Билет. Как промышленный переворот и культурный прогресс в 19 веке повлиял на развитие культуры? Что такое Символизм и активное отношение к форм?

Начавшийся в последней трети XVIII столетия в Англии промышленный переворот стал в XIX в. главным содержанием экономического развития западных стран. Результатом промышленной революции стало образование индустриального общества, где «труд и производство становятся идеалом, а затем и идолом» и вместе с образованием, демократией и наукой превращаются в доминанты культурного процесса. На трон взошла ее величество Машина, по образу и подобию которой моделируется теперь вся общественная жизнь. Фабрика сменила мануфактуру, приведя к невиданному прежде росту производительности общественного труда, производство освобождалось от всех духовных ценностей, уровень благосостояния и качества жизни существенно возрос, в быт людей повсеместно входят телефон и телеграф, фотография и кинематограф, новые транспортные средства — паровоз, пароход, автомобиль, электрический трамвай, метро позволяют быстрее преодолевать расстояния. В городских домах появляются паровое и водяное отопление, центральное водоснабжение и канализация. Формируется средний класс- служащие государственных учреждений и частных кампаний, лица свободных профессий, мелкая буржуазия. Складывается новая система ценностей. Главной ценностью индустриальной цивилизации стал технический прогресс, который вместе с наукой мог обеспечить человечеству то, что называется благосостоянием. Капитализм вышел за пределы Европы. Складывание мировой системы капиталистического хозяйства, мирового рынка охватило оба полушария, стало всеохватывающим и более однородным. Шел процесс превращения истории во всемирную историю, формирования мировой культуры как целого, как единства многообразия — национальных культур, художественных школ. В Европе в XIX столетии главной ценностью стали считать научно-технический прогресс. Научные открытия в области физики, химии, биологии, астрономии, геологии, медицины следовали одно за другим. Естественно-научный прогресс повлиял и на гуманитарные науки. Это коснулось отдельных направлений этнологии, психологии, и в особенности возникшей в конце века социологии. XIX век — это век электричества.

Направление «символизм» возникло в искусстве в конце XIX века, как противовес буржуазному искусству – реализму и импрессионизму. В нем отразился страх художников перед окружающим миром с его научными и техническими достижениями, заслонившими духовные идеалы прошлых эпох. Символисты выразили неприятие буржуазности, тоску по духовной свободе, трагическое предчувствие мировых социально-исторических сдвигов. Символи́зм - одно из крупнейших направлений в искусстве, возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление к новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Символисты использовали символики, недосказанность, намеки, таинственность, загадочность. Основным настроением, улавливаемым символистами, являлся пессимизм, доходящий до отчаянья. Термин «символизм» в искусстве впервые был введён в обращение французским поэтом Жаном Мореасом в одноимённом манифесте - «Le Symbolisme», опубликованном 1886 года. Основные принципы эстетики символизма впервые появились в творчестве французских поэтов Шарля Бодлера, Поля Верлена, Артюра Рембо, Стефана Малларме, Лотреамона. В своих произведениях символисты старались отобразить жизнь каждой души — полную переживаний, неясных, смутных настроений, тонких чувств, мимолётных впечатлений. Символизм различает два мира: мир вещей и мир идей. Символ становится неким условным знаком, соединяющим эти миры в смысле, им порождаемом. В отличие от других направлений в искусстве, использующих элементы характерной для себя символики, символизм полагает выражение «недостижимых», иногда мистических, Идей, образов Вечности и Красоты целью и содержанием своего искусства. Самое яркое изменение, привнесённое символизмом, касается формы художественного воплощения его поэтики. В контексте символизма произведение любого вида искусства начинает играть именно поэтическими смыслами, поэзия становится формой мышления. Проза и драма начинают звучать поэзией, зрительные искусства рисуют её образы, с музыкой же связь поэзии становится просто всеобъемлющей. Меняется и сама направленность искусства, его цели. Художник, играющий символами, несущими в себе некие тайны и поэтическую многозначность, своим талантом обнажает в этих образах некие вечные соответствия и взаимосвязи мира, отражающегося в нашем сознании, и этим проливает свет на те самые тайны и «идеи», которые, в конечном счёте, и ведут нас к Истине, к постижению Красоты. Основным содержанием символистичного произведения являются выраженные в образности символов вечные Идеи, т.е. обобщённые представления о человеке и его жизни, высший Смысл, постигаемый лишь в символе, а также Красота, в нём воплощённая. В целом символизм был весьма неоднородным и противоречивым явлением. Не обладая собственной ярко выраженной стилистикой, он являлся скорее "идейным" движением, привлекавшим самых разных по манере мастеров. Многообразие существовавших внутри символизма идейных и социально-культурных тенденций, приводившее к быстрому распаду его группировок и поляризации идеологической ориентации. Таким образом, символизм разделился на направления по использованию различных подходов. Стилевые течения символизма: поздний романтизм, модерн, постимпрессионизм



