Леонардо да Винчи. Мадонна бенуа (1478, государственный эрмитаж)

Эта картина, названная по имени один из ее прежних владельцев, отличается от Мадонн других художников более темными цветами и тонкостью передачи света. В эскизах этого периода Леонардо пытался передать впечатление движения, движение передано и здесь.

Леонардо да Винчи. Мадонна Литта (ок. 1490—1491, Государственный Эрмитаж)

Картина исполнена, очевидно, в Милане, куда художник переехал в 1482 г. Она относится к числу произведений, появление которых ознаменовало новый этап в ренессансном искусстве - утверждение стиля Высокого Возрождения. Прекрасная женщина, кормящая младенца, предстает олицетворением материнской любви как величайшей человеческой ценности.
Композиция картины лаконична и уравновешенна. Фигуры Марии и младенца Христа моделированы тончайшей светотенью. В проемах симметричных окон открывается бескрайний горный пейзаж, напоминая о гармонии и грандиозности мироздания.
Картина поступила в 1865 г. из миланского собрания герцога Антонио Литта, с именем которого связано ее название.

 

Леонардо да Винчи. Благовещение. 1478-1482. Лувр

Сюжет картины заключается в том, что архангел Гавриил приносит Деве Марии известие о том, что она родит Сына Божьего - Иисуса Христа. Архангел осторожно приближается к Марии, робко смотрит на нее, словно боится испугать се своим сиянием. Образ Богоматери, ожидающей благую весть, необычайно поэтичен и одухотворен. Крылья архангела точно имитируют крылья настоящей птицы, и в этом проявилась научная зоркость Леонардо, характерная для художника на протяжении всей его карьеры. Дева Мария стоит на коленях, склонив голову и прикрыв глаза, и с благоговением вслушивается в произносимые архангелом слова. Платье Девы иллюстрирует способ, изобретенный Леонардо для изображения тяжелых складок.

На переднем плане изображен цветочный ковер, каждый цветок которого любовно и старательно прописан. Сцена справа, соответствует архитектуре того времени. Средняя часть огорожена низкой стеной, достигающей высоты колена, с маленьким открытием в центре. Это открытие, которое служит фоном жесту приветствия Гавриила, с лилией в левой руке, (символ чистоты Марии) также, показывает дорожку, исчезающую вдали. Видны острые силуэты деревьев и гор, на фоне пылающего неба. Леонардо, первый показал эту библейскую сцену не в закрытом помещении, а использовал мастерски выполненный пейзаж, усиливающий впечатление от картины.

 

Леонардо да Винчи. Мадонна в скалах. Лувр

Икона была заказана монахами церкви имени св. Франциска в 1483 году.
Совершенная согласованность всех частей, создающая крепко спаянное единое целое. Это целое, т. е. Совокупность четырёх изображённых фигур, очертания которых чудесно смягчены светотенью, образует стройную пирамиду, плавно и мягко, в полной свободе вырастающую перед нами. Взглядами и расположением все фигуры объединены неразрывно, и это объединение исполнено чарующей гармонии, ибо даже взгляд ангела, обращённый не к другим фигурам, а к зрителю, как бы усиливает единый музыкальный аккорд композиции. Взгляд этот и улыбка, чуть озаряющая лицо ангела, исполнены глубокого и загадочного смысла. Свет и тени создают в картине некое неповторимое настроение.

“Мадонна в гроте” показывает овладение художником тем реалистическим мастерством, которое так поражало его современников.

Картина предназначалась для украшения алтаря (оправой для картины являлся резной деревянный алтарь) в капелле Иммаколата церкви Сан Франческо Гранде в Милане. 25 апреля 1483 года члены братства Святого Зачатия заказали картины (центральная композиция – Мадонна с младенцем, боковые – Музицирующие ангелы) Леонардо, которому поручили выполнение самой важной части алтаря, а также братьям Амброджо и Эванджелиста де Предис. В настоящее время историки искусства придерживаются мнения, что оба холста на идентичный сюжет, из которых один хранится в Лувре, а другой – в лондонской Национальной галерее, являются вариантами картины, выполненными для одной и той же цели. Подписная Мадонна в скалах из Парижа (Лувр) первоначально украшала алтарь церкви Сан Франческо Гранде; возможно, она была передана самим Леонардо французскому королю Людовику XII в знак благодарности за посредничество в конфликте между заказчиками и художниками по поводу оплаты картин. Заменила её в алтаре композиция, ныне находящаяся в Лондоне. Впервые Леонардо смог решить задачу слияния человеческих фигур с пейзажем, постепенно занимавшую ведущее место в его художественной программе.

