Пейзажная живопись второй половины 19-начала 20 века: Айвазовский, Левитан, Шишкин, Саврасов

Дом, в котором родился Айвазовский

Детство художника

Первые годы жизни мальчика в солнечной Феодосии прошли радостно и беззаботно. Семья торговца считалась довольно зажиточной, и в детстве маленький Ваня не знал ни в чем отказа. Счастье оборвалось внезапно: в 1812 году эпидемия чумы стала причиной разорения Константина. Теперь положение спасало мастерство матери семейства, производящей чудесные вышивки на заказ.

Свои первые произведения маленький гений выполнял на мокром песке.

Коренной житель портового города, Иван был без ума от моря. Морские пейзажи в любое время суток и при любой погоде просто завораживали мальчика. И немудрено, что, едва проснувшись, он мчался на берег, чтобы полюбоваться очередным шедевром природы. Ведь море никогда не бывает одинаковым! Конечно, рука сама тянулась к хворостине, чтобы тут же, на песке запечатлеть чудесную картину. Через мгновение безжалостные волны слизывали набросок. Но Ваня не унывал: его неуемная фантазия и естественная натура не знали предела.

Автопортрет. 1874 год.

Первые уроки художественного мастерства Иван получил от архитектора Якова Христиановича Коха. Познакомился юный Ованес с меценатом во время своей службы в греческой кофейне, куда его устроил отец. Несмелые наброски десятилетнего мальчика заворожили Коха недюжинным талантом автора. Вскоре он представляет юное дарование градоначальнику Феодосии А. И. Казначееву, ставшему впоследствии ярым поклонником произведений Ивана Константиновича Айвазовского.

С тех пор жизнь и судьба гения кардинально изменились: в 1831 году по ходатайству Казначеева, который к тому времени стал губернатором Тавриды, юноша зачислен в Таврическую гимназию, а в 1833 отправляется на учебу в Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге. Здесь куратором Айвазовского стал профессор Максим Воробьев, который привил художнику тонкое понимание природы. Обожающий музыку, учитель был чрезвычайно обрадован тем фактом, что его ученик владеет игрой на скрипке. Скрипка, по мнению Воробьева, как никакой другой музыкальный инструмент, владела невесомой связью с художественными полотнами.

Начало учебы

Воздух над морем. 1935 год.

Мастерскую индивидуальность Айвазовского формировали произведения европейских художников, которые без устали копировал юный Ованес. Именно срисовывание известных полотен и оттачивало мастерство Ивана.

Первый успех и серебряную медаль второго достоинства получил в 1835 году этюд художника «Воздух над морем». Смелые мазки и необычная колористика картины очаровали зрителей и немного испугали маститых художников того времени: до Айвазовского еще никто не отображал такую концепцию моря. Впоследствии одаренность Айвазовского приобрела новых известных поклонников – А.С. Пушкина, В.А. Жуковского, К.П. Брюллова, М.И. Глинки. Дружба с ними наложила большой отпечаток на развитие личности и таланта Ивана Константиновича.

В 1837 году состоялась первая презентация полотен Ивана Константиновича Айвазовского. На академической выставке было представлено шесть морских пейзажей, за которые молодой человек удостоился золотой медали первой степени. К тому же, высшая оценка сулила художнику поездку на два года за границу с целью приобретения опыта. Однако, по причине малолетства Айвазовский был отправлен в Крым, где и продолжил самостоятельно оттачивать мастерство. Натуры Ялты, Гурзуфа, Феодосии, Керчи были запечатлены в картинах навечно.

Айвазовский никогда не искал легких путей. Уже в 1839 году он принимает участие в военно-морском походе к берегам Кавказа.

Цель похода – военная разведка. Цель художника – новые впечатления. Славные русские флотоводцы и будущие герои Севастополя М.П. Лазарев, В.А. Корнилов, П.С. Нахимов, В.Н. Истомин остались друзьями Айвазовского на долгие годы. Их доблесть потрясла юношу. В свою очередь, Ованес привел в изумление опытных морских волков: при высадке десанта в Субаше он проявил смелость и отвагу как настоящий моряк. Отвага Айвазовского была отмечена высшими чинами в Петербурге.

