Британский дизайн эпохи ар нуво. Движение искусств и ремесел. У. Моррис

Графический дизайн эпохи ар нуво во Франции. А.Т. Стейнлен,

А.М. Муха.

 

Теофиль-Александр Стейнлен (фр. Théophile-Alexandre Steinlen; 10 ноября 1859 года, Лозанна — 14 декабря 1923 года, Париж) — французский и швейцарский художник, график и иллюстратор, работавший как в реалистическом стиле, так и в стиле модерн.

Т.-А.Стейнлен приехал в Париж в 1878 году и сперва работал техником-чертёжником. Через 5 лет он переезжает на Монмартр. Здесь Стейнлен быстро познакомился и подружился с художественной и артистической средой Монмартра, в особенности с посетителями кабаре «Чёрный кот» — в первую очередь, с художниками Анри де Тулуз-Лотреком и Адольфом Вилеттом, а также с владельцем кабаре, поэтом и шансонье Аристидом Брюаном. Авторству Стейнлена принадлежат многочисленные плакаты кабаре «Чёрный кот», кроме этого он иллюстрирует газеты, журналы и книги, сотрудничает в юмористических журналах, а в 1911 году вместе с друзьями начинает издавать газету «Юмористы».

Т.-А. Стейнлен стал знаменитым благодаря своим парижским плакатам, созданным около 1900 года, его сценам из ночной жизни Монмартра и, конечно, его «кошачьим» картинам и графике, сделавшим ему имя.

Афиша кабаре «Tournee du Chat Noir» "Черный кот", являющаяся одним из символов Парижа, создана Теофилом Стейнленом в 1896 году.

Афиша кабаре "Черный кот"

Плакат: "Пейте кипяченое молоко!"

Вскоре художник стал иллюстрировать газету «Мирлитон», которую издавал владелец другого кабаре, поэт сочинитель песен и их исполнитель Аристид Брюан. Снова афиши, реклама. Потом оформление сборников песен Брюана «на улице», эпиграф, выбранный Брюаном для своей книги, гласил: «Ты на улице – значит ты дома». Он выражает также и дух рисунков Стейнлейна. Это относится к тем литографиям и уличным сценкам, которыми Стейнлейн участвовал на страницах иллюстрированного приложения к журналу «Блаз». Хорошо знакомый жизненный материал помогал Стейнлену в своих иллюстрациях подниматься выше уровня в основном заурядной литературы, печатавшейся в журнале (хотя среди участников его были также Золя, Мопассан, Жюль Ренар), показывать с большим состраданием жертв общественного строя. Зарисовки с натуры никогда не попадали в произведения Стейнлейна в непреображенном виде, он большое значение придавал выразительности композиции, силуэта. Его герои проходящие через все произведения художника,- трудовой люд, мастерицы, прачки, каменщики, дети бедняков. Большая цветная литография «Улица», исполненная для издательства Верно (1896), представляет собой как бы собрание любимых персонажей художника, изображенных в кипении уличной жизни.

Аристид Брюан: Dans la rue

Аристид Брюан: À la Villette

Плакат: "Спасите Сербию"

Альфонс Муха

В нашей стране имя знаменитого чешского художника Альфонса Мухи мало известно. А между тем оно стало буквально символом живописи конца «золотого», – начала «серебряного» веков... Его стиль (в живописи, архитектуре, малых декоративных формах) так и назвали (и называют поныне) – «стилем Мухи». Или – «модерн», «югендстиль», «сецесьон». Название пришло из Франции. Да и самого художника в Европе порой считают французом. Но это не так.

Альфонс Муха - выдающийся чешский художник, мастер театральной и рекламной афиши. Один из ярчайших представителей стиля модерн.

Родился художник 24 июля 1860 в Иванчице (Моравия). Получил первичное художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене сотрудником фирмы театральных декораций. С1881 года Альфонс Муха был придворным художником графа П.Куэна (1881–1885) и исполнил декоративное оформление части интерьеров его замка в Грушовани (Моравия). Затем учился в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р. Жюльена в Париже. В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог.

