Ренессанс в архитектуре Северной Европы.

В начале XV в. в Италии (в Тоскане), где наследие античности никогда полностью не исчезало, возникает новое явление в искусстве - ренессанс, в более узком смысле слова - возрождение античного искусства. В XV в. ренессанс постепенно распространяется по всей Италии. Для него характерно наличие местных различий, поэтому во Франции он иной, чем в Венеции или в Риме. Еще в большей степени местные отличительные черты проявляются в XVI в., когда ренессанс распространяется по всей Европе.
В XIII - XIV вв. города Северной Италии становятся воротами оживленной морской торговли, отняв у Византии роль посредника между Европой и экзотичным Востоком.
Накопление денежного капитала и развитие капиталистического производства способствуют быстрому формированию буржуазных отношении, которым уже тесно в рамках феодализма. Создается новая, буржуазная культура, избравшая своей моделью античную культуру; ее идеалы получают новую жизнь, что и дало название этому мощному социальному движению - Ренессанс, т. е. Возрождение.
Опираясь на новые открытия и изобретения, государственные силы вступили во владение наследием средневековья, начали образовываться национальные государства. Одно из идеологических последствий этого перелома - церковные реформы в различных странах Европы, поколебавшие власть римского папы.
История начала этого периода характеризуется ростом богатства буржуазии и обнищанием крестьянства. Владевшие землей князья приняли участие в многочисленных и беспощадных войнах.
Архитектура занимает ведущее место в ренессансном художественном творчестве. В этот период возводятся сооружения, масштабной мерой которых становится человек. Существенно изменяется характер монументальной архитектуры, и в отличие от вертикализма пространств, соответствовавшего мировоззрению средневековья, новые формы развиваются в ширину. Архитектура характеризуется простотой и спокойствием объемов, форм и ритма.
Всю историю развития нового стиля в течение XV - XVI вв. можно разделить на три основных периода.

1420 - 1500 гг. - это период раннего Ренессанса. Ведущим архитектором этого периода был Ф. Брунеллески (1377 - 1446), а основным центром - Флоренция.

Далее следует период расцвета Ренессанса (начиная с 1500 г.) Ведущим архитектором становится Д. Браманте (1444 - 1514), а центр перемещается в Рим.

Последний и по времени относительно короткий период относится к позднему Ренессансу (1540 - 1580). Ведущим архитектором этого времени стал великий скульптор и живописец Микеланджело Буонаротти (1475 - 1564).

Строительные особенности стиля ренессанс
Кроме традиционных строительных материалов в период Ренессанса используются и некоторые новые. Традиционный камень в основном в ранний период применяется в виде каменных блоков, обработанных различными способами. Он используется и в конструкциях, и в элементах оформления. Все более важным материалом становятся строительные растворы. Практически Ренессанс - период наступления штукатурки в архитектуре. Раствор используется не только в кладке, но и в виде гладкой штукатурки, сграффито, руста и для создания некоторых других архитектурных элементов. Кирпич по - прежнему остается привычным материалом, конструктивным и декоративным. Ренессанс характерен чередованием материалов и цвета, широко используются цветные материалы: терракота, майолика и глазурованный кирпич. Изделиям из этих материалов легко придать различную форму, что позволяло создавать различные элементы и детали архитектурного оформления сериями.
В XVI в. чаще, чем настенная живопись, в убранстве интерьеров используются лепные украшения, вначале белые, а впоследствии тонированные и золотые. В значительном количестве применяется железо, особенно в качестве конструктивных деталей, обеспечивающих жесткость с помощью тяг и затяжек.
Медь, олово и бронза используются в декоративных целях. Из дерева конструируются стропила, карнизы и потолки, которые имеют кессоны сложной формы. В некоторых случаях из дерева выполняются и своды, например, цилиндрические с люнетами.
Конструктивное решение сводов и куполов остается основной технической н художественной задачей. Популярны глухие своды и купола, оставляющие много места для росписей. При возведении сводов использовался как античный, так и средневековый опыт. Образцом для подражания считался римский Пантеон. При этом ренессанс старается преодолеть массивность и простое нагромождение объемов, и для облегчения конструкции в системе сводов применяются различные дополнительные элементы, которые оставляются открытыми и иногда трактуются как детали художественного решения (например, затяжки). Часто используется купол на парусах, известный уже раньше (например, храм св. Софии), однако новым становится включение в систему высокого барабана, промежуточного цилиндрического элемента, вставляемого между парусами и куполом.
К наиболее типичным для ренессанса сводам относятся: цилиндрический с люнетами, сомкнутый, лотковидный, «зеркальный». Для коридоров и арочных галерей применялся крестовый свод без ребер.