Билет.Что такое Импрессионизм как новое художественное видение мира, индивидуальные искания? Теория разложения цветов. Живопись художников: Сислей, Эдуард Мане, Клод Моне, Ван Гог, Поль Гоген, Эдгар Дега, Огюст Ренуар, Анри Писсаро, Поль Сезанн, Ж. Сера.

Импрессионизм (впечатление) — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи, хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке. Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название этой картины Клода Моне. На импрессионистов огромное влияние оказал Рубенс, который отображал свет при помощи тонких, изысканных тонов, а тени — более теплыми и насыщенными цветами, передавая эффект светотени. Рубенс не использовал чёрный цвет, что позднее станет одним из основных принципов живописи импрессионистов. На Эдуара Мане влияние оказал нидерландский художник Франс Халс, писавший резкими мазками и любивший контраст ярких красок и чёрного цвета. Сильное воздействие оказал Эжен Делакруа, он уже различал локальный цвет и цвет, приобретаемый под воздействием освещения, его акварели, написанные в Северной Африке в1832 году или в Этрета в 1835 году, и особенно картина «Море в Дьеппе» позволяют говорить о нём как о предшественнике импрессионистов. Последним элементом, который повлиял на новаторов, стало японское искусство. С 1854 года благодаря прошедшим в Париже выставкам молодые художники открывают для себя мастеров японской гравюры таких как Утамаро, Хокусай и Хиросиге. Особое, неизвестное доселе в европейском изобразительном искусстве, расположение изображения на листе бумаге — смещённая композиция или композиция с наклоном, схематическая передача формы, склонность к художественному синтезу, завоевали расположение импрессионистов и их последователей. Начало поисков импрессионистов относится к 1860 годам, когда молодых художников уже не устраивают средства и цели академизма, вследствие чего каждый из них самостоятельно ищет иные пути развития своего стиля. Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего — 165 работ. Холст Моне — «Впечатление. Восходящее солнце», дал рождение термину «импрессионизм»: малоизвестный журналист Луи Леруа в своей статье для выражения своего пренебрежения обозвал группу «импрессионистами». Художники, из вызова, приняли этот эпитет, впоследствии он прижился, потерял свой первоначальный отрицательный смысл и вошёл в активное употребление. Была еще одна статья и еще одно название — «Выставка мятежников», абсолютно неодобрительное и осуждающее. Именно оно точно воспроизводило неодобрительное отношение буржуазной публики и критику к импрессионистам, которое господствовало годами. Импрессионистов сразу обвинили в аморальности, мятежных настроениях, несостоятельности быть добропорядочными. Как и искусство ренессанса, импрессионизм строится на особенностях и навыках восприятия перспективы. Для импрессионизма не так важно, что изображено на рисунке, но важно как изображено. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая социальные проблемы, в том числе такие как голод, болезни, смерть. Это привело позже к расколу среди самих импрессионистов. Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха, представляли вид определенного места при определенном освещении, мотивом их работ была также природа. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении. Импрессионисты одни из первых стали рисовать на воздухе, не дорабатывая свои работы в мастерской. Импрессионисты перестают концентрировать всю работу над полотнами в мастерских, теперь они предпочитают пленэр, где удобней схватить мимолётное впечатление от увиденного, что стало возможным благодаря изобретению стальных туб для краски, которые в отличие от кожаных мешочков можно было закрыть, чтобы краска не высыхала. В целом, в стиле импрессионизма работало множество мастеров, но основой движения были Эдуар Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Альфред Сислей, Камиль Писсарро,Фредерик Базиль и Берта Моризо.