Поездка вместе с другими пансионерами в Рим сулила продолжение образования и усовершенствование в пейзажной живописи. Изучая произведения классического искусства в музеях Рима, Венеции, Флоренции и Неаполя, Ованес перенимает опыт великих мастеров. Посещение музеев европейских городов отложили неизгладимый отпечаток в сознании юного художника.

В Италии Айвазовский посещает своего брата Гарика, живущего в монастыре. Изучая история своего рода, старший брат узнал, что фамилия предков – Айвазян. В итоге братьями было принято решение убрать из своей фамилии букву «Г». С тех пор Ованес Гайвазовский (а именно так юноша подписывал свои полотна) стал Иваном Айвазовским. Случилось это в 1841 году на 24 году жизни мастера.

Итальянский период

Вид Амальфи. 1865 год.

В 1844 году автор произведений Иван Константинович Айвазовский возвращается на родину известным мастером и академиком Римской и Амстердамской Академии художеств. В России он сразу был назначен академиком пейзажной живописи Петербуржской Академии художеств.

Итогом полученного звания стал большой заказ от правительства – изобразить все русские военные порты в Балтийском море. Исполнение заказа послужило поводом причисления мастера к Главному морскому штабу. Звание живописца и право ношения адмиралтейского мундира стало приятным завершением Итальянского периода творчества.

Последняя картина

На протяжении долгой жизни Иван Константинович Айвазовский создал более шести тысяч картин. Многие полотна он писал с натуры. Но истинным мастерством художник считал умение творить шедевры по памяти. Именно по памяти была сотворена и последняя картина живописца «Взрыв корабля». Художник задался целью еще раз пересмотреть легендарный подвиг греческого повстанца Канариса при взрыве корабля адмирала.

С самого утра 19 апреля 1900 года Айвазовский сел за работу. К вечеру полотно было почти готово. Наклоненный корабль, оторванные части мачт и рей свидетельствуют о только что прозвучавшем взрыве. Греческие повстанцы, спешно покидающие место происшествия, еле виднеются вдали. Для большей достоверности оставалось наложить только несколько завершающих мазков. Уставший живописец решил перенести окончание картины на завтра. Но шедевру суждено было остаться неоконченным: ночью сердце художника Главного морского штаба, адмирала Ивана Константиновича Айвазовского остановилось во сне.

Похоронен великий живописец в родной Феодосии во дворе армянской церкви святого Сергия. На саркофаге выгравирована символическая эпитафия: «Родившись смертным – оставил по себе бессмертную память».

 

Пейзаж завоевал место одного из ведущих жанров живописи. Его язык стал, подобно поэзии, способом проявления высоких чувств художника, областью искусства, в которой выражаются глубокие и серьезные истины о жизни и судьбах человечества, в нем современник говорит и узнает себя.

Вглядываясь в произведения пейзажной живописи, прислушиваясь к тому, о чем повествует, изображает природу художник, мы учимся знанию жизни, пониманию и любви к миру и человеку.

1. Несколько слов о русском пейзаже.

2. Сделайте список из упоминаемых в тексте художников в таком формате:

ФИО
Годы жизни

В каком жанре работал

Детали биографии, которые кажутся вам наиболее значимыми

Список наиболее известных произведений (они представлены в тексте)

 

Бонус для тех, кто не выкидывает прошлогодние тетради: можно использовать конспект с прошлого года. Только обязательно дополнить, если чего-то не хватает. После того, как конспект составлен, выкладываете его в комментарии под постом с заданием, я его проверяю, КАЖДОМУ делаю поправки, и после этого его можно учить! У нас скоро экзамен, так что не расслабляемся! Перед экзаменом сделаем обязательно репетицию экзамена, чтоб потом не нужно было краснеть ни мне, ни вам. Учим картины!!!!

