгие и сложные правила, и даже нарушение традиций тоже должно было происходить по правилам (см. здесь). Но в редких случаях их можно было нарушить просто так, единственно ради изображения странного (stravaganza), характерного, курьезного. Атональные фрагменты «Битвы» Генриха Бибера, «Хаос» из «Сти­хий» Ребеля, «Музыкальная шутка» Моцарта с ее феериче­ским политональным окончанием, подражание «неученой» деревенской музыке у Гайдна или Малера, сырой речевой материал у Мусорг­ского, одновременная игра нескольких оркестров у Айвза — все эти кунштюки расширяли окно звуковых возмож­но­стей, узаконивали доселе запрещенное и двигали вперед технику композиции.

ГОД

ГОД

ГОД

ГОД

ГОД

Современная академическая музыка начинает отделяться от «традиционной»

В 1921 году в германском Донауэшингене прошел первый фестиваль новой музыки под названием «Донауэшингенские камерные концерты в поддержку современной музыки». Эксцентричный князь Фюрстенберг пошел на уговоры Пауля Хиндемита и ряда других композиторов в тяжелой экономи­ческой ситуации поддержать новое музы­кальное искусство. До этого новая и старая музыка звучали в концертах и фести­ва­лях вместе. Теперь композиторы-новаторы отде­ля­ются от академистов и своих предшествен­ников так же, как это сделали художники Венского сецессиона  за два десятилетия до этого. За годы раздельного существования разделился в своих предпочтениях и слушатель.

ВАЖНО!

ГОД

ГОД

ГОДЫ

ГОД

ГОД

Начало эры звукового кино

­­­­­­Эксперименты по озвучиванию кино начались с 1910-х го­дов, но лишь в середине 1920-х кино по-настоящему «заговорило». Надежная синхро­ни­зация не только музыки и шумов, но и речи актеров появилась в 1926–1927 годах, а первым полнометражным фильмом, где была применена такая синхро­низация, стала амери­канская картина «Певец джаза» .

Звуковая дорожка все еще была записана на специальной пластинке, и только позже Western Electric нанесла ее прямо на кинопленку (так называемая оптическая фонограмма). Режиссеры, сценаристы и актеры радикально поменяли язык кинематографа, но первона­чально практически все звуковые фильмы были музы­каль­ными, как «Певец джаза». Из-за этого без работы остались музыканты оркестров, озвучивав­ших немое кино, хотя вплоть до 1960-х они играли перед сеансами в фойе.

Вообще монтажные принципы кино очень сильно отра­зи­лись на музыке тех композиторов, которые много работали для него (в первую очередь Артюра Онеггера и Сергея Прокофьева, позже — Альфреда Шнитке), а также никогда не работавшего в кино Стравинского.

«Минуточку! минуточку! Вы еще ничего слышали» из фильма «Певец джаза» (1927)

ГОД

ГОД

ГОД

ГОД

Неопределенность музыки

Композиторы на протяжении истории последовательно подвергали сомнению все более базовые компоненты, из которых, как казалось слушателям, и состоит музыка. В течение XX века были переосмыс­лены концепты тональности (Шёнберг), разнообразия материала (Веберн, Шелси), его оригинальности (Стравинский), формы и автор­ско­го выбора (Штокхаузен, Булез). Кейдж усомнился в чем-то еще более базовом: в музыке как медиа, в отношениях между автором, исполнителем и слушателем, в равенстве произведения самому себе. От музыки как текста он перешел к музыке как случаю и как ситуации. Сомнение Кейджа не может поколебать музыкаль­ную историю, хотя он сделал для этого больше, чем кто-либо иной; однако оно радикально расширяет рамки возможного и ставит музыку как деятельность в новый контекст. Что такое музыка? Благодаря Кейджу мы снова этого не знаем.

 

Вся история музыки в 65 карточках

Ключевые события европейской академической музыки: от Пифагора до Кейджа

Составили Федор Софронов, Борис Филановский, Юлия Богатко, Ирина Старикова

Что это такое?

I Античность

· Античность

· Средневековье

· Возрождение

· Барокко

· Классицизм

· Романтизм

· Модернизм

· Авангард

Cвернуть все

VII ВЕК ДО Н. Э.