Симфоническая сюита «Шехерезада»

В своем творчестве Николай Андреевич успешно использовал картины и образы арабского Востока с его красочным народным бытом, знойным солнцем, ароматами экзотических растений, изменчивым морем. В симфонической сюите "Шехеразада" оживает древний Восток, полный резких контрастов. Сюита "Шехеразада" – это поединок двух противников – Шехеразады и Шахриара. Достоинства главной героини – ее поэтический дар, ее безграничная мудрость и фантазия. Образ султана Шахриара полон силы, деспотизма, воинственности.

Симфоническая сюита "Шехеразада" была написана Н.А.Римским-Корсаковым всего за два месяца в 1888 году. Это программное произведение, написано по мотивам арабских сказок "Тысяча и одна ночь". Состоит сюита из четырех частей, в них можно услышать и увидеть чудеса, о которых рассказала мудрая и прекрасная Шехеразада грозному султану Шахриару. Части сюиты объединены не только одним замыслом, но и общими музыкальными темами. С помощью симфонического оркестра Н.А.Римский-Корсаков не иллюстрировал сказку, а воссоздавал ее. Композитор сотворил неповторимые музыкальные образы, среди них и танцевальные, и песенно-лирические, и воинственные.

В "Летописи моей музыкальной жизни" композитор писал: «Программою, которою я руководствовался при сочинении "Шехеразады", были отдельные, не связанные друг с другом эпизоды и картины из "Тысячи и одной ночи", разбросанные по всем четырем частям сюиты: море и Синдбадов корабль, фантастический рассказ Календера-царевича, царевич и царевна, багдадский праздник и корабль, разбивающийся о скалу с медным всадником. Указаниями этими я хотел лишь немного направить фантазию слушателя на ту дорогу, по которой шла моя собственная фантазия, предоставив представления более подробные и частные воле и настроению каждого».

Первой части сюиты композитор первоначально дал название «Море. Синдбадов корабль». Сюита открывается воинственной фразой тромбонов, тубы, контрабасов. Музыка звучит грозно, величаво, рисуя образ восточного повелителя. На смену этой теме на фоне мягких аккордов арфы солирует скрипка. Она поет пленительную мелодию. Музыка вьется тонким, извилистым восточным узором. Мягкая, задумчивая мелодия умиротворяет все вокруг. Пожалуй, это самая поэтичная восточная мелодия в русской музыке, сочиненная композитором Н.А.Римским-Корсаковым.

Тема мудрой рассказчицы Шехеразады всегда звучит у скрипки соло. Композитор придал ей своеобразный колорит. Мелодия главной партии основана на теме Шахриара, но она становится темой героя сказки – отважного путешественника Синдбада. У этой мелодии суровый характер и ей контрастирует светлая тема Синдбадова корабля. Первая часть сюиты развивается динамично, темы в ней изложены неустойчиво, текуче. Это создает впечатление непрерывного движения, характерного для морской стихии.

Вторая часть первоначально носила название "Рассказ царевича Календера". Вновь звучит голос Шехеразады, начинается новая сказка. На первый план выступает новый рассказчик – Календер, и солирующую скрипку сменяет солирующий фагот. Композитор создает музыкальный портрет Календера, а потом изображает его фантастические приключения. Так возникает сказка в сказке. Эта часть сюиты – одна из самых ярких и оригинальных по сказочно-восточному колориту.

Основная тема второй части построена на интонациях восточных народных песен. Она звучит спокойно, повествовательно. Затем следуют яркие симфонические вариации. Мелодия звучит, меняя облик, переходя от одного инструмента к другому. В середине части слышатся тревожные фанфарные призывы тромбонов, а в конце появляется суровая тема Шахриара.

Третья часть первоначально носила название "Царевич и царевна". Она наиболее лирическая из всех частей сюиты. Первая тема создает образ Царевича. Она певучая, широкая, полная глубокого любовного чувства, напоминает восточную народную мелодию. Тема содержит интонации лейтмотива Шехеразады, в последующем проведении тема поручается виолончелям, затем к ним присоединяются гобои, английский рожок, кларнет. Благодаря этому теплота в звучании темы нарастает.

Вторая тема – это образ Царевны, женственный, грациозный. В развитии темы ярко выявляется ее ритмичность, танцевальность. В середине части задумчиво звучит голос скрипки – это тема Шехеразады, рассказывающей удивительную сказку. Музыка этой части наполнена восточным колоритом. Он проявляется и в мелодических оборотах, и в наигрышах, которые напоминают звучание восточных народных инструментов.