 

 

Пейзажная живопись второй половины 19-начала 20 века: Айвазовский, Левитан, Шишкин, Саврасов

Вторая половина XIX века – время становления и расцвета русской школы пейзажной живописи. Именно в этом жанре были сделаны открытия, связанные с работой на пленэре, произошло осознание красоты и самобытности национальных мотивов.

Говоря о развитии пейзажа в России, необходимо обратить внимание на тот факт, что русская природа начинает представлять для русских художников определенный и направленный интерес только в нач. 1870-х годов. До этого времени больший интерес для русских художников представляли экзотические красоты итальянских и крымских ландшафтов.

В начале 1870-х годов настоящим откровением для народа стала картина Алексея Кондратьевича Саврасова(1830-1897) «Грачи прилетели» (1871, ГТГ) – один из высочайших образцов русского лирического пейзажа. Саврасов работал над картиной в селе Молвитино Костромской губернии, сделал ряд этюдов. В этой работе Саврасов передает всю непритязательную красоту и очарование сельской русской природы. Зрители словно впервые увидели и ощутили, что в этом непритязательном скромном пейзаже таится столько жизни. Сюжет картины – безрадостная равнина, покрытая тающим снегом, слякоть, лужи, кривые березы, сероватое, тяжелое небо, растрепанные грачиные гнезда и их вездесущие крикливые обитатели. Но: небо полно весенней свежести и надежды, равнина – простора, зовущего за горизонт, березки - нежны и хрупки, тающий снег и лужи на редкость живописны, а говорливые и деловитые грачи вносят столько весенней суеты и гомона, что зритель попадает в мир их песен и звуков.

  ^{Саврасов. "Грачи прилетели"}

Рождая почти щемящее чувство, хорошо знакомое с детства каждому, этот казалось бы простой пейзаж открыл тему созвучия природы душевному настрою.

На протяжении всего творчества Саврасов развивал тему поиска красоты и поэзии в обыденном мотиве, который он одухотворял своей живописью. Художника привлекала не заморская эффектная красота, а незатейливость среднерусской полосы, именно в ней он обретал искомый идеал.

А.Саврасов родился в Москве, в семье мелкого торговца. В 1853 году закончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества (учился у К.Рабуса), в 1854 году получил звание Академика за работы «Вид в окрестностях Ораниенбаума» и «Морской берег в окрестностях Ораниенбаума».

А.Саврасов работы «Вид в окрестностях Ораниенбаума»

А.Саврасов "Морской берег в окрестностях Ораниенбаума"

Еще будучи студентом Алексей написал поразительный пейзаж «Степь днем» (1852, ГРМ), передающий виды Малороссии. Фигурами двух дроф, развернутых в разных направлениях, Саврасов задает пространство. Игорь Долгополов в статье о Саврасове писал: «Этот пейзаж – новое слово в живописи. Лучезарное, щирокое приволье напоено светом и радостью. Бескрайние дали тают в жаром мареве. Тишина. Где-то в голубой выси вьется жаворонок.»² Федоров-Давыдов сомневался, чтобы такую работу мог выполнить студент.

 
А.Саврасов "Степь днем"

Саврасов после получения звания занял место К.Рабуса в училище, возглавив пейзажный класс.

В 1870-х происходит ряд драматичных событий в жизни художника, но он находит в себе силы продолжать работу и создает ряд пейзажей: «Проселок»(1873), «Радуга»(1875), «Домик в провинции»(1878), «Рожь»(1881) и др.

Будучи преподавателем, Саврасов призывал учеников «идти в природу», т.е. работая на натуре, находить прекрасное и поэтическое в самом малом и скромном мотиве. Саврасов прививал любовь к «этюдному» творчеству молодым живописцам, в т.ч. В.Д.Поленову, И.И.Левитану, К.А.Коровину и др.