Леонардо да Винчи. Джоконда или Мона Лиза. Лувр

Только громкая известность " Тайной вечери " может сравниться с неоспоримой славой, какой на протяжении веков пользуется Джоконда. Завершив портрет, Леонардо уже не расставался с ним, а после него он перешёл к королю Франции Франциску I и, соответственно, в Музей Лувра, где хранится до сих пор. Если исследователи сходятся во мнении, что портрет был исполнен во Флоренции около 1503 года, то в вопросе идентификации его модели подобная уверенность отсутствует. По идущей от Вазари традиции, портретируемую принято отождествлять с Моной Лизой, женой флорентийского гражданина Франческо ди Джокондо. Ограничимся лишь замечанием, что эта идентификация подчас расходится с последующими наблюдениями над картиной, однако скудость связанных с ней документальных свидетельств не позволяет нарушить авторитет сложившейся традиции. Леонардо выходит здесь за рамки ранее использовавшейся им портретной схемы, выработанной Антонелло да Мессина. Он даёт поясное изображение модели в лёгком, трёхчетвертном повороте, со взглядом, обращенным к зрителю. Фон больше не затенён, резко выделяя фигуру, но представляет собой пейзаж, «ирреальный, словно увиденный в мечте, и вместе с тем панорамически точный, насыщенный влажными испарениями и туманной дымкой. Это не увиденный где-то пейзаж и не игра воображения, а natura naturans (природа созидающая (лат.), возникновение и распад сущего, циклический переход материи из твердого состояния в жидкое, парообразное. Это настоящий синтез ландшафтных штудий и тех топографических зарисовок, которые Леонардо делал с практической целью (проект регулирования течения реки Арно с помощью канала и затопления водой долины Кьяна, подготавливая который, он должен был выполнить многочисленные карты местности, расположенной между Тирренским морем и Апеннинами). Можно также утверждать, что впечатление, внушаемое этой картиной – не говоря об очаровании улыбки молодой женщины, вызывающей постоянный, быть может, преувеличенный интерес и немало фантастических гипотез, - создаётся благодаря совершенной связи между фигурой и природным окружением, которой художник достиг, применив технику сфумато. Она помогла объединить образ портретируемой, на чьём лице запечатлена ирония, - и пейзаж, синтезирующий в себе грандиозность мира, который человек стремиться раскрыть и объяснить, но который вместе с тем заключает в себе много загадочного и невыразимого.

Леонардо да Винчи. Иоанн Креститель. 1513-1516. Лувр

Картина художника Леонардо да Винчи «Иоанн Креститель». Размер картины 69 х 57 см, дерево, масло. Картина «Иоанн Креститель» может служить свидетельством того, что Леонардо да Винчи опередил своих современников не только на пути становления искусства Высокого Возрождения, но и в предчувствии его вскоре наступившего кризиса. На картине художником изображен длиннокудрый женоподобный юноша, который в одной руке держит крест, а другой указывает на небо, по самой своей идее, по характеру образа и по монохромной живописи (обращает на себя внимание глухая светотень и темный,почти черный фон) находится в противоречии с духом предшествующего искусства Леонардо да Винчи. Особенности этой картины трудно рассматривать только как результат творческого упадка самого художника - в ней уже зарождаются качества, внутренне родственные кризисным явлениям, обнаружившимся в итальянском ренессансном искусстве во всей своей силе через полтора-два десятилетия.

49.

Готические соборы значительно отличались от монастырских церквей романского периода: романская церковь тяжеловесна и приземиста, готический собор лёгок и устремлён ввысь. Это связано с тем, что в готической архитектуре стали использовать новую конструкцию сводов. Если в романской церкви массивные своды покоятся на толстых стенах, то в готическом соборе свод опирается на арки, а те в свою очередь — на столбы. Боковое давление свода передаётся аркбутанам (наружным полуаркам) и контрфорсам (наружным опорам, своего рода «костылям» здания). Такая конструкция дала возможность уменьшить толщину стен, увеличить внутреннее пространство здания. Стены перестали служить опорой свода, что позволило проделать в них множество окон, арок, галерей. В готическом соборе исчезла ровная поверхность стены, поэтому стенная роспись уступила место витражу — изображению, составленному из скреплённых между собой цветных стёкол, которое помещали в проём окна. Внутри и снаружи собор украшало множество статуй и рельефов.

Скульптурное и живописное убранство соборов, выполненное на религиозные и светские сюжеты, несло в себе систему взглядов и представлений, которыми должны были руководствоваться в своей повседневной жизни люди Средневековья.