Выдвинулся своими афишами для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра С.Бернар (Жисмонда, 1894; Дама с камелиями, 1896; Лорензаччо А.де Мюссе, 1896; Медея по мотивам Еврипида, 1898). Частично Альфонс Муха выступал и как дизайнер этих постановок: по его эскизам создавались не только платья, но и сценические ювелирные украшения.Альфонс Муха стал одним из ведущих художников французской рекламы; его композиции печатались в журналах либо в виде плакатов – с неизменной фигурой или головой томной дамы, погруженной в орнаментально-пестрый мир роскоши и неги. В том же «стиле Мухи» создавались и красочные графические серии (Времена года, 1896; Цветы, 1897; Месяцы, 1899; Звезды, 1902; все работы – акварель, тушь, перо), которые до сих пор тиражируются в виде арт - постеров.

Собрал свои дизайнерские проекты (панно, витражей, ковров, мебели) в альбоме Декоративные документы (1901). Работал как книжный иллюстратор, исполнил декоративную живопись павильона Боснии и Герцеговины на Всемирной выставке в Париже (1900; не сохранилась) и Дома собраний в Праге (1910), нарисовал эскизы первых чехословацких почтовых марок и банкнот (1918). В 1913–1930 написал большой цикл Славянская эпопея (музей замка Моравски Крумлов); традиционно-академическая манера соединилась в этих полотнах, посвященных начальным главам истории чехов, поляков, русских и других народов Восточной Европы, с плоскостной ритмикой модерна. После Первой мировой войны Альфонс Муха перебрался в Чехию. Умер художник в Праге 14 июля 1939.

Браслет и кольцо в виде змеи. 1899

Чертополох из пустыни. 1902

Реклама велосепедов торговой марки "Perfecta". 1897

Голова византийки: Брюнетка. 1897

Фрукт. 1897

Мечтательность. 1897

Сара Бернар. 1896

Осень. Из серии "Сезоны". 1896

Цветок. 1894

Любовники. 1895

7)Дизайн эпохи ар деко во Франции. Стилевые тенденции формообразования, ведущие представители.

Ар-деко́, также «арт-деко» (фр. art déco букв. «декоративное искусство», из Exposition Internationale des Art s Déco ratifs et Industriels Modernes — «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» 1925 г., Париж) — течение в декоративном искусстве первой половины XX века, проявившееся в архитектуре, моде и живописи. Представляло собой синтез модерна и неоклассицизма.

Отличительные черты — строгая закономерность, этнические геометрические узоры, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

В форме преобладают скругленные углы, энергичные кривые линии, ломанные зигзагообразные, ступенчатые элементы и строгие вертикальные линии. В качестве декоративных элементов используют зигзаги, треугольники, окружности из красного и черного дерева, цветное стекло персикового цвета. Обивку для мебели делают из качественной кожи, с экзотической выделкой. Мебель, выполненная в стиле арт-деко, поражает воображение своими необычайными геометрическими узорами, выполняемыми в стиле этно. Во всем наблюдается строгая закономерность. Из материалов используют слоновую кость, кожу акулы, зебры, крокодила; редкие породы дерева, алюминий, серебро, нержавеющую сталь, эмаль. Несмотря на такое разнообразие форм, материалов и воплощений, мебель арт-деко — очень компактна и функциональна.

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко». На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х гг. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в [[|Streamline Moderne]] — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Айлин Грей, изделия из кованного металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 г., он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников.

• «Венский сецессион» раннего периода (Венские мастерские); функциональный индустриальный дизайн.
• Примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки.
• Древнегреческое искусство (период архаика) — наименее натуралистичное из всех.
• «Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже — эскизы костюмов и декораций работы Льва Бакста.
• Гранёные, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма.
• Колористическая палитра фовизма.
• Строгие формы неоклассицизма: Буле и Карла Шинкеля.
• Эпоха джаза.
• Растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая чёрно-белая гамма клавиш рояля, мотив Солнца.
• Гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни — флапперов.
• Технологические достижения «века машин» — такие как радио и небоскрёбы.

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия». Ар-деко был роскошен, и считается, что это роскошество — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, было «Streamline Moderne» (название от англ. streamline — «линия обтекания» — термина из области аэродинамики. В «стримлайн содерн» ощущается влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий. В итоге в произведениях этого стиля появились очертания самолётов или револьверных пуль. Когда дизайн первого массового автомобиля фирмы Крайслер, «Chrysler Airflow^[en]», оказался популярным, обтекаемые формы стали использоваться даже для точилкок, зданий и холодильников.