Характерно, что первым ренессансным произведением была не церковная, а гражданская постройка. Это здание флорентийского Воспитательного дома, спроектированное Ф. Брунеллески в 1421 г. По своей архитектуре оно полностью отличается от предшествующих готических построек. Здание имеет горизонтальную композицию, с легкой аркадой на колоннах, которая с тех пор становится наиболее популярным архитектурным приемом.
Характерные черты стиля ренессанс.
Ренессансные постройки вызывают ощущение статичности за счет наслоения друг на друга горизонтальных этажей. Из античной архитектуры ренессанс перенимает ордерную систему. Колонна, пилон, пилястра, архитрав, архивольт и свод являются основными элементами, которые ренессанс свободно использует, создавая их различные комбинации. Используются различные ордера, которые чаще всего выстраиваются в ряд в соответствии с так называемой классической соподчиненностью - от самого тяжелого дорического в нижней части к наиболее субтильному коринфскому наверху. Стена опять приобретает свое первоначальное тектоническое значение.
Очень важным является и изменение характера пространства. Вместо вдохновенного готического пространства появляется рациональное с визуально четкими границами. Вместо напряженности готических ломаных линий используются строгие, в большинстве случаев прямоугольные, формы. Основные геометрические фигуры и тела в ренессансной архитектуре - квадрат, прямоугольник, куб и шар.
С самого начала и через весь период Ренессанса проходит принцип художественного индивидуализма, свободного обращения к античным формам.
В противоположность готическому усложнению стены вплоть до вертикально подчеркнутого скелета с застекленными внешними поверхностями ренессанс вновь обратился к массивным и визуально устойчивым архитектурным объектам, наружные стены которых украшали орнаменты в подражание античным формам и разнообразные по форме и размерам ризалиты. Как и в готический период строительство было сконцентрировано в городах. Однако в это время наряду с городскими жилыми и общественными зданиями возникали великолепные замки в великокняжеских резиденциях, как правило на местах бывших укрепленных замков.
Над созданием дворцов, садов и укреплений работали архитекторы, воспитанные на итальянских образцах. Они создали материальную среду, которая благоприятствовала светской жизни, занятиям искусствами, литературой, музыкой. Строительство культовых зданий вследствие Реформации потеряло свое превалирующее значение.
В развитии ренессансной архитектуры первоочередной задачей является строительство дворцов для старой и новой торговой аристократии.

Городские дворцы вначале имели вид крепостей, так как выполняли и оборонительные функции. Их общим признаком была простота композиции, мощный руст стен, последовательное разделение этажей карнизами. По существу, можно говорить о едином блоке, имеющем горизонтальное членение. Верхняя часть завершалась особенно сильным карнизом, иногда значительно выступающим (палаццо Питти во Флоренции, 1458 г.; палаццо Строцци, 1489 г.; палаццо Гонди, 1490 г.). К раннему периоду относится и палаццо Кводани во Флоренции, последний из ренессансных дворцов, несущий следы готики.
Существовавшее в начале преобладание горизонтальных членений позже уравновешивается вертикальными вставками на фасаде в виде пилястр (скорее образ пилонов или колонн), как в палаццо Ручеллаи. В дальнейшем происходит все большее пластическое обогащение фасадов.