Константин Коровин в своих воспоминаниях приводит слова Саврасова: «Искусство и ландшафты не нужны, где нет чувства…Если нет души, значит, ничего не будет и в живописи… Природа вечно дышит, всегда поет, и песнь ее торжественна… Земля ведь рай – и жизнь тайна. Прославляйте жизнь. Художник – тот же поэт.»³

Одним из талантливейших учеников Саврасова и Поленова был Исаак Ильич Левитан (1860-1900). Художественная концепция мастера определяется как «пейзаж настроения» или «лирический пейзаж». Левитан избегал изображать внешне эффектные места. Ему это было не нужно. В самом простом деревенском мотиве он, как никто другой, умел найти то родное и бесконечно близкое, что так неотразимо действует на душу русского человека, заставляя его снова и снова возвращаться к картине. Левитан наполнил наш бедный пейзаж чувствами, и теперь уже никто не мог отвернуться от средней полосы России - у нее появилось свое неповторимое лицо и неотразимое очарование, перед которым меркли красоты заморских стран.

Пейзажи Левитана настолько пронизаны духовным национальным колоритом, что до сих пор мы, воспринимая некоторые образы родной природы, называем их «левитановскими».

«Левитан имел огромное общее, не обозначаемое узкими границами и конкретными чертами, значение для русской пейзажной живописи. Он оказал столь большое влияние на развитие пейзажа, что можно без преувеличения сказать: после Левитана пейзаж приобрел новый характер. Нельзя утверждать, что Левитан открыл красоту и поэтичность русской природы. До него это сделал Саврасов, который также имел предшественников. Но, развивая саврасовский лирический, национальный по характеру пейзаж, Левитан придал ему новое качество. Заслуги Саврасова «в области русского художества» Левитан видел в том, что Саврасов старался «отыскать в самом простом и обыкновенном те интимные, глубоко трогательные, часто печальные черты, которые так сильно чувствуются в нашем родном пейзаже и так неотразимо действуют на душу». В этой характеристике проявилось творческое кредо самого Левитана. Его пейзаж можно определить как «лирику и безграничную любовь к своей родной земле», которые так высоко ценил Левитан в искусстве своего первого учителя.

Левитан научил современников глубоко и поэтично чувствовать и воспринимать природу понимать ее созвучные человеку состояния. Стоит припомнить впечатление от лучших, значительнейших полотен Левитана, будь то изображение летнего пасмурного дня на Волге в картине «После дождя. Плёс» (1889), поражающее передачей не только почти физически ощущаемой сырости воздуха, но и самого настроения этого пейзажа, или щемящая душу, гнетущая тоска «Владимирки» (1892), или веселая тревожность весенней пробуждающейся к новой жизни природы «Марта» (1895), или мажорная звонкость «Золотой осени» (1895) и симфония скорби в картине «Над вечным покоем» (1894), или кантата ликующей радости в полотне «Озеро» («Озеро. Русь») (1899—1900).

И. Левитан «После дождя. Плёс»
И.Левитан «Владимирка»

И.Левитан "Март"

И.Левитан "Золотая осень"

И.Левитан "Над вечным покоем"

И.Левитан "Озеро"

«Пейзаж настроения», раскрытие «души русской природы», которые мы находим у Левитана, свойственны творчеству и таких его современников, как Сергей Светославский, Михаил Нестеров, Илья Остроухов. Но у Левитана эти поиски наиболее ярко выражены. Левитан чувствовал и мастерски умел передавать и то интимное в природе, что требует близкого, пристального рассматривания и переживания: как растет цветок или вьется тропинка в лесу, — и то большое, что требует некоей отстраненности, охвата широких пространств, при которых предметы становятся только деталями общей картины мира и душа должна иметь мужество и силу чувствовать дыхание «большой природы». А как бесконечно разнообразно умел Левитан трактовать в различных мотивах одну и ту же увлекавшую его тему. Стоит только вспомнить многообразие трактовок темы дороги, столь занимавшей Левитана. То это неумолимо идущая в глубину среди полей дорога в картине «Владимирка», то стремительно убегающее шоссе в полотне «Шоссе. Осень» (1897), то спокойно и властно влекущая вдаль перспектива обсаженного березами большака («Большая дорога. Осенний солнечный день», 1897). Или взять другой, не менее занимавший Левитана сюжет — озеро. То оно рисуется нам спокойным и тихим, с зеркальной гладью воды, в которой отражается берег («Лесное озеро. Заход солнца», 1890-е), то серым, с сердитыми волнами, гонимыми ветром («Хмурый день», 1895); то это необъятная гладь пространства озера ли, реки ли в картине «Над вечным покоем», то синий простор воды, над которой медленно плывут светлые, празднично-нарядные облака и словно разносится звон воскресных колоколов с виднеющихся вдали колоколен в полотне «Озеро» («Озеро. Русь») (1899-1900). Левитан обладал особым даром находить для своих работ мотивы. При этом его поэтическое чувство природы было глубоко содержательно, не только когда он брался за большие темы, за сложные сюжетные картины, но и в самых незатейливых пейзажах. Произведения Левитана кажутся простыми и по сюжету, и по художественному строю — но это простота высокого искусства и мастерства. Анализируя любое из значительных произведений художника, поражаешься, как естественно, ясно выражена внутренняя сложность содержания. Левитан особенно проявился как создатель больших синтетических образов и законченных композиций.»⁴