Некоторые исследователи считают ар-деко вариантом или ранней формой модернизма.

Ар-деко незаметно исчез после подъёма массового производства, когда к нему стали относится как к кричащему, безвкусному и поддельно-роскошному. Окончательный конец этому стилю положили лишения Второй мировой войны. В колониальных странах, таких как Индия, ар-деко стал воротами к модернизму и не исчезал до 1960-х гг. Возрождение интереса к ар-деко в 1980-х гг. было связано с графическим дизайном, а ассоциации ар-деко с лентами в стиле «фильм нуар» (film noir) и очарованием 30-х гг. привели к тому, что его стали вновь использовать в ювелирном искусстве и моде.

 

 

 

Адольф Жан-Мари Мурон, более известный как А.М. Кассандр (24 января 1901 — 17 июня 1968) — французский живописец, литограф, мастер рекламных плакатов и дизайнер шрифта.

Родился в Харькове. В юности переехал в Париж, где обучался в школе изящных искусств (фр. École des Beaux-Arts) и Академии Жюлиана.

Сотрудничал с Parisian Printing House. Вдохновленный кубизмом и сюрреализмом, заработал репутацию работами, типа Bûcheron (Woodcutter/Лесоруб — 1923). Этот плакат получил первую премию на международной выставке Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Международная выставка современных декоративных и индустриальных искусств) в 1925. Эта выставка послужила причиной возникновения термина «ар-деко». На выставке были показаны предметы роскоши французского производства, доказав, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

В 1926 году совместно с партнерами открыл собственное рекламное агентство Alliance Graphique. Работы для винной компании Dubonnet были среди первых постеров, разработанных в манере, которая позволила им быть замеченными жителями в стремительных транспортных средствах. Преподавал графический дизайн в École des Arts Décoratifs и затем в École d’Art Graphique.

С типографикой связана важная часть дизайна плакатов, поэтому Кассандр создал несколько новых стилей шрифта: Bifur в 1929, Acier Noir в 1935, и в 1937 — шрифт Peignot.

В 1936 его работы были показаны в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке в рамках презентации Harper’s Bazaar.

С начала Второй мировой войны и вплоть до капитуляции Франции Кассандр служил во французской армии. После капитуляции работа в агентстве была свернута, Квссандр создавал декорации, реквизит и костюмы для театра. После войны, он продолжил это направление работы, иногда возвращаясь к живописи.

В 1963 году Кассандр создал всемирно известный логотип Yves Saint-Laurent.

В 1968 году депрессия приводит А. М. Кассандра к самоубийству в Париже.

В 1985 Анри Мурон выпустил книгу A.M. Cassandre, в которой рассказал о жизни отца.

Жорж Барбье (фр. George Barbier; 10 октября 1882(18821010), Нант — 16 марта 1932, Париж) — французский художник и иллюстратор.

Барбье изучал живопись в Высшей национальной школе изобразительного искусства в Париже. Первая выставка Барбье состоялась в Салоне юмористов в 1910 году. Следующая, в галерее Буте де Монвиль, принесла художнику известность. С 1912 года и до своей смерти Барбье выставляет свои работы в Салоне художников-декораторов. Прославился своими эскизами сценических костюмов для Русского балета Дягилева. Работал также для кино и для крупных французских журналов мод, где не только публиковал свои художественные работы, но и критические заметки. Иллюстрировал каталоги и многие литературные произведения, в том числе сочинения Ш. Бодлера и П. Верлена. Был автором моделей для изготовления ювелирных украшений.

Ж.Барбье своим творчеством оказал влияние на развитие такого художественного направления в искусстве ХХ столетия, как арт-деко.

 

 

Jeanne Paquin Gown

 

Андре Маре (фр. André Mare; 1885(1885), Аржантан — 1932, Париж) — французский художник-кубист, один из основателей художественного направления Ар-деко в начале ХХ столетия.

А.Маре изучал живопись в Школе декоративного искусства, которую окончил в 1904 году, и в Академии Жюлиана. В 1906 году он выставляет свои работы в Салоне Независимых и в Осенном салоне, вместе с такими молодыми мастерами, как Роже де ла Френе, Марино, Сегонзк и Марсель Дюшан. С 1910 года А. Маре увлекается также дизайном интерьеров помещений. В 1912 году он, вместе со своими друзьями-художниками — Роже де ла Френе, Мари Лорансен и скульптором Раймоном Дюшан-Вийоном на парижском Осеннем салоне разворачивает кубистскую экспозицию, что вызывает скандал.