Особенно яркой частью сюиты является финал, в котором объединяются темы всех предшествующих частей, что придает ему роль итоговой части. Он выделяется яркостью оркестровой фантазии, огненным темпераментом. Композитор назвал четвертую часть "Багдадский праздник и корабль, разбивающийся о скалу с медным всадником". Это последняя сказка Шехеразады, рассказанная жестокому Шахриару на фоне доносящегося шума праздника в восточном городе. Основная тема этой части звучит в ритме восточного танца. Постепенно музыка становится все более драматичной, передавая мощь морской стихии. После кульминации звучит грустная тема Шехеразады и укрощенная, покорная ей тема Шахриара. Султан даровал жизнь прекрасной, мудрой восточной красавице – Шехеразаде.

«Шехеразада» на сцене «Русских сезонов»

Музыка Н.А.Римского-Крсакова вдохновила С.П.Дягилева и М.М.Фокина на постановку балета «Шехерезада» в "Русских сезонах" в Париже. Премьера балета состоялась 4 июня 1910 года на сцене Гранд-опера. Балет был поставлен знаменитым М.М.Фокиным, декорации и костюмы были выполнены по эскизам Л.Бакста. Александр Бенуа писал: «Баксту принадлежит честь создания "Шехерезады" как зрелища, и зрелища изумительного! Я бы сказал, невиданного». Оформление этого спектакля, исключительное по красоте и выразительности, свело с ума Париж, и с этого начинается европейская слава Л.Бакста. Это блестящий спектакль, передающий знойный колорит восточных сказок; экзотические танцы, незабываемые декорации и костюмы, вызывающие восхищение публики: контрасты изумрудных стен и алых ковров, розовые и зеленые костюмы танцовщиц, оранжевые наряды одалисок и ярко-синие плащи воинов.

В 1909 году С.П.Дягилев пригласил М.М.Фокина стать хореографом "Русского сезона" в Париже. Результатом этого союза стала мировая известность М.М.Фокина. В 1994 году на сцене Мариинского театра была реконструирована постановка "Шехерезады" Изабель Фикиной и Андрисом Лиепой. Декорации и костюмы были восстановлены по эскизам Л.Бакста, хореография М.М.Фокина. В настоящее время балет «Шехерезада» можно увидеть на сценах ведущих театров России и зарубежья.

Опера «Золотой петушок»

В октябре 1906 года в записных книжках Н.А.Римского-Корсакова появились первые музыкальные эскизы к опере «Золотой петушок». Тогда же он сообщил о своем замысле другу – либреттисту В. И. Бельскому (1866 – 1946). Работа велась очень интенсивно и была закончена в августе 1907 года.

«Золотой петушок» – последняя, пятнадцатая опера Римского-Корсакова, созданная им за год до смерти. Интерес к сказочным сюжетам сопутствовал композитору на всем его творческом пути. В основу оперы положена одноименная стихотворная сказка Пушкина (1834). Бельский дополнил пушкинский текст большими сценами, обрисовал действующих лиц оперы. Он ввел новый персонаж – ключницу Амелфу, которая занята домашними делами царя, тогда как Полкан – его сторожевой пес – делами государственными. Интересно, что имени Полкана нет у Пушкина. Он называется Воеводой, и речь его ограничивается несколькими фразами. И сыновья Додона – Гвидон и Афрон – лишь упомянуты поэтом. Все эти добавления сделаны Бельским талантливо, в духе Пушкина.

«Золотой петушок» являет собой редкий в мировой классике пример сатирической оперы. Краткое оркестровое вступление открывается задорным кличем Петушка. Призывная музыка сменяется восточной мелодией, а прозрачный звон колокольчиков уведомляет о выходе Звездочета.

В первом акте обрисовано Додоново царство: торжественный нарочито простой, глуповатый марш становится его характеристикой. Переломный момент ознаменован появлением Звездочета. Восточный рисунок мелодии сближает его с Шемаханской царицей – фантастические образы будто связаны невидимыми нитями. Петушок наделен двумя кличами – спокойным, возвещающим о благополучии в стране Додона, и тревожным, предупреждающим об опасности. Народные напевы свойственны ключнице Амелфе.

Сон Додона основан на плавном баюкающем повторении, «спокойного» призыва Петушка: «Ки-ри-ку-ку! Царствуй, лежа на боку!» Восточные мотивы вносят новый момент – царю приснилась Шемаханская царица. Новый тревожный клич Петушка предваряет сцену военных сборов самого Додона. Все завершает марш. Музыка второго акта рисует зловещую картину ущелья, где лежат убитые сыновья Додона. Изменился и облик марша – ранее удалой, победный, он звучит теперь неуверенно, робко. При оплакивании сыновей вновь появляются комически-скорбные, причитающие интонации.

Напевы Шемаханской царицы предваряют ее появление. Ария «Ответь мне, зоркое светило» – характеристика томной восточной красавицы. Ее прозрачная, светлая музыка относится к лучшим страницам оперы. Чарующий облик царицы раскрывается во второй арии: «Сброшу чопорные ткани». В ответ Додон запевает свою песнь «Буду век тебя любить, постараюсь не забыть» (на мотив «Чижика»). Он голосит ее во всю мочь, что производит очень комичное впечатление.