Новое течение отличалось от академической живописи как в техническом, так и в идейном плане. В первую очередь импрессионисты отказались от контура, заменив его мелкими раздельными и контрастными мазками, которые они накладывали в соответствии с теориями цвета Шеврёля, Гельмгольца и Руда. Солнечный луч расщепляется на составляющие: фиолетовый, синий, голубой, зелёный, жёлтый, оранжевый, красный, но поскольку синий — разновидность голубого, то их число сводится к шести. Две положенные рядом краски усиливают друг друга и, наоборот, при смешении они утрачивают интенсивность. К тому же все цвета разделены на первичные, или основные и сдвоенные, или производные, при этом каждая сдвоенная краска является дополнительной по отношению к первой: Голубой — Оранжевый, Красный — Зелёный, Жёлтый — Фиолетовый. Таким образом стало возможным не смешивать краски на палитре и получать нужный цвет путём правильного наложения их на холст. Это же впоследствии стало поводом отказа от чёрного. Также художники использовали укрывистые краски, которые плохо пропускают свет и непригодны для смешивания поскольку быстро сереют, это позволило им создавать картины не с «внутренним», а «внешним» светом, отражающимся от поверхности.

Альфред Сислей ( 1839 - 1899) - французский живописец-пейзажист английского происхождения, представитель импрессионизма, родился и прожил большую часть жизни во Франции. Сельская аллея (1864), «Мороз в Лувесьене» (1873, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва), Вид Монмартра с Цветочного острова (1869), Ранний снег в Лувесьенне (1872), Мост в Аржантее (1872).

Эдуа́рд Мане́ ( 1832 - 1883) - французский художник, один из родоначальников импрессионизма. В 1853 году он совершил традиционное для французских художников путешествие в Италию, где посетил Венецию и Флоренцию. Именно тогда начало обозначаться влияние на молодого художника картин мастеров Раннего и Высокого Возрождения. Одним из художников, оказавших наибольшее влияние на Мане, становится Веласкес. В 1856-58 годах Мане приобретает известность как подающий надежды художник, его приглашают в различные салоны, где он знакомится с высшим кругом парижского общества. В 1859 году Мане решил, что его художественное образование завершено, и принял решение выставляться в Парижском салоне, престижной ежегодной парижской выставке. Художник возлагал большие надежды на реалистичную картину «Любитель абсента», но жюри салона отвергло «Любителя абсента». Несмотря на тщательный отбор, в 1861 году обе картины Мане («Портрет родителей» и «Гитарреро») были приняты жюри салона, причем последняя даже получила награду. Публика также весьма благосклонно отзывалась о творениях молодого художника. Признание салона принесло художнику славу и деньги. В 1863 и 1864 годах Мане выставляется как в Салоне отверженных, так и в официальном салоне, где его новые картины, особенно «Завтрак на траве» вызвали резкое негодование со стороны критиков. Пик неприятия выпадает на 1865 год, когда Мане выставил в салоне свою «Олимпию» — картину, найденную его современниками крайне непристойной и вульгарной, и спровоцировавшую грандиозный по тем временам скандал. Травля Мане со стороны чиновников от искусства и «просвещённой публики» вынудила художника буквально бежать в Испанию. С этого времени Мане, регулярно отвергаемый жюри салонов, сближается с группой молодых художников, которые вскоре будут названы импрессионистами. Клод Моне, Поль Сезанн и Эдгар Дега становятся для автора «Олимпии» друзьями и последователями. В 1867 году на проходящей в Париже Всемирной выставке Мане создаёт собственный павильон поблизости моста Альма. Выставлено пятьдесят работ — лучшие картины, созданные за десять лет творчества. Во время осады Парижа в 1870 году Мане, как убеждённый республиканец, остался в столице. После французско-прусской войны и Парижской коммуны художник ещё ближе сходится с молодыми импрессионистами. Тем не менее, Мане не хотел участвовать в выставках групп импрессионистов. Он предпочитал любой ценой добиться признания жюри официальных Салонов. Очередная шумиха вокруг его имени возникла в 1874 году. «Железная дорога» опять вызвала острую антипатию жюри. И лишь в 1879 году Салон оценил упорство художника: полотна Мане «В теплице» и «В лодке» были встречены очень тепло. Начиная с 1877 года в живописи Мане заметно стремление к натюрмортам и портретам. Особенно явно прослеживается влияние на Эдуара творчества Веласкеса. Постепенно художник обретает признание. С 1879 года его авторитет в глазах критиков от искусства растёт, его картины принимаются салонами. На одном из них Мане удостаивается медали за второе место, что даёт ему возможность выставляться, минуя отбор жюри. Тем не менее, творчество Эдуара Мане не было до конца признанным вплоть до 1890-х годов. Лишь тогда его картины начали приобретаться в частные и государственные собрания. В марте—апреле 1883 года Эдуард Мане переносит тяжелейшую операцию по ампутации ноги. Несмотря на первые симптомы кажущегося выздоровления, 30 апреля 1883 года художник умирает.