С началом Первой мировой войны А. Маре был призван в армию и, как профессиональный художник, занимался разработкой военного камуфляжа, различных видов маскировки для артиллерии — с использованием применяемой им в живописи кубистской техники. В 1914—1918 годах А. Маре пишет свою книгу «Кубизм и камуфляж» (Cubism et Camouflage).

После окончания войны, в 1919 году художник, совместно с архитектором Луи Сюэ, создаёт Компанию французского искусства (la Compagnie des Arts Français). В послевоенные годы А. Маре в своих произведениях часто обращается к пережитому на фронте. Среди таких его, поздних работ следует отметить Американские войска, марширующие через Триумфальную арку (1930) и Похороны маршала Фоша (1931).

В послевоенное время А. Маре, талантливый художник и дизайнер интерьера, работая в кооперации с архитектором Луи Сюэ, был одним из признанных лидеров направления Ар-деко в искусстве первой половины ХХ столетия. Будучи известным дизайнером, он по заказу Мориса Равеля в 1921 году создаёт костюмы для его «испанских балетов», поставленных в Парижской опере. В 1925 году А. Маре и Л. Сюэ делают внутреннее оформление для двух павильонов Международной выставки декаративного искусства, а также в парижском Музее современного искусства.

В 1926 году художник был награждён орденом Почётного легиона

 

	Автопортрет Андре Маре, 1914 г.		Андре Маре, 1917 г.

 

Рульманн, Эмиль-Жак (фр. Émile-Jacques Ruhlmann, 28 августа 1879 – 15 ноября 1933) – французский дизайнер. Представитель направления ар-деко в области дизайна мебели и интерьеров.

Эмиль-Жак Рульманн родился в Париже, но его родители были родом из Эльзаса. Отец Жака-Эмиля был владельцем фирмы, занимавшейся малярными и строительными работами. После смерти отца в 1907 году Жак-Эмиль перенял семейное дело.

В 1910 году, после женитьбы, Рульманн спроектировал мебель для своего собственного нового дома, что стало его первым опытом в области мебельного дизайна. При этом Рульманн был самоучкой, поскольку у него отсутствовало какое-либо художественное образование. В 1919 году Рульманн основал отдельную фирму по дизайну интерьеров. Помимио мебели фирма проектировала и дургие элементы интерьера, например люстры и обои. В 1927 году в мебельной мастерской Рульманна работало несколько десятков работников.

В начале творческой карьеры в мебели Рульманна было заметно влияние ар-нуво, но впоследствии основным источником вдохновения стало французское мебельное искусство XVIII века. При создании мебели Рульманн использовал дорогие материалы, например слоновую кость и экзотические сорта древесины.

Рульманн умер от болезни в 1933 году. По условиям его завещания фирма была ликвидирована после завершения работы над текущими заказами.

НЕОПЛАСТИЦИЗМ

Тео ван Дисбург. Симультанная шашечная композиция. Около 1929—1930 гг.

Четырехугольник есть знак нового человеческого сообщества. Квадрат значит для нас то же, что крест обозначал для первых христиан. Тео ван Дусбург

1.Определение
НЕОПЛАСТИЦИЗМ (гол. neoplasticism) - течение в голландском искусстве, которое существовало в 1917—1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль») основанным в Лейдене в 1917. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к "универсальной гармонии", воплощенной в "чистой", геометризованно обобщенной форме. Для «Стиля» характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре («интернациональный стиль» П. Ауда) и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра (П. Мондриан).Neo-plasticisme (Nouvelle plastique) Этот термин появился в Голландии в XX веке. Понятие ввёл художник Пит Мондриан, которым определил им свои пластические концепции возведенные в систему и защищаемые группой и журналом "Стиль" ("De Stiji")

2. Немного истории
В бурном кипении 20-х гг. родились движения, вдохновившие своей отвагой весь XX век - КОНСТРУКТИВИЗМ, русский СУПЕРМАТИЗМ, голландское движение ДЕ СТИЛЬ. Целью этих художественных авангардных течений стала попытка найти новый язык, отражающий процессы кардинальных изменений, происходящих в обществе, и соединить теоретические исследования с окружающей реальностью. Художник-дизайнер-инженер воспринимался как творец, который создаст новый предметный мир для обновленного человека.

