Кантата для смешанного хора и симфонического оркестра, слова народные

(Государственная премия, 1968)

Состав исполнителей: смешанный хор, альт-соло, два рояля, орган, ударные.

История создания

 

1950—1960-е годы — время полного расцвета свиридовского творчества. Одно за другим появляются произведения непреходящего значения. В 1964 году, вслед за несколькими сочинениями на стихи Блока, возникает принципиально иной цикл — кантата для хора и симфонического оркестра «Курские песни». После многих обращений к любимым и разным поэтам, от Бёрнса до Маяковского, композитор приник к народному источнику. «Часто я вспоминаю свою родину — Курский песенный край, — писал композитор в дневниковой тетради. — Россия была богата песней, Курские края — особенно. До 50-х годов (как я знаю) хранились в памяти народных певцов и певиц передаваемые изустно из поколения в поколение дивные старинные напевы. Как они прекрасны, как они оригинальны, своеобычны, какая радость — слушать их».

Обратившись к сборнику песен Курской области, составленному фольклористом Рудневой, в котором были опубликованы исконные образцы фольклора малой родины Свиридова — лирические протяжные, покосные, свадебные, бурлацкие, хороводные, — композитор отобрал семь различных песен для семи небольших частей кантаты, объединенных общей музыкально-поэтической идеей. Это «Зеленый дубок» (девичья лирическая), «Ты воспой, воспой, жавороночек» («тягальная» — мужская протяжная), «В городе звоны звонют» (свадебная), «Ой, горе, горе лебедоньку моему» (лирическая), «Купил Ванька себе косу» (покосная, лирическая), «Соловей мой смутный» (лирическая, бурлацкая) и «За речкою, за быстрою» (хороводная, так называемая тапочная, с особенным плясовым движением; курский вариант общеизвестной «Веселой беседушки»).

«За отдельными зарисовками можно увидеть нечто глубокое, серьезное, — пишет исследователь творчества Свиридова А. Сохор. — Перед нами проходит история крестьянской девушки. Она любит, гуляет с милым, выходит замуж, становится матерью, страдает от измены мужа, горюет в «золотой клетке». Проходит через кантату и другая линия — бодрых весенних настроений... Возникают раздумья о судьбе русской женщины, о ее прекрасной душе, о ее возвышенном этическом облике. Картины быта и природы сливаются с этим глубоко человечным образом».

Премьера «Курских песен» состоялась практически сразу после их написания, 13 июня 1964 года в Москве, в Большом зале консерватории. В 1985 году Свиридов переработал кантату, сделав сопровождение хора не оркестровым, а ансамблевым — из оригинального и выразительного сочетания двух роялей, органа и ударных. В таком виде кантата была впервые исполнена 7 мая 1987 года.

Музыка

«Курские песни» знаменуют собой начало нового периода творчества Свиридова, более того — нового важного течения во всей русской музыке. Их новизна — в подходе к народным песням не как к сюите фольклорных обработок, а некоему целому, пронизанному одной мыслью. Представляющие по внешним признакам обработки народных песен, части кантаты на деле являются самостоятельными композиторскими произведениями. «Композитор и не пытался точно воспроизвести песню или дать к ней своей музыкой исторической комментарий, — читаем в статье известного фольклориста И. Земцовского. — Он создал самостоятельное произведение, глубоко национальное по образности, уходящее в седую древность, но дышащее вечно молодой и буйной весенней силой. Это другая песня, другой жавороночек, но это подлинно народное восприятие весны, открывающей дорогу новой жизни. Это свободное обращение с текстом песни и замечательное проникновение в его неустаревающий подтекст, который намного старше и долговечнее... сюжета».

Во 2-й песне, «Ты воспой, воспой, жавороночек», звучит по-весеннему бодрая, упругая мелодия, которую сопровождает радостный звон в оркестре: возникает картинка удивительной свежести. Трогательно печальна 4-я, хороводная песня «Ой, горе, горе да лебедоньку моему» с солирующим альтом, прозрачным узором аккомпанемента. 5-я песня, «Купил Ванька себе косу», — яркая жанровая картинка. Поведение героя, изменившего жене, обсуждается всем миром. Напев звучит то у тенора-соло, то у хора, то переходит к басу. Временами звучат отдельные реплики солистов хора. 6-я песня, «Соловей мой», проникнута тоской, в ней нагнетается напряжение, которое выливается в финале — «За речкою» (№7), картине общего отчаянного веселья, за которым скрыта грозная сила.