Период расцвета и поздний Ренессанс. Папа Юлий II пригласил в Рим лучших художников Италии. Ведущее место среди них в этот период занимал Д. Браманте (1444 - 1514). Свою деятельность он начал небольшим центричным в плане храмом Темпьетто во дворе церкви Сан Пьетро ин Монторио в Риме (1502), с которого открывается новый период развития Ренессанса. Самой большой задачей, которую ему пришлось решать, стал проект собора св. Петра в Риме, который должен был быть возведен на месте старохристианской базилики. Основу предложенной Браманте композиции составлял равносторонний крест с огромными апсидами на концах.
Между образующими крест пространствами размещались центричные в плане меньшие пространства. Снаружи здание выглядело как куб с выступающими ризалитами апсид.
Период позднего итальянского Ренессанса заложил основы для совершенно нового направления в искусстве - стиля барокко в обоих его проявлениях - как динамическом (Микеланджело), так и классическом (Виньола).

 

38. Живопись нидерландских и немецких мастеров.

 

До конца XV в. Ренессанс был явлением только итальянской культуры. Но на рубеже XV-XVI вв. возрожденческая культура преодолела национальные границы Италии и быстро распространилась по странам Западной Европы к северу от Альп — в Нидерландах, Германии и Франции. Каждая страна имела свои особенности в становлении культуры Возрождения, но наиболее самобытный характер Северного Ренессанса проявился в художественной культуре Нидерландов и Германии. Главными центрами искусства были Антверпен, Нюрнберг, Аугсбург, Галле, Амстердам.

Использование термина «Возрождение» по отношению к культуре этих стран довольно условно, так как ее формирование опиралось не на возрожденное античное наследие, а на идеи религиозного обновления. Тем не менее сущность происходивших процессов и в Италии, и в этих странах была общей — расшатывание феодального мировоззрения, становление буржуазного гуманизма, рост самосознания личности.

Развитие Северного Ренессанса на целое столетие запоздало по отношению к итальянскому и происходило на совершенно другой основе. Так, в Италии основой гуманизма служили учения античных философов-язычников, а в северных странах он основывался на воскрешении демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. Если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему. Поэтому в художественной культуре Северного Возрождения сохранилось значительно больше черт средневекового мировоззрения, религиозного чувства, символики, она более условна по форме, более архаична и меньше знакома с античностью.

Философской основой Северного Возрождения был пантеизм (обожествление вселенной, природы). Не отрицая прямо существование Бога, это учение растворяет его в природе, наделяя ее божественными атрибутами, такими, как вечность, бесконечность, безграничность. Пантеисты считали, что в каждой частице мира есть частица Бога, и делали вывод, что любое проявление природы достойно изображения. Такие представления привели к появлению в художественной культуре Северного Возрождения пейзажа как самостоятельного жанра.

В Германии в последней трети XV в. возник и получил развитие в искусстве Северного Ренессанса портрет. Немецкий портрет отличался от портретной живописи итальянского Возрождения. Если итальянские художники в своем преклонении перед человеком создавали идеал красоты, то немецкие мастера были безразличны к красоте, для них главным было передать характер, добиться эмоциональной выразительности образа. В итальянском Возрождении на первом плане была эстетическая сторона, в Северном — этическая.

В искусстве Северного Ренессанса сформировался и получил развитие (прежде всего в Нидерландах) такой жанр, как бытовая картина. Нидерландских художников отличала необычайная виртуозность письма: любая мельчайшая подробность изображалась с большой тщательностью. Это делало картины очень увлекательными для зрителя: чем больше разглядываешь, тем больше находишь интересных деталей.

Главное различие между итальянским и Северным Возрождением заключается в том, что первому присуще стремление к восстановлению античной культуры, к раскрепощению, освобождению от церковных догм, светской образованности, тогда как в

Северном Возрождении главное место занимали вопросы религиозного совершенствования, обновления католической церкви и ее учения. Северный гуманизм привел к реформации и протестантизму.