Афиша известного голландского дизайнера Герта Думбара к выставке, посвященной группе De Stijl

Арт-объединение «Де Стил» («De Stijl») было основано в 1917 году художниками Тео ван Дусбургом и Питом Мондрианом. В отличие от советского «курса», реформаторское направление в Голландии не носило принципиально утилитарного характера. Это был вариант, близкий к геометрической абстракции. Главная цель — стремление к «универсальной гармонии» (т. е. единству искусства и общества) через простоту, духовность и «чисто пластические произведения искусства». Основной проводник

идей — журнал с тем же названием «Де Стил» (De Stijl),который издавался в Лейдене тиражом 200 экземпляров. Голландское движение «Де Стиль» ознаменовало триумфальное шествие новой эстетики.

Эстетика «стилистов» была связана с философией математика М. Г. Шунмакерса. Именно он предложил сузить цветовую палитру до трех базовых цветов и обосновал свою позицию в книге «Новый образ мира». В ней он писал, что желтый, синий и красный — «единственные существующие цвета… Желтый — это движение луча (вертикаль)… Синий — контрастный цвет по отношению к желтому (горизонтальный небесный свод)… Красный — соединение желтого и синего».

Концепцию, предложенную Шунмакерсом, подхватил и развил Пит Мондриан. Художник, которого по влиянию на мировую живопись часто сравнивают с Казимиром Малевичем, вывел в теории и реализовал на практике (в своих картинах) два основных принципа формообразования. Первое — пересечение линий исключительно под прямым углом, для того, чтобы «уравновесить противоположности»: вертикали и горизонтали. И никаких перспективных построений (!),

ведь «новый тип созерцания не исходит из какой-нибудь точки и видит везде». Второе — разделение трех основных цветов полосами «не цвета» (черного, серого или белого). Это подчеркнет плоскость. Использование в композиции этих принципов, по мнению художника, позволит выйти за рамки индивидуальности, достичь универсализма и, в конечном итоге, создать совершенно новую картину мира.

Концепция искусства а-ля Шунмакерс-Мондриан, названная неопластицизмом (Nouvelle plastique), стала определяющей для художественного метода группы «Де Стил». Свое второе рождение она получила, начав воплощаться в мебельной и архитектурной индустрии.

Первая попытка перенести принципы неопластицизма в трехмерное пространство принадлежит столяру-краснодеревщику Герриту Ритвельду. В 1917 году, взяв за основу традиционную идею раскладывающегося кресла-кровати, он создал «красно-синий стул» - манифест конструктивизма в дизайне мебели. Эта своего рода абстрактная скульптура состояла из черного каркаса, двух досок и реек разной длины, окрашенных в «основные цвета». В последующие годы Ритвельд продолжил работу над дизайном предметов обстановки. Тогда появились прямые потомки прославленного стула: буфет, детская коляска, тачка, которые были собраны из прямолине-

йных перекладин и панелей, закрепленных на болтах. Свое «красно-синее» кресло Ритвельд называл «фрагментом пространства, оживленным в качестве реальности».

Ритвельд и другие «стилисты» — художники Барт ван дер Лек, Георг Вантонгерлоо, архитекторы Роберт Ван`т Хофф, Я. И. П. Ауд, Ян Вилс и поэт Энтони Кок — работали самостоятельно, некоторые из них даже не были знакомы между собой. Их объединяли вера в теорию неопластицизма и знакомство с Тео ван Дусбургом.

Фирменным почерком участников «Де стиля» стали пространственная гармония, ясные плоскости, окрашенные в основные цвета и разделенные прямыми черными линиями, выявляющими конструкцию предмета. Образцом философии стиля стал дом Шредера (Утрехт), спроектированный в 1924г. Ритвельдом с продуманным цветовым решением наружного и внутреннего пространства.