В романском храме отдельные его части четко разграничивались, в готическом — границы между ними стёрлись. Пространство собора — с многочисленными архитектурными и скульптурными украшениями, светом, льющимся сквозь стекла витражей, — создавало образ небесного мира, воплощал мечту о чуде.

Особенности политического и экономического строя Испании 17 в. 1. Своеобразие испанской культуры 17 в. определялось соотношением классовых сил в обществе. С одной стороны испанское общество состояло из могущественной аристократии, с другой стороны - широких масс народа, крестьянства и плебейских элементов. Буржуазия, экономически слабая, мало сплоченная, не имела веса в общественной жизни страны и почти не участвовала в создании ее культуры. Это обусловило распространение в испанской культуре реакционно-сословной, дворянской и религиозной идеологии. Испанское общество было еще патриархально монолитным и не знало крайних форм индивидуализма, нередко проявлявшихся в эпоху Возрождения в Италии. Поэтому только в Испании могло существовать реалистическое искусство, "от которого пахло землей", и наряду с этим изысканно утонченное, болезненно хрупкое искусство для "посвященных".

50. Произведение итальянского художника эпохи Кватроченто из собрания Государственного Эрмитажа (по выбору студента)

Пьеро делла Франческа

Крещение Христа, 1450-1455, Национальная галерея, Лондон
Христос принимает крещение от Иоанна Предтечи в реке Иордан. Три ангела с чудесными многоцветными крыльями, в хитонах и с венками на голове свидетельствуют о том, что в этой атмосфере застывшей тишины происходит сошествие святого Духа, который представлен в виде голубя. В глубине за этой сценой изображен человек, снимающий свою тунику, чтобы тоже приобщиться к таинству. Впечатление спокойствия и ясности достигается в композиции системой вертикалей, образуемых стоящими фигурами и стволами деревьев, а также легкими изгибами реки. плавно текущей вдаль. Увлечение Пьеро делла Франческа линейной перспективой - предметом страстного интереса раннеренессансных художников, проявляется в трактовке им на заднем плане картины фигур и деревьев, размеры которых сокращаются пропорционально их удалению в глубь пространства.

 

50. Произведение итальянского художника эпохи Кватроченто из собрания Государственного Эрмитажа (по выбору студента)

 

Кватроче́нто, также кваттроченто (итал. quattrocento, «четыреста», сокращенно от mille quattrocento — «тысяча четыреста») — общепринятое обозначение эпохи итальянского искусства XV века, соотносимой с периодом раннего итальянского Возрождения. Это время Боттичелли, Донателло, Брунеллески, Мазаччо,Беллини, Пинтуриккьо, Перуджино и мн. др. Мировоззренческие принципы и тенденции кватроченто оказали несомненное влияние на искусство последующих веков — от классицизма и романтизма до определённой направленности в развитии культуры вообще. В изобразительном искусстве этот период знаменуется окончательным переходом от гармоничной условности и образного строя средневековья, в значительной степени подчинённых идеалам духовности и каноническим нормам раннехристианской культуры (переход этот наметился ещё в эпоху проторенессанса — дученто и треченто),— к системе взглядов, представлений и правил, послуживших основой для формирования концепции фигуративного искусства, т. н. реализма, и, в свою очередь, ставших питательной средой для такого направления, как академизм.Кватроченто характеризуется расцветом архитектуры, живописи и скульптуры. В этот период в Италии работала целая плеяда выдающихся мастеров, и среди них — архитекторБрунеллески, скульптор Донателло. В XV в. начали работать Рафаэль, Микеланджело, творил Леонардо да Винчи.

Традиционно считается, что моделью была любовница миланского герцога Чечилия Галлерани. Ранее существовала версия, что та же самая женщина изображена на другом портрете Леонардо — «Прекрасная Ферроньера», хотя в настоящий момент предполагают, что он изображает следующую любовницу герцога — Лукрецию Кривелли.

Идентификация этого портрета как изображения Галлерани относится к Новейшему времени. Ещё в 1877 году исследователи творчества Леонардо писали: «от этого прославленного поэтами портрета осталось не более чем несколько спорных копий и сонет Беллинчиони. Указывают, что оригинальный портрет красавицы Чечилии был в течение XVIII века во владении маркиза Boursane в Милане. Но где он сейчас?^{[К 1]} Раньше старинная копия его находилась в Амброзианской библиотеке; и в Пинакотеке Мюнхена есть „Святая Цецилия“, которая раньше была во владении профессора Франки и происходит от копии одного из учеников Леонардо с очень несвятой Чечилии Галлерани. Также есть второй оригинальный портрет Чечилии, находящийся в семье Паллавичини в Сан-Калочеро, написанный на взлёте её славы»^[1].