«Творческая история ряда полотен показывает длительную и сложную работу художника над ними, над поисками образа, композиционного и колористического решения. Левитан писал их по этюдам и делал для многих из них эскизы. Такова, например, история одного из первых крупных произведений Левитана «После дождя. Плёс». Этот пейзаж передает не мгновенное состояние и не одно какое-либо настроение, но богатые переходы чувств, выраженные в движении, в смене освещения, в показе изменения погоды. То же можно сказать и о картинах «Март» и «Владимирка» и даже о «Березовой роще». Ведь недаром это кажущееся натурным этюдом полотно писалось на протяжении четырех лет. Ряд же пейзажей Левитана, таких, как «Вечерний звон» (1892), «Над вечным покоем» или «Озеро» («Озеро. Русь»), являются не натурными видами, а сочиненными, скомпонованными по натурным этюдам изображениями.»⁵

«Раскрытие «сокровенных тайн» природы было постоянным стремлением Левитана, а трудность постижения и выражения ее была причиной творческих мук, частых разочарований и неуверенности в своих силах, усугубляемых впечатлительностью художника. Стремление ответить на вопрос о смысле бытия мы находим не только в полотнах «Вечерний звон» или «Над вечным покоем». В том или ином, порою скрытом, виде, как подтекст, все это присутствует в каждом значительном произведении Левитана./…/

«Владимирка» — замечательный, быть может единственный в русской живописи, столь яркий пример выражения социальных идей чисто пейзажными средствами. Такой пейзаж мог появиться только в атмосфере постоянных дум о судьбах России, которыми было проникнуто искусство передвижников.
Пейзаж очень прост. Широко расстилается по сторонам и далеко уходит вглубь типичная русская равнина. Низко нависло серое облачное небо, несущее дождливую погоду, а под ним, по равнине, тянется дорога с тропинками по бокам, протоптанными многими путниками. Грустью и бесприютностью веет от этого пейзажа. Но вместе с тем в самой шири, просторах и глубине, в том, как неуклонно движется вдаль дорога, есть нечто величавое и вечное как сама жизнь.
Одинокая фигурка странницы подчеркивает безлюдье и безмолвие пейзажа. На небе — сложное движение облаков, клубящихся и куда-то плывущих. И все это вместе: просторы, неторопливый бег дороги, движение облаков — исполнено спокойного и величавого ритма.

«Владимирка» замечательна тем, что ее глубокое общественное содержание выражено чисто художественными средствами. Наиболее гражданственное, идейное произведение Левитана принадлежит к числу его предельно простых по мотиву пейзажей.» ⁶

«Произведения Левитана являются выводом из передвижнического пейзажа и предвещают новый пейзаж, подытоживают традицию Саврасова и начинают то, что впоследствии проявится в творчестве Игоря Грабаря и Константина Юона.»⁷

Историю отечественного пейзажа невозможно представить без работ Ивана Ивановича Шишкина (1832-1898), прекрасного русского живописца и певца родной природы, родившегося в небольшом старинном городке Елабуге на Каме. Шишкин учился в Московском училище живописи и ваяния, затем в Академии художеств, был активным членом Товарищества передвижных художественных выставок.