ЭКЗАМЕНАЦИОННЫЙ БИЛЕТ №

1. Значение творчества С. С. Прокофьева

2. Н. Н. Сидельников. Концерт «Русские сказки»

3. Г. В. Свиридова «Поэма памяти Сергея Есенина»

Сергей Сергеевич Прокофьев (1891 – 1953), вошедший в историю русской музыки как великий композитор, новатор, мастер музыкального театра, создатель нового музыкального языка и ниспровергатель старых канонов, всегда оставался истинно русским художником.
М. Тараканов отмечает, что в этом – главное историческое значение Прокофьева, продолжившего в данном направлении дело Пушкина и Глинки; его

«по праву можно назвать солнцем русской музыки».

В то же время, продолжая идти в некотором смысле по пути А. Бородина и М. Мусоргского, он привносит в музыку натиск, динамику, энергию, наполненные глубокими идеями и светлым оптимизмом.

Музыкальный театр Прокофьева

 

С.С.Прокофьев в 1918 году

Непрерывный творческий процесс работы композитора в данном русле обусловлен развитием музыкально-сценической драматургии в связи с тремя основными линиями (выделяет Л. Данько):

§ комедийно-скерцозная, отмеченная связью с традициями народного ярмарочного представления, сказочно-пародийных спектаклей (например, балет «Шут», опера «Любовь к трем апельсинам»);

§ конфликтно-драматургическая, берущая начало от оперы «Игрок» – вплоть до оперы «Война и мир»;

§ лирико-комедийная (опера «Дуэнья», балет «Золушка»).

Четвертая линия, связанная с народной песенностью, формируется в последние годы жизни композитора (опера «Повесть о настоящем человеке», балет «Сказ о каменном цветке».

Оперы С.С.Прокофьева

Тематика оперных сюжетов охватывает образцы русской и европейской классической литературы; временной диапазон от эпохи Средневековья вплоть до периода Советского Союза. Помимо завершенных, немало оперных замыслов осталось нереализованными; некоторые приводит в пример Н. Лобачевская:

§ «Рассказ о простой вещи» (по повести Б. Лавреньева), существующий в виде краткого плана оперы;

§ «Расточитель» (по пьесе Н. Лескова), представляющий собой пространное изложение сюжета;

§ «Вас вызывает Таймыр» (по пьесе А. Галича и К. Исаева) – здесь разработаны отдельные характеры и сцены;

§ замыслы опер «Хан Бузай» и «Далекие моря» (сохранилась 1-я картина).

Среди завершенных опер:

§ «Пир во время чумы», родившийся в результате занятий композитора с Глиэром;

§ «Маддалена» (1911, 2-я ред. 1913) – одноактная лирико-драматическая опера;

§ «Игрок» (1916, 2-я ред. 1927), где зарождается тип конфликтной драматургии;

§ «Любовь к трем апельсинам» (1919), восходящая к традициям dellarte;

§ «Огненный ангел» (1919-1927/1928, по одноименному роману В. Брюсова), сочетает черты камерной лирико-психологической оперы и социальной трагедии;

§ «Семен Котко» (1939), сочетающий черты любовной драмы, комедии, социальной трагедии;

§ «Дуэнья» (или «Обручение в монастыре», 1946) – синтезирует жанры лирической комедии и социальной сатиры;

§ «Война и мир» (1941-1952) – опера-дилогия по роману Л. Толстого;

§ «Повесть о настоящем человеке» (1948, 2-я ред. 1960) — посвящена одной из важнейших проблем советского искусства: национальный характер в период Великой Отечественной войны.

В целом для оперного творчества Прокофьева характерно господство игровой стихии, тенденция к усилению роли оркестровых эпизодов, стремление воплотить современные идеалы и отразить особенности воссоздаваемой в конкретном сюжете исторической эпохи.

Прокофьев в музыкальных текстах своих произведений – сторонник рационального использования музыкально-выразительных средств; как драматург, обновляет оперный жанр введением в него элементов драматического театра и кинематографа. Так, специфику прокофьевской монтажной драматургии охарактеризовал М. Друскин: «прокофьевская драматургия – это не простая смена «кадров», не калейдоскоп чередующихся эпизодов, а музыкальное перевоплощение принципов то «замедленной», то «убыстренной» съемки, то «наплыва», то «крупного плана». Также оперы Прокофьева отличают многоплановость образов и сценических ситуаций, полярность в отражении действительности.

Балеты Прокофьева

Характерная для русского балета ХХ в. тенденция к симфонизации возводит балетный жанр не только в ранг одного из ведущих, но и делает его серьезным конкурентом оперы. Во многом она (тенденция) связана с именем С. Дягилева, по заказу которого были созданы практически все ранние балеты Прокофьева.

§ композитор продолжает и завершает балетную реформу, начатую П. Чайковским, доводя ее до той вершины, где балет из хореографического спектакля превращается в музыкальный театр;

§ из трех ведущих линий советского балетного театра (героико-историческая, классическая, сатирическая) именно классическая, имеющая лирико-психологическую природу, оказывается основополагающей для балетов Прокофьева;

§ симфонизация балетного жанра, важная роль оркестра, развитая лейтмотивная система.

§ «Ала и Лоллий» (1914), в основе которого – скифский сюжет. Его музыка также известна как «Скифская сюита»; дерзкий, острый, смелый «Шут», или «Сказка про шута семерых шутов перешутившего» (1915 – 1920), поставлен в Париже.

§ Балеты 20-30х годов: («Трапеция», 1924; «Стальной скок», 1925; «Блудный сын», 1928; «На Днепре», 1930, памяти С. Дягилева).

§ Три балета – шедевры, созданные по возвращении на родину («Ромео и Джульетта», 1935; «Золушка», 1940-1944; «Сказ о каменном цветке», 1948-1950).

Инструментальное творчество Прокофьева

Симфонии

§ №1 (1916 – 1917) «Классическая», где композитор обращается к бесконфликтному типу симфонизма добетховенского периода (гайдновский тип симфонизма);

§ №2–4 (1924, 1928, 1930) – симфонии зарубежного периода. Симфонию №2 Асафьев назвал симфонией «из железа и стали». Симфонии №3 и №4 – на материале оперы «Огненный ангел» и балета «Блудный сын»;

§ №5–7 (1944, 1945 – 47, 1951 – 1952) – написаны в поздний период. Героико-эпическая симфония №5 отразила дух военного времени; симфония №7, завершенная менее чем за год до смерти композитора, исполнена, тем не менее, оптимизма и радости жизни.

§ С. Слонимский к симфониям также относит симфонию-концерт для виолончели b—moll (1950 – 1952).

Фортепианное творчество Прокофьева

«стеклянный» колорит, «точно соответствующий нонлегатному пианизму самого Прокофьева» (Л. Гаккель).

композиторов-кучкистов, с другой – к представителям западной музыкальной культуры. Так, бодрый тон творчества, стройность музыки, приемы гармонического развития (органные пункты, параллелизмы и т.д.), ритмическая четкость, лаконичность в изложении музыкальной мысли роднят его с Григом; изобретательность в области гармонии – с Регером; изящество тарантелльных ритмов – с Сен-Сансом (отмечает Л. Гаккель).

Для Прокофьева важна наглядность музыкальных идей, максимальная простота и рельефность в их реализации. Отсюда – стремление к «прозрачности» звучания (характерно для ранних произведений), где темы часто оказываются в верхнем регистре, а по мере роста динамического напряжения – сокращается число звучащих голосов (дабы не перегружать звучность). Общая логика развития, как правило, определяется движением мелодической линии.

В фортепианном наследии Прокофьева – 9 сонат (№10 осталась незавершенной), 3 сонатины, 5 концертов (№4 – для левой руки), множество пьес, фортепианные циклы («Сарказмы», «Мимолетности», «Сказки старой бабушки», т.д.), порядка 50 транскрипций (в основном, собственных сочинений).