Возрождение в Нидерландах

Нидерландами в XV в. называли земли у берегов Северного моря, где теперь расположены Голландия и Бельгия. Богатые области, объединенные под властью бургундских герцогов, первенствовали среди европейских стран в экономическом и культурном отношении. Рост городов и уклад городской жизни способствовали формированию нового отношения к конкретной повседневной деятельности. Обыденные жизненные явления окружались благоговейным почитанием и ореолом святости: мое дело, моя семья, мой дом, мое имущество, моя капелла, мой святой покровитель. Во всех слоях общества чрезвычайно усилилось стремление к украшению и опоэтизированию повседневности. Нидерландские художники буквально обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа, копировали мельчайшие детали быта и во всем этом видели прекрасное. Становление нового искусства началось в первой трети XV в.Живописцу Яну ваи Эику безоговорочно принадлежит первенство в нидерландском ренессансе. Главное творение ван Эйка- грандиозный Гентский алтарь — полиптих (т.е. сложенный много раз) для одной из капелл в Генте, в котором выражено новое мировоззрение, новое представление о человеке и вселенной. Образ вселенной создают 12 изображений на наружных створках полиптиха (в закрытом виде) и 14 на внутренних (в раскрытом виде) — небесные сферы, населенные небожителями, и земля с се далями, лесами, долинами и горами.

Ван Эйку традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи. Это не совсем точно, поскольку способ применения растительных масел как связующего вещества для краски был известен и раньше. Но художник усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин. Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу.

В XV в. впервые в европейском искусстве бытовой жанр становится самостоятельным направлением в живописи. У нидерландских художников не было стремления к идеализации, героизации, возвеличиванию человека и его деяний. Напротив, их отличали пристальный взгляд на мир и его правдивое, непосредственное изображение, уважение к будничной жизни и любовь к миру вещей. Все это привело к появлению картин на бытовые темы. Особое место в формировании и утверждении этого жанра принадлежит Босху и Брейгелю.

Творчество Хиеронимуса Босха современным зрителем воспринимается как очень сложное и загадочное, поскольку он постоянно прибегал к иносказаниям. Вероятно, современникам аллегорический смысл его образов был понятен, ибо его произведения пользовались большой популярностью. Сюжеты ею картин демонстрировали отрицательные явления жизни. В своем творчестве Босх выступал как моралист, страстный проповедник, бичующий зло и пороки погрязшего в грехах мира. В его картинах дьявол принимает разнообразные причудливые обличья, зло проникает повсюду, а человек предстает как раб греховности, как безвольное, бессильное и ничтожное существо.

Свои картины на темы ада, рая, Страшного Суда, искушения святых художник населил легионами фантастических тварей, у которых самым невероятным образом сочетаются части разных животных, растений, предметов, а иногда человека. Полные злобной активности, эти существа объединяются с маленькими беспомощными фигурками людей, птицами, рыбами, зверями, порождая ощущение низменного, суетного, лишенного разумной основы существования. Ни один из последующих мастеров живописи не создал столь фантастических, граничащих с безумием образов.

Сложные процессы общественной жизни середины XVI в. в Нидерландах оказали влияние на развитие живописи. Страна находилась под властью Габсбургов, которые ее беззастенчиво грабили. Когда правителем стал герцог Альба, в стране установился режим кровавого террора. Испанская инквизиция проводила массовые аресты, повсюду горели костры и воздвигались виселицы. Это неизбежно порождало мысль о ничтожности отдельного человека и его деятельности. В результате оказались окончательно изжитыми принципы искусства XV в. Творчество нидерландских художников все больше ориентировалось на изображение жизни народа. Наиболее выразительными в этом плане стали работы последнего художника нидерландского Возрождения Питера Брейгеля Старшего.

Творчество Брейгеля характеризуют жизненный уклад и обычаи страны середины XVI в. Для мировосприятия Брейгеля были характерны представление об извечно существующем в мире противостоянии добра и зла, умение видеть глубоко заложенный высший смысл в любых проявлениях жизни. В его картинах отражается активная деятельность людей, не имеющая никакого смысла. Картины объединяет мысль о безумии человеческого существования в условиях «перевернутого мира». Композиционно это множество мелких суетящихся фигурок, которые снуют между домами, выходят из дверей, выглядывают из окон и т.д. Они не составляют единого целого, их облик — это облик людей, живущих по законам «перевернутого мира». На них печать глупости, дурашливого веселья, бессмысленного внимания. Их веселые и бестолковые забавы — своего рода символ абсурдной деятельности всего человечества. В мировой живописи пейзажи Брейгеля занимают особое место, ибо нет других таких изображений природы, где космический аспект мироощущения был бы гак органично слит с житейской повседневностью. Поэтому не случайно Брейгель считается основателем пейзажного жанра в нидерландской живописи.