Оска́р Кло́д Моне́ ( 1840- 1926) — французский живописец, один из основателей импрессионизма. Клод стал бакалейщиком и продолжил семейное дело, но сын с детства увлекался изобразительным искусством, в частности с удовольствием рисовал карикатуры. На морском побережье Нормандии Моне повстречал Эжена Будена, известного пейзажиста и одного из провозвестников импрессионизма. Буден показал юному художнику некоторые приёмы живописной работы с натуры. Моне поступил в университет на факультет искусств, но быстро разочаровался в царившем там подходе к живописи. Покинув учебное заведение, он вскоре поступил в студию живописи, которую организовал Шарль Глейр. В студии он познакомился с такими художниками, как Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Они были практически сверстниками, придерживались схожих взглядов на искусство и вскоре составили костяк группы импрессионистов. Известность Моне принёс портрет Камиллы Донсьё, написанный в 1866 году («Камилла, или портрет дамы в зелёном платье»). Весной 1871 года, работам Моне было отказано в разрешении на участие в выставке Королевской академии. В мае 1871 года, он покинул Лондон, чтобы переехать жить в Зандам, в Нидерландах, где он нарисовал двадцать пять картин (и где полиция подозревала его в революционной деятельности). После возвращения во Францию в конце 1872 года Моне пишет свой знаменитый пейзаж «Впечатление. Восходящее солнце». Именно эта картина и дала название группе импрессионистов и целому художественному направлению. Картина была показана на первой импрессионистской выставке в 1874 году.

Винсе́нт Ви́ллем Ван Гог (1853 - 1890) — всемирно известный нидерландский художник-постимпрессионист. В 1880-х Ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880—1881) и Антверпене (1885—1886), пользовался советами живописца А. Мауве в Гааге, с увлечением рисовал шахтёров, крестьян, ремесленников. В серии картин и этюдов середины 1880-х гг. («Выход из протестантской церкви в Нюэнене» (1884—1885), «Крестьянка» (1885), музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; «Едоки картофеля» (1885), «Старая церковная башня в Нюэнене» (1885), «Башмаки» (1886), Государственный музей Винсента Ван Гога, Амстердам), написанных в тёмной живописной гамме, отмеченных болезненно-острым восприятием людских страданий и чувства подавленности, художник воссоздавал гнетущую атмосферу психологической напряжённости. В 1886-1888 Ван Гог жил в Париже, посещал престижную частную художественную студию знаменитого на всю Европу педагога П. Кормона, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, синтетические произведения Поля Гогена. В этот период палитра Ван Гога стала светлой, исчезли землистого оттенка краски, появились чистые голубые, золотисто-жёлтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся мазок. В 1888 году Ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и, одновременно, страх перед враждебными человеку силами, находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах (Жёлтый дом (1888), Кресло Гогена (1888), «Жатва. Долина Ла-Кро» (1888),), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах («Ночное кафе» (1888), музей Крёллер-Мюллер, Оттерло); динамика цвета и мазка наполняет одухотворённой жизнью и движением не только природу и населяющих её людей («Красные виноградники в Арле»), но и неодушевлённые предметы («Спальня Ван Гога в Арле»). В последнюю неделю своей жизни Ван Гог пишет свою последнюю и знаменитую картину: Поле зерновых с воронами. Она была свидетельством трагической смерти художника. Напряжённая работа и разгульный образ жизни Ван Гога в последние годы привели к появлению приступов психической болезни. Его здоровье ухудшалось, и в итоге он оказался в клинике для душевнобольных в Арле , затем в Сен-Реми (1889—1890) и в Овер-сюр-Уаз, где он предпринял попытку покончить жизнь самоубийством 27 июля 1890 года. Выйдя на прогулку с материалами для рисования, выстрелил в себя из пистолета в область сердца, а затем самостоятельно добрался до лечебницы, где, спустя 29 часов после ранения, скончался от потери крови.

