Французский живописец первой трети XVIII века, чье творчество стало прологом общеевропейского стиля рококо.

Антуан Ватто жил в «век суетных маркиз» и всё его творчество отражает настроение и неповторимый флёр давно ушедшего XVIII века. Картина «Затруднительное положение», которая у Ватто было безымянной, а своё название приобрела годы спустя, явилась одним из характерных шедевров мастера, чётко демонстрирующий его стиль и интересы.
На первый взгляд, здесь ничего не происходит – красиво разодетая публика наслаждается природой, которая имеет ярко выраженный декорационный вид. Деревья будто раздвинутые кулисы, открывают зрителю сцену, на которой о чём-то беседуют праздные господа.
Однако если присмотреться к фигурам справа, то можно заметить, как разрушается эта спокойная идиллия. Здесь, несомненно, происходит выяснение отношений. Юноша пытается остановить даму, которая решительно удаляется наверняка чем-то обиженная или задетая. Остальная группа людей – дама с гитарой, ещё одна маркиза, повёрнутая спиной и юноша в красном камзоле, становятся невольными свидетелями этого затруднительного положения. Причём молодой человек, сидящий на земле, явно знает, как разрешится ситуация – дама всё равно уйдёт, о чём свидетельствует его ехидная полуулыбка.
Очарование этой работы не только в прекрасно выверенной композиции, отличной передачи фактуры и складок одеяний, грамотной расстановке цветовых акцентов, но и в этой недосказанности, незавершённости сюжета, которая даёт возможность зрителю пофантазировать на заданную автором тему.

56. Рейнольдс «Девочка с собакой» («Любишь меня, люби и мою собаку»)

Детский портрет в творчестве английского портретиста и исторического живописца Джошуа Рейнольдса (1723-1792) занимал значительное место. Рейнольдс - представитель английского рококко, писал романтические портреты английских Леди с детьми, сохраняя классические приемы парадной портретной живописи. Соединяя в своем творчестве влияния живописи Тициана, Рубенса, Рембрандта и Корреджо, Рейнольдс был многоликим. Его живопись могла быть то