Возрождение в Германии

Становление культуры Возрождения в Германии происходило значительно позже, чем в Италии и Нидерландах. Это объясняется особенностями ее исторического развития. Еще в начале XV в. Германия была типичной средневековой страной, раздробленной на множество мелких княжеств. Средоточием и центром культурной жизни были города, которые представляли собой оазисы в феодальной стране, вся культура которой была под контролем церкви и сохраняла средневековый характер.

В Германии идеи гуманизма становятся известны к середине XV в. благодаря торговым связям с итальянскими городами. Распространение этих идей вызвало борьбу против феодального строя и католической церкви, общий культурный подъем, обновление литературы и искусства. В этом процессе главным для немецких художников было не само по себе овладение новыми формами изображения, а стремление с их помощью придать религиозному содержанию новую силу и близость к жизни, выразить мысли и чувства, тревожившие людей в это время.

Альбрехт Дюрер был основоположником немецкого Возрождения и единственной универсальной фигурой, подобной итальянским титанам Ренессанса. Великий гравер, живописец и рисовальщик в своем творчестве сумел оченьтонко пере дать дух эпохи с ее настроениями хилиазма (вера в тысячелетнее правление Иисуса Христа и праведников), предчувствием конца света, но вместе с тем и появлением нового гуманистического мышления. При этом Дюрер в своем творчестве с наибольшей полнотой выразил особенности именно немецкого Возрождения, отличного от искусства не только Италии, но и Нидерландов: в его творчестве рациональное и классическое неотделимо от готической экспрессивности и одухотворенности, тяга к знаниям соединяется с глубокой, страстной религиозностью.

На художественное сознание Дюрера оказало большое влияние его путешествие по Италии, поэтому его манера письма близка к итальянской. Его художественное видение мира отличается стремлением как можно более объективно отразить действительность, добиться от живописи и рисунка полной достоверности. По разнообразию сюжетов, широте восприятия действительности Дюрер является типичным представителем Высокого Возрождения. В изобразительном языке мастера нет дробности, красочной пестроты, линеарной жесткости. Его портреты цельны по композиции, пластичны по форме. Высокая одухотворенность отличает каждое лицо. Это становится возможным при сочетании идеального образа с конкретно-индивидуальным прототипом.

Выбор тематики и особенности стиля Дюрера, как и всех немецких художников, обусловлены его глубокой религиозностью. Накаленная религиозными распрями атмосфера, ожидание пришествия антихриста и гибели мира, надежда на Божью справедливость воплотились в величайшем творении Дюрера «Апокалипсис». Вершиной творчества мастера стали три знаменитые гравюры: «Всадник, смерть и дьявол», «Святой Иероним», «Меланхолия», в которых ярче всего выражены стой кость духа людей того времени, их готовность отвергнуть любые искусы, их горестные размышления о конечном результате борьбы. В этих работах сосуществуют рационализм и мистика, вера в мощь человеческого гения и осознание его ограниченности. Не связанные сюжетно, эти произведения составили единую образную цепь, в основу которой положена вера.

Среди огромного творческого наследия Дюрера особое внимание привлекают многочисленные автопортреты, что было необычно для искусства Возрождения. Особенно интересен и примечателен автопортрет 1500 г.; здесь Дюрер пишет л и по по закону идеальных пропорций и совмещает в нем облик Христа и свой. В этом можно видеть характерное для того времени стремление человека к единению с Богом и в то же время — высокое понимание миссии художника.

Творчество Лукаса Кранаха Старшего является неотъемлемой частью культуры Северного Возрождения. Круг его сюжетов очень широк: распятия, множество триптихов на евангельские темы, Мадонна с младенцем, античные сюжеты, портреты. На искусство Кранаха определенный отпечаток наложили вкусы саксонского двора, с которым художник был связан почти всю жизнь. В его живописи особенно отчетливы готические мотивы.

 

Театр Шекспира «Глобус».