Если Саврасов искал лирических состояний природы (ранняя весна, поздняя осень), то работы Шишкина отличали эпический размах и большие пространства. Шишкин стал основоположником русского реалистического пейзажа: он видел природу глазами своего народа. И.Н.Крамской называл его «верстовым столбом в развитии пейзажа», «человеком-школой». Еще в годы учебы у Шишкина появилась потребность в пристальном, внимательном изучении природы, каждого ее фрагмента, в анализе формы, в исследовании того эстетического содержания, какое она в себе несет.

Изучение действительности во всех ее проявлениях, провозглашенное русскими реалистами в качестве главной задачи искусства, приняло в творчестве Шишкина форму более углубленного наблюдения и изучения природы, внимательнейшего штудирования натуры, открывающего путь к ее познанию, путь к обобщению видимого и созданию целостного собирательного образа русского ландшафта: леса, деревни, поля. В полотнах Шишкина русская природа предстает богатырски могучей, величавой, раздольной и неисчерпаемо богатой.

Из всего обширного наследия Шишкина можно назвать несколько ключевых картин, демонстрирующих эволюцию стиля художника.

Открывают эту галерею работы 1850-х годов – «Вид в Окрестностях Петербурга»(1856) и «Вид на острове Валааме»( 1859) – за них Шишкин получил от Академии золотую медаль и право заграничной поездки. Также к раннему творчеству относится работа «Рубка леса»(1867), но она слишком прямолинейна, и ее изобразительный язык отвечает первому впечатлению, начальному комплексу ощущений, это еще лишь наблюдение облика, но не творение в воображении образа природы.

И.Шишкин "Вид в Окрестностях Петербурга"

Поиски типического позволяют создать в 1869 году работу «Полдень. В окрестностях Москвы». Шишкин ставит перед собой задачу скомпоновать отобранное, найти единое цветовое решение картины, сохранив при этом ощущение живой натуры, свежесть реального пейзажа. Художник временно отказывается от тщательной разработки переднего плана, стремится к обобщению образа и художественного языка. Широкие дали, дорога, уходящая в глубину, светлеющее к горизонту небо – все создает ощущение простора, необозримости, величия земли.

 
И.Шишкин «Полдень. В окрестностях Москвы»

«Полдень..» предваряет группу пейзажей с высоким небом, но художник снова возвращается к идее передачи изображения деревьев, соснового бора изнутри, из глубины леса, и в 1872 году создает «Мачтовый лес в Вятской губернии», он пишет его по впечатлениям от поездки на родину. В работе Шишкин стремится соединить любование деталью с созерцанием «спектакля природы», конкретизацию с обобщением. Художник наполняет пейзаж чувством восхищения перед увиденным кусочком природы, однако чувство это максимально объектизировано, мотив обобщен. Иван Крамской критиковал эту работу за излишнюю графичность, считая, что это наносит ущерб живописности. Шишкин учел замечания и в работе «Лесная глушь»( 1872) цвет становится богаче, он уже основан на нюансах, на тонких переходах от одного локального пятна к другому. Художник тщательно разрабатывает колорит каждого сантиметра живописной поверхности, приобретающей теперь особую глубину и бархатистость. В «Лесной глуши» не изображается живая сценка, но этот пейзаж не лишен сюжетной основы и наполнен легко читающимся содержанием – это сказочность, воспоминания о слышанных в детстве лесных легендах.

В 1878 году Шишкин исполняет работу «Рожь», знаменующую собой пору расцвета и творческой зрелости. Эта картина считается центральной в эволюции его творчества, сосредотачивает в себе основные, присущие ему тенденции. Полуденный пейзаж – это образ России. Шишкин ищет во времени дня соответствия своему пониманию русской природы. «Рожь» - это идеальный образ родной природы, исключающий не только все случайное, но и все, что человека не радует, что не успокаивает и не возвеличивает душу, при этом художник не отступает от реальности.