Голландское движение «Де Стиль» (1917-1932) было более озабочено не утилитарными, а духовными проблемами. Его участники считали архитектуру прежде всего искусством, которое, став жизненной средой человека, приведет к духовному преображению и, в итоге, к возникновению справедливого общества. Спроектированные Тео ван Дусбургом и Герритом Ритвельдом дома решены как пирамидальные композиции, сложенные из кубических объемов отдельных помещений. В отличие от большинства модернистов, архитекторы Де Стиль активно использовали цвет: они окрашивали отдельные плоскости стен внутри и снаружи дома в белый, красный, синий, желтый и черный цвета, следуя примеру живописных произведений лидера движения Пита Мондриана.

В отличие от своего русского пандана — конструктивизма, в основу которого легло техническое видение художников-инженеров, неопластицизм базировался на философской системе из «двух базовых противоречий, формирующих нашу Землю и всё земное. Это горизонтальная силовая линия Земли вокруг Солнца и вертикальная силовая линия земли, имеющая своё начало в центре Солнца». Это учение о математической структуре Вселенной, разработанное голландским теософом Шенмакерсом (нидерл. Schoenmackers), стало фундаментом эстетики «Стиля» и тем самым неопластицизма.

3. Основные черты
Главной чертой неопластицизма было строгое использование выразительных средств. Для построения формы неопластицизм допускает лишь горизонтальные и вертикальные линии. Пересечение линий под прямым углом - первый принцип. Около 1920 к нему добавился второй который убирая мазок и подчеркивая плоскость ограничивает цвета красным, синим и желтым, т.е. тремя чистыми основными цветами к которым можно добавить только белый и черный.

С помощью этой строгости неопластицизм предполагал выйти за рамки индивидуальности чтобы достигнуть универсализма и создать таким образом новую картину мира. Теории неопластицизма и его цели были сформулированы в журнале "Стиль".

4. Основные представители
Тео ван Дусбург

ДУСБУРГ (Doesburg) Teo ван, настоящее имя - Кристиан Эмиль Мари Кюппер, (1), знаменитый голландский художник, архитектор, урбанист и теоретик неопластицизма. Один из основателей и лидер группы "Стиль". "Цель природы - человек, цель человека - стиль". Родился в Утрехте. Проявил себя как художник-универсал и критик-

искусствовед. Он занимался чистой живописью, искусством шрифта, конструированием, оформлением интерьеров и архитектурным проектированием. Как поэт выступал под псевдонимом И. К. Бонсет, как философ - под псевдонимом Альдо Камини. Псевдоним Тео ван Дусбург использовал для публикаций в журнале «Де Стил».

Около 1913 заинтересовался проблемами интеграции чистой живописи и архитектуры. В этой области проводил исследования совместно с Ж.Р. Аудом и Ж. Вильсом. Создал в Лейдене с Аудом художественную группу "Сфинкс", которая, однако, просуществовала недолго. В 1917 знакомится с П. Мондрианом, с которым основывает группу и журнал "Стиль".

Группа "Стиль" объединяла художников и архитекторов и пропагандировала "радикальное обновление искусства". Журнал служил трибуной "для создания единого интернационального модуля в Жизни, в Искусстве, в Культуре" посредством "чисто пластического произведения искусства", через создание равновесия между "универсальным и индивидуальным".

Дусбург явился идейным вдохновителем группы Стиль", разработчиком концепции и пропаганды рационализма, защищал геометрическую и скульптурную архитектуру в противовес картинному ее восприятию. Рациональное направление группы "Стиль" представляло оппозицию картинным эффектам экспрессионизма архитектурной школы Амстердама.

В 1917 вместе с Аудом предпринял одну из первых практических попыток создания синтеза живописи и архитектуры в интерьере холла виллы Ауда в Нордвикерхоуте близ Лейдена, в котором архитектура трактовалась посредством живописи (использование открытых, чистых цветов в обработке подвесных потолков и геометрических окон). А напряжение усиливалось посредством живописи плоскостей, вписанных в архитектурное пространство.

Ведущая роль окон находится в полной гармонии с принципами "Стиля" и органически связана с про-странством интерьера.

Через десять лет в кинотеатре и дансинге Лобетт в Страсбурге, расположенных в старом здании, созданном архитектором Ф. Блонделем совместно с X. Арном, трактует абсолютно все плоскости, но уже в более крупном масштабе, следуя законам неопластицизма. Модульность пластики здесь выражена плоскостью или прямоугольной призмой посредством живописи (применение открытых, локальных цветов - красный, желтый, синий, и противоположных - белый, черный, серый).