Контрастом служит ария воспоминаний царицы «Как доедешь до Востока, там и есть моя страна». Мелодии арии завораживают чудесной, словно парящей красотой. Таинственно-настороженная музыка оркестрового вступления к третьему акту прерывается грозным кличем Петушка. В мольбе народа слышится петушиный призыв. Широко развито в оркестре шествие царя Додона и Шемаханской царицы. Оно становится центром акта. Гремит разудалый марш Додона и прихотливые восточные напевы вплетаются, рисуя необычную свиту царицы. Под конец лейтмотивы Додона и царицы объединяются. Как и в первом акте, – переломный момент наступает с появлением Звездочета. В его арии «Подари ты мне девицу, Шемаханскую царицу» снова возникает фантастический колорит. Когда совершается убийство Звездочета, повторяется зловещая музыка оркестрового вступления. Предрекая кровавую развязку, злобно кричит Петушок.

Романсы

Из камерных сочинений Римского-Корсакова наибольшую художественную ценность представляют романсы. В романсах 60-х годов наблюдается несколько важных особенностей. Одна из них – своеобразное раздвоение на «европейское» и «восточное». Конечно, восточная тема занимает очень большое место в романсовом наследии всех кучкистов, но для Римского-Корсакова она становится главной. «На примере... восточных романсов, – пишет В. А. Васина-Гроссман, – можно видеть, как рос и созревал его талант. Но и в «очень несложном» «Восточном романсе» 1865 года уже угадывается автор «Шехеразады»: так естественна и свежа его мелодика, так точна его форма – свободное, как бы случайное сочетание «инструментальной импровизации».

Вторая отличительная черта почти всех романсов раннего периода – живописность и пейзажность. Образное содержание произведения передается автором в инструментальных формах. Таковы самобытные интерпретации Римским-Корсаковым распетых в русских романсах стихотворений «На холмах Грузии» (Пушкин), «Ель и пальма» (Гейне—Михайлов), «Ночевала тучка» (Лермонтов), плещеевской «Ночи» и других. Здесь явственно ощущается слияние человека с природой, которым проникнуто все его творчество. Автор чутко следует за эстетическим чувством избегая банальных традиционных моделей бытового романса. Надеюсь, послушав «Восточный романс» вы вместе со мной почувствуете как переливается и течет витиеватый восточный узор.

Мы – художники звука

«Не бойся слов теория, гармония, полифония и т.п.

Относись к ним дружески, и они тебе улыбнутся». Р. Шуман.

Мы с вами, гуляя по нашим замечательным пушкинским паркам, видим все, что окружает нас и наслаждаемся природой и воздухом. Точно так же ходят, видят и замечают художники. Так же, но не совсем. Они видят не просто деревья, дворцы, пруды, но ещё и линии, и краски, из которых они «сделаны». И вот так же, на уроках музыки мы учимся быть художниками, а именно художниками звука. Мы должны научиться слушать музыку немножко иначе, чем любители. Настоящий музыкант, слышит не только то, что музыка красивая, выразительная, волнующая, но почему она красивая, выразительная и волнующая. И мы тоже начинаем учиться отвечать на эти «почему».

Итак, средство музыкальной выразительности – это то, с помощью чего композитор создает свои произведения и выражает свою мысль. Средств музыкальной выразительности много, они очень разные, и в них легко запутаться. Они представлены тембром, темпом, ладом, ритмом, размером, регистром, динамикой и мелодией. Кроме того, при анализе музыкального произведения учитываются следующие средства музыкальной выразительности: акцент и пауза, интонация или гармония.

Мелодия – душа композиции, она позволяет понять настроение произведения и передать чувства грусти или веселья. Мелодия может быть скачкообразной, плавной или отрывистой. Все завит от того, как её видит автор.

Темп определяет скорость исполнения, он бывает медленным, быстрым и умеренным. Для обозначения темпа применяют термины, которые пришли к нам из итальянского языка. Для медленного – адажио, для быстрого – престо и аллегро, а для умеренного – анданте. Кроме того, темп может быть оживленным, спокойным и др.

Ритм и размер как средства музыкальной выразительности определяют настроение и движение музыки. Ритм может быть разным – спокойным, равномерным, отрывистым, синкопированным, четким и др. Так же, как и ритмы, окружающие нас в жизни. Размер нужен для музыкантов, которые определяют, как играть музыку. Их записывают дробями в виде четвертей.

Лад в музыке определяет её направление. Если это минор, то она печальная, грустная или задумчиво-мечтательная, может быть ностальгическая. Мажор соответствует веселой, радостной, ясной музыке. Лад может быть и переменным, когда минор сменяется мажором и наоборот.