И.Шишкин "Рожь"

В.В.Стасов называл пейзажи Шишкина «пейзажами для богатырей» и отзывался о картине «Рожь»: «Эта рожь кажется сам-восемьдесят – такая она тучная, роскошная; она наполняет золотистыми отливами всю картину и только в середине разгибается в обе стороны, чтобы пропустить вьющуюся тропинку с бредущими по ней крестьянами. В двух местах из-за ржи поднимаются великолепными лиственными столбами громадные сосны, словно колонны портала.»⁸.

В 1880-х годах Шишкин создает работы, которые можно назвать монументальными. Укрупняются масштабы этюдов, усложняется художественная задача.

Новаторство образного содержания сочетается с новыми находками в области освещения и колорита. Художника интересуют световоздушная среда, окутывающая предметы, игра солнца на поверхностях (стволы деревьев, трава, земля). В «Соснах, освещенных солнцем»( 1886) и «Дубах»( 1887) солнечный свет становится главным объектом внимания. Зеленые кроны и просвечивающее сквозь них небо образуют свободное живописное сочетание чистых световых пятен, обобщение которых достигает максимальных в живописи художника приделов, при этом Шишкин сохраняет рисуночную основу и четкую композиционную построенность пейзажа.

В 1883 году в работе «Среди долины ровныя…» в основу живописного произведения художник кладет песенный мотив, и работа обретает эпичность, монументальность, элегичность и задумчивое настроение.

Особый интерес к световоздушной перспективе у Шишкина проявляется в работах «Раннее утро»(1885), «Утро в сосновом лесу» (1889).

И.Шишкин "Утро в сосновом лесу"

На рубеже восьмидесятых - девяностых годов Шишкин обратился к сравнительно редкой для него теме зимнего оцепенения природы и написал большую картину "Зима" (1890), поставив в ней трудную задачу передачи чуть заметных рефлексов и почти монохромной живописи.

В 1890-е годы творчество Ивана Шишкина достигает новых вершин через слияние графической основы построения пейзажа (как в 1870-х) и световоздушных решений пейзажей. Этюды 90-х годов совмещают найденные эффекты солнечного освещения с подробным и тонким письмом трав и цветов. Травы опять становятся остро интересны художнику и это отражается даже в названиях работ: «Цветы на опушке леса» (1893), «Травки»( 1892).

Достойным завершением его цельного и самобытного творчества стала картина "Корабельная роща" (1898) - полотно, классическое по полноте и многогранности художественного образа, совершенству композиции. В основу этого пейзажа легли натурные этюды, выполненные Шишкиным в родных прикамских лесах, где он нашел свой идеал - синтез гармонии и величия. Но в произведении воплощено и то глубочайшее знание русской природы, которое было накоплено мастером за почти полувековую творческую жизнь.
И.Шишкин "Корабельная роща"

Говоря о значимости творчества Ивана Шишкина для русской пейзажной живописи можно привести слова В.Н.Яковлева: «…Задолго до Левитана Шишкин сумел рассказать о поэзии неярких, элегических простых мотивов. Таковы его картины /…/ исполненные с изысканным мастерством.»⁹

Есть художники, о которых знают даже люди, не очень сведущие в живописи. Одним из них является выдающийся маринист Иван Константинович Айвазовский (настоящее имя — Ованес Айвазян). Восторженный певец моря, умело передающий на холсте красоту и мощь стихии, Айвазовский подарил миру самые эффектные и впечатляющие, полные драматизма и восхищения, полотна в жанре марина.

Великий художник-маринист Иван Константинович Айвазовский родился 17 июля 1817 года в семье рыночного старосты и мастерицы-вышивальщицы. До появления самого младшего сына в семье Константина и Рипсиме Айвазовских уже воспитывалось четверо отпрысков: три девочки и мальчик, названный Саргисом. При крещении будущей знаменитости было дано имя Ованес, которое впоследствии приобрело славянский вариант Иван.