Одной из основных тем Дусбурга были вопросы жилья, в решении которых руководствовался принципом главенства организации внутреннего пространства над общей пластикой. Он утверждал, что в основе проектирования пространства должны лежать простые геометрические пропорции, четкие конструктивные решения и рациональный подход. Вместе с этим — полностью отсутствовать произвольные формы, эмоциональность и пафос. Интерьер должен собираться как конструктор. По его мнению, каждый отдельный элемент, будучи проекцией чисто пространственной, должен быть открытым со всех точек "как кристалл, растворенный в универсальном пространстве".

В 1920 предпринял турне-конференцию по Европе (в том числе по Голландии), где близко познакомился как со Школой Баухауз, так и с направлением дадаизма в искусстве. Тогда же им было дано определение будущей архитектуры, которая должна отречься от претензий на концепцию формы, представлять сумму самостоятельных элементов, быть экономной, безордерной, монументальной независимо от места и масштаба и так далее. В 1924 в издательстве Баухауз опубликовал свою первую теоретическую работу под названием "Фундаментальные принципы неопластицизма". Оригинал опубликован в Амстердаме (1919), а затем издан в шести книгах в Мюнхене.

Во время своего кратковременного увлечения дадаизмом ван Дусбург издаёт в 1922 году дада-журнал «Мекано» как приложение к журналу "Де Стиль".

В 1927 году ван Дусбург в сотрудничестве с Гансом Арпом и Софией Таубер-Арп спроектировал интерьер кафе «Обетт» в Страсбурге. Два больших прямоугольных зала в нем украшены «элементаристской» живописью в «основных цветах» и «не цветах». Рисунки наложены на все плоскости помещения. За счет них главные линии пространства: горизонтали и вертикали «разбавлены» диагональными элементами. В композицию залов включена мебель из гнутого дерева. Освещение — простые плафоны на двух металлических трубках, закрепленных на потолке.

Как считал лидер группы «Де Стил», внешний облик здания должен определяться его планировкой. Новая архитектура «не пытается втиснуть различные по своему функциональному назначению помещения в один закрытый куб, — писал он. — Скорее она центробежно разбрасывает функциональные помещения… от центра куба. Благодаря высоте, ширине, глубине и времени… архитектура становится как бы парящей, так сказать, противодействующей силе тяжести».

По профессии ван Дусбург был архитектором, живописи же учился самостоятельно. Правоугольному построению картин Мондриана ван Дусбург противопоставил диагональное, назвав эту манеру «Контер-композицией», также представляя свои строгие по цвету и формам картины в виде моделей всеобщего творческого преображения окружающей среды. Для защиты своей художественной позиции, не совпадающей с манерой Мондриана, художник излагает свои идеи в изданном им в 1930 году журнале «Арт конкрет», вышедшем всего один раз.

Его разрыв с П. Мондрианом в 1925г. приобрел публичную огласку, тогда же Ауд отказался от сотрудничества с Дусбургом, обвиняя его в дилетантизме, хотя и гениальном. Архитектор переезжает жить в Париж, где строит собственный дом и студию в Медон - Вал-Флери (1929-30). В этой работе собраны и доведены до кульминации все концепции и принципы "Стиля".

Смерть Дусбурга ознаменовала конец группы "Стиль". Несмотря на кратковременность существования группы и преимущественно теоретическую ее ориентацию, творчество архитектора до сих пор продолжает влиять на мировую архитектуру и занимает в ней значительное место. Концепции пространства, основанные на выходе из двухмерности плоскости картины и добавлении третьего измерения, будучи в органической связи с архитектурой, которые выделил и определил Ван Дусбург, остаются живыми, состоятельными и сегодня.
Ритвельд Геррит Томас

Ритвельд Геррит Томас (Gerrit Thomas Rietveld (1889-1964)) - голландский дизайнер. Содействовал разработке канонов современного проектирования. Родился в Утрехте. Образование его закончилось в 1900, когда Ритвельд вынужден был стать учеником в магазине отца. В 19-11 - художник в частной ювелирной фирме. В 1911 открыл свою столярную мастерскую. На протяжении всех этих лет посещал вечерние архитектурные классы в Утрехте и, став свободным художником, в 1919 вошел в группу "Стиль" (1917).

Фотография его первой публичной работы - красно-голубой стул (1918) - была опубликована на страницах этого журнала.