Эже́н Анри́ Поль Гоге́н ( 1848 - 1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-хгодов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества связан с импрессионизмом. С 1880 года участвовал в выставках импрессионистов. С 1883 года профессиональный художник. Работы Гогена не находили спроса, художник был беден. В 1849 году, после неудавшегося антимонархического переворота, отец, не чувствуя себя в безопасности на родине, решил покинуть Францию. Вместе с семьей он погрузился на судно, идущее в Перу, где намеревался осесть в семье своей жены Алины и открыть собственный журнал. Этим планам не суждено было сбыться. По пути в Южную Америку он умер от сердечного приступа. До семилетнего возраста Поль жил в Перу и воспитывался в семье матери. В 1855 году, когда Полю было 7 лет, он с матерью возвращается во Францию и селится в Орлеане со своим дедом. Гоген быстро выучивается французскому языку и начинает преуспевать в образовании. В свободное время Гоген много времени уделяет своему хобби — живописи. Началось всё с коллекционирования картин, а затем Гоген стал сам пробовать писать. Гоген увлекался рисованием ещё с детства, но только после знакомства с художником-импрессионистом Камилем Писсарро, который в свою очередь познакомил Гогена с другими художниками, он стал рисовать регулярно и в конце концов выставлялся на выставках импрессионистов в 1881 и 1882 годах. Остров Мартиника, куда Гоген уехал в 1887 г. вместе с художником Лавалем, с которым он познакомился в Бретани, заставил совершить в творчестве мастера эволюцию. В композициях его стали заметны японские влияния, и на его полотнах начали появляться большие и сравнительно единообразные пространства, особенно когда он включал в свои пейзажи темно-синий океан. В 1887—1888 годах посетил Панаму, где наблюдал строительство Панамского канала. В 1888 году некоторое время жил у Ван Гога в Арле и работал с ним. Пребывание закончилось ссорой, связанной с одним из первых приступов помешательства у Ван Гога. Испытывая с детства, проведённого в Перу, тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию «болезнью», Гоген, жаждущий «слиться с природой», в 1891 году уезжает на Таити, где проживал в Папеэте и где в 1892 году пишет целых 80 полотен. После кратковременного (1893—1895) возвращения во Францию, из-за болезни и отсутствия средств он навсегда уезжает в Океанию — сначала на Таити, а с 1901 года на остров Хива-Оа, где берёт себе в жены молодую таитянку и работает в полную силу: пишет пейзажи, рассказы, работает журналистом. На этом острове он и умирает. Несмотря на болезни, бедность и депрессию, приведшую его к попытке самоубийства, лучшие свои работы Гоген написал именно там. Наблюдение над реальной жизнью и бытом народов Океании сплетаются в них с местными мифами. На больших плоскостных полотнах он создаёт статичные и контрастные по цвету композиции, глубоко эмоциональные и одновременно декоративные. Слава пришла к художнику после смерти, когда в 1906 году в Париже было выставлено 227 его работ.