 

Первый «Глобус» времён Шекспира

«Глобус» был собственностью многих актёров, которые (за исключением одного) были также акционерами Lord Chamberlain’s Men. Двое из шести акционеров «Глобуса», Ричард Бёрбедж и его брат Кутберт Бёрбедж, были собственниками двойного количества долей акций по 25 % каждый. Другие четыре актёра, Шекспир, Джон Хэмингс, Августин Филипс и Томас Поуп, обладали одинарными долями по 12,5 %. (Первоначально Уильям Кемп намеревался быть седьмым партнёром, но он продал свою долю четырём миноритарным акционерам, оставив им больше, чем первоначально запланированные 10 %). Эти начальные пропорции изменились со временем, когда присоединились новые акционеры. Доля Шекспира в течение его профессиональной деятельности уменьшилась с 1/8 до 1/14, или приблизительно до 8 %.

«Глобус» был построен в 1599 году с использованием деревянных конструкций более раннего театра (первого общедоступного лондонского театра), называвшегося просто «Театр», который был построен отцом Ричарда Бёрбеджа, Джеймсом Бёрбеджем, в Шордиче в 1576 году. Бёрбеджи первоначально арендовали место, на котором был построен «Театр», на 21 год. В 1598 году владелец земли, на которой располагался «Театр», повысил арендную плату. Бёрбеджи демонтировали «Театр» балка за балкой и перевезли его к Темзе, и там он был собран вновь уже как «Глобус».

В июле 1613 года театр «Глобус» сгорел во время спектакля «Генрих VIII».

Театральная пушка, которая должна была выстрелить во время представления, дала осечку, воспламенила деревянные балки и крышу из соломы. Согласно одному из уцелевших описаний этого события, никто не пострадал, за исключением одного зрителя, который потушил загоревшиеся на нём короткие брюки (кюлоты) бутылкой эля.

Второй «Глобус». Раскопки

Как и все другие театры в Лондоне, «Глобус», восстановленный после пожара в 1614 году, был закрыт в 1642 г. пуританами. Через два года он был снесён, чтобы подготовить место для строительства доходных домов. Его точное местоположение оставалось неизвестным до тех пор, пока в 1989 году остатки его основания не были обнаружены под автостоянкой «Anchor Terrace» на Парк-Стрит (контур фундамента повторён на поверхности автостоянки). Под Anchor Terrace могут быть и другие остатки театра, но терраса XVIII века внесена в список исторических ценностей и, следовательно, не может быть исследована археологами.

Планировка «Глобуса»

Действительные размеры «Глобуса» неизвестны, но его план может быть почти точно восстановлен на основе научных исследований, проведённых за последние два столетия. Эти данные говорят о том, что это был трёхъярусный, открытый, обнесённый высокой стеной амфитеатр диаметром от 97 до 102 футов (29,6-31,1 м), который мог вместить до 3000 зрителей. На эскизе и на «Длинном пейзаже» Лондона Вацлава Холлара (1647) «Глобус» показан в виде круглого здания c башнями. В 1989 году фундаменты «Глобуса» были раскопаны. Обнаруженные фрагменты фундамента внешней стены и одной из башен (отсутствовавшей у Холлара) подтвердили гипотезу о том, что театр был в плане не круглым, но двадцати- либо восемнадцатиграным[2].

Прямоугольник сцены, также известный как «авансцена», выдвинут в середину открытого двора. Сцена имела размеры приблизительно 43 фута в ширину (13,1 м), 27 футов в глубину и была поднята почти на 5 футов (1,52 м) от земли. На этой сцене был люк, который использовали исполнители для того, чтобы выходить из подвального помещения под сценой. Могли быть и другие люки вокруг сцены. Сцена театра не имела занавеса.