Эдга́р-Жермен-Илер де Га, или Эдга́р Дега́ ( 1834 - 1917) — французский живописец, один из виднейших и оригинальнейших представителей импрессионистского движения. Желание рисовать начало проявляться у Дега уже в детстве. Впрочем, отец ему пророчил карьеру юриста, однако у Эдгара не было большого желания и способностей к юриспруденции, а обеспеченность семьи позволяла ему заниматься живописью, не особо заботясь о пропитании. Не нуждаясь остро в деньгах, Дега мог себе позволить не продавать свои работы и трудиться над ними снова и снова, стремясь к совершенству. В 20 лет (1854 год) Дега поступает в ученичество в мастерскую художника Ламота. трудно бывало отличить копию от оригинала.Эдгар изучал творения великих мастеров живописи в Лувре, за время своей жизни несколько раз посещал Италию, где имел возможность знакомиться с шедеврами мастеров Итальянского Возрождения. Особый интерес у живописца вызывали такие старые итальянские мастера как Мантенья, Беллини, Гирландайо и Джотто. На рубеже 60-х годов XIX века Эдгар Дега открывает собственную мастерскую в Париже. Основой его творчества являлась портретная живопись, но много внимания Дега уделал также историческим полотнам. Однако уже в начале 1860-х годов Дега заинтересовался сценами из современной жизни, и в первую очередь скачками. В 1861 году Дега знакомится с Эдуаром Мане, дружба с которым продолжалась до конца жизни последнего. Будучи человеком весьма авторитетным в среде молодых художников, неформальным главойБатиньольской группы, Мане познакомил Дега с молодыми живописцами, ставшими впоследствии известными как импрессионисты. С Эдуардом Мане Дега сближает общее неприятие академического салонного искусства. Дега больше интересовался современной жизнью во всех ее проявлениях, нежели вымученными сюжетами выставленных в Салоне картин. Не принимал он также и стремление импрессионистов работать на открытом воздухе, предпочитая мир театра, оперы и кафешантана. Более того, он не любил пленэр, считая, что на воздухе рассеивается внимание, и безоговорочно отдавал предпочтение управляемой среде студии. В 1870 г. волна франко-прусской войны докатилась до Парижа. Так же, как и Мане, Дега записался добровольцем в пехотный полк, однако на первых же стрельбах обнаружилось, что художник плохо видит правым глазом, — это было началом болезни, которая обернулась в конце жизни почти полной слепотой. Между 1874 и 1886 годами состоялось восемь выставок импрессионистов, и Дега принял участие в семи из них, пропустив только предпоследнюю, в 1882 году. Много картин написал на тему балета, оперы и театра. К концу 80-х годов Дега, по существу, реализовал свое желание «стать знаменитым и неизвестным». К 1882 году у художника начинает резко ухудшаться зрение, и Дега начал обращаться к пастельной технике, а затем и к скульптуре. Фигуры, изображенные на его поздних полотнах, всегда укрупнены так, словно художник рассматривает их с очень близкого расстояния. Лепить маленькие восковые скульптуры Дега начал в конце 1860-х годов, и, по мере того как ухудшалось его зрение, художник все больше внимания уделял именно этому жанру. Темы скульптур Дега повторяли темы его картин — танцовщицы, купальщицы или скачущие жокеи. Эти работы Дега лепил для себя, они заменяли ему этюды, и лишь немногие скульптуры он доводил до конца. Со временем Дега все чаще и чаще обращается к скульптуре, поскольку здесь он может больше полагаться на осязание, чем на почти утраченное зрение. Сам Дега металлом и камнем не занимался: он делал только скульптуры из мягких материалов исключительно для себя. Эдгар Дега скончался в возрасте 83 лет, будучи признанным мастером и авторитетным живописцем, по праву считавшимся одним из ярчайших представителей импрессионизма.

Пьер Огю́ст Ренуа́р (1841- 1919) - французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма. Ренуар известен в первую очередь как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности; он первым из импрессионистов снискал успех у состоятельных парижан. В середине 1880-х гг. фактически порвал с импрессионизмом, вернувшись к линейности классицизма, к энгризму. В последние годы жизни Ренуар снискал славу и всеобщее признание. В 1917 году, когда его «Зонтики» были выставлены в Лондонской Национальной галерее. Картина Ренуара выставлялась также в Лувре, и в августе 1919 года художник в последний раз навестил Париж, чтобы взглянуть на неё. Избрал такие жанры для своих произведений. Это пейзаж — «Жюль ле Кёр в лесу Фонтенбло» (1866), бытовые сцены — «Лягушатник» (1869), «Понт Неф» (1872), натюрморт — «Весенний букет» (1866), портрет — «Лиза с зонтиком» (1867), «Одалиска» (1870), обнаженная натура — «Диана-охотница» (1867). В 1872 году Ренуар с друзьями создал «Анонимное кооперативное товарищество». Первая выставка товарищества открылась 15 апреля 1874 года. Ренуар представил пастель и шесть живописных полотен, среди которых были «Танцовщица» и «Ложа» (обе — 1874). Выставка закончилась провалом, а члены товарищества получили оскорбительную кличку — «импрессионисты». В 1892 году у Дюран-Рюэля открылась большая выставка картин Ренуара, которая прошла с большим успехом. Признание пришло и от государственных чиновников — картина «Девушки у рояля» (1892) была закуплена для Люксембургского музея.