По внутренней стороне стены театра шли ложи для аристократии. Над ними помещены были галереи для зажиточных горожан. Всего было три уровня сидячих мест. Отдельные привилегированные зрители находились прямо на сцене. У основания сцены была площадка — «яма» или «двор» (по аналогии с народным театром, игравшим на постоялых дворах), где за 1 пенни люди («граундлинги» — невзыскательные зрители) могли видеть представление стоя. Граундлинги во время представления ели лесные орехи — во время раскопок «Глобуса» было найдено много ореховой шелухи, сохранившейся в грязи — или апельсины. Удобства ограничивались табуретами для наиболее богатых зрителей. Туалетов предусмотрено не было и нужду зрители справляли прямо в зрительном зале. Что, впрочем, не шло в разрез с царившими тогда нравами.[3]

Огромные колонны по сторонам сцены поддерживали крышу над тыльной частью сцены. Потолок под этой крышей назывался «небесами» и мог быть разрисован небом с облаками. Люк в «небесах» давал возможность исполнителям «спускаться с неба» (deus ex machina), используя некоторое приспособление из верёвок и канатов.

Задняя стена сцены имела две или три двери на основном уровне с занавешенной внутренней сценой и балконом над ней. Эти двери вели за кулисы, где актёры одевались и ожидали свой выход. Балкон вмещал музыкантов, а также мог быть использован для сцен, требующих использования верхнего пространства, такой, например, как сцена на балконе из «Ромео и Джульетты».

Спектакли в театре шли при свете дня, без антрактов и с минимумом декораций (см. театральная техника в эпоху Шекспира).

Название и девиз

Долгое время считалось, что название «Глобус» — аллюзия на изречение Петрония «Mundus universus exercet histrionem» («Весь мир лицедействует» или, в наиболее популярном варианте, «Весь мир — театр»), которое было принято девизом театра. Этот факт впервые приводит Уильям Олдис, ранний биограф Шекспира, потом его повторил Джордж Стивенс, однако сейчас это многими считается недостоверным[4][5][6]. В пьесе «Венецианский купец» (акт 1, сцена 1) есть парафраз «… the world <is> a stage, where every man must play a part;..» («…мир — сцена, где всякий свою роль играть обязан;..»[7]).

Современный «Глобус»

Галереи «Глобуса» и зрители на стоячих местах

По настойчивой просьбе американского актёра и режиссёра Сэма Уэнамэйкера новый театр «Глобус» был построен по плану елизаветинского времени. В состав команды проекта по воссозданию театра входили Тео Кросби из Pentagram, как архитектор, Бьюр Хаппольд, как строительный инженер и инженер сервисных служб, и фирма Boyden & Co, как инспектор по строительству. Консультантом проекта был шекспировед профессор Эндрю Герр. Строительство взяла на себя фирма McCurdy & Co. Открытие состоялось в 1997 году под названием «Шекспировский театр „Глобус“». Сейчас показ спектаклей идёт каждое лето (с мая по октябрь). Первым художественным руководителем современного театра «Глобус» в 1995 году был назначен оскароносный актёр Марк Райлэнс. В 2006 году Доминик Дромгул сменил его на этом посту.

Новый театр на Бэнксайд находится почти в 225 ярдах (205 м) от первоначального местонахождения, считая от центра старого театра до центра нового.

Это было первое здание с соломенной крышей, разрешённое для строительства в Лондоне со времени Великого пожара в1666 году.

Как и первый «Глобус», сегодняшний театр имеет выступающую сцену, которая выдаётся в огромный круглый двор, окружённый сидячими местами на трёх круто наклонённых ярусах. Семьсот билетов на стоячие места (стоять обязательно, сидеть не позволяется) во дворе доступны на каждом представлении по 5 фунтов каждый. Единственная закрытая крышей часть амфитеатра — это сцена и (более дорогие) сидячие места. Зимой, когда театральный сезон закрыт, театр используется для образовательных целей. Экскурсии проводятся круглый год.

При воссоздании здания театра стремились получить максимально приближенную к оригиналу копию. Этому способствовало обнаружение остатков первоначального театра «Глобус», которые повлияли на окончательные планы и решение о расположении нового здания. Модернизация театра включила в себя установку осветительного оборудования (спектакли во времена Шекспира проводились днём), разбрызгивателей на крыше для защиты от огня, и то, что театр частично соединён с современным фойе, центром посетителей и добавочной закулисной территорией для поддержки проведения представлений. Согласно правилам техники безопасности, на спектакле могут присутствовать не более 1300 человек, что составляет менее половины от тех 3000 зрителей, которых, как считается, мог вместить театр во времена Шекспира.