Анри Писсаро - французский художник, более известный как Манзана, третий из восьми детей Камиля Писсарро.
Родился в Лювисьенне. С самого раннего возраста учился у своего отца и, как старший брат Люсьен, провел годы становления в окружении известных художников импрессионистов Моне, Сезанна, Ренуара и Гогена, которые часто посещали дом Писсарро. Отец не только научил держать Жоржа кисть и карандаш, но, самое главное, научил наблюдать и любить природу. В молодости он под влиянием отца начинал с чистого импрессионизма, это видно по серии пейзажей, написанных в окрестностях Понтоиса и Эраньи. Жорж-Анри Писсарро был очень плодовитым и разносторонним художником, он писал маслом, пастелью и акварелью, при этом легко, на эмоциональном уровне, подвергался влияниям разнообразных течений. Полюбив модерн, он стал писать животных, в его работах проявились лучшие тенденции анималистической и ориентальной живописи. Позднее его работы стали еще более экзотическими. На художника оказали большое влияние экзотические картины Гогена, написанные им на Таити и Мартинике. Спустя десятилетия история доказала, что человек, объединивший в себе рисовальщика, живописца, импрессиониста, анималиста, востоковеда, художника-декоратора, дизайнера и т.д. любую свою работу основывал на прочном фундаменте знаний и неоспоримом мастерстве. В начале 1900-х Манзана регулярно выставляет свои работы на Осеннем Салоне и Салоне Отверженных, а также в галереях Дюран Руэля и Дрюэ в Париже. При этом около 1906 года Жорж начинает искать другие способы самовыражения именно посредством дизайна мебели и декоративных предметов. Это случилось после Осеннего Салона 1906 года, на который Манзана выставил восемь картин, эскизов и восемь гравюр. Уже в представленных работах просматривалось зарождение нового стиля, который сам художник называл «декоративным». В 1907 году состоялась его первая выставка работ декоративно-прикладного искусства в галерее Воллар. А в 1914 году состоялась самая значимая в карьере Манзаны выставка в Музее декоративного искусства, где художник представил 311 работ, включая гобелены, ковры, мебель, изделия из стекла, декоративные картины, гравюры и литографии. Не смотря на то, что художник «изменил» живописи, он считал свои новые произведения - сундуки, диваны, ширмы, стулья, посуду – настоящими произведениями искусства, а не предметами обихода. Приверженность дизайну и декоративно-прикладному искусству Манзана сохранял на протяжении почти 70 лет.

Поль Сезанн родился во Франции в 1839 году. После непродолжительного обучения в Школе Изящных Искусств Экс-ан-Прованса Сезанн отправился в Париж, где познакомился с Камилем Писсарро, Пьер-Огюстом Ренуаром, Клодом Монеи Альфредом Сислеем. Вместе с ними он участвовал в первой выставке импрессионистов в 1874 году в фотографическом ателье Надара в Париже. Однако, холодная реакция публики по отношению к работам Сезанна на этой и на последующей выставке импрессионистов 1877 года заставили его порвать с этой группой художников. Большое влияние на творчество Сезанна оказал Камиль Писарро. Признание пришло к Сезанну уже около 1900 года. Его картины были представлены на Всемирной выставке в Париже. Он пользовался особенно большой популярностью у молодого поколения художников. Поль Сезанн умер в 1906 году . Художественное наследие Сезанна составляет больше 800 работ маслом, не считая акварелей и других произведений. Никто не может подсчитать количества работ, уничтоженных, как несовершенные, самим художником за годы своего долгого творческого пути. В парижском осеннем Салоне 1904 года целый зал был отведен для демонстрации картин Сезанна. Девушка у пианино (Увертюра к «Тангейзеру»). ок. 1868. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Букет цветов в голубой вазе. 1873-1875. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Мост через Марну в Кретее (Берега Марны). 1888-1894. ГМИИ им. А. С. Пушкина, Москва, Курильщик. 1890-1892. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Гора св. Виктории. 1897-1898. Эрмитаж, Санкт-Петербург

Жорж-Пьер Сёра́ (1859- 1891) - французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель оригинального метода живописи под названием «дивизионизм», или «пуантилизм». После того, как его живопись была отклонена Парижским Салоном, Сёра предпочел индивидуальное творчество и союзы с независимыми художниками Парижа. В 1884 он и другие художники сформировали Сосьете де Артиста Индепендэнтса. Там он знакомится с художником Полем Синьяком, который впоследствии также будет использовать метод пуантилизма. Работы: «Купальщики в Аньере», Анжелика у скалы, Воскресный день, «Песчаный берег моря»; «Цирк».

 









Последнее изменение этой страницы: 2016-04-06; Нарушение авторского права страницы

infopedia.su не принадлежат авторские права, размещенных материалов. Все права принадлежать их авторам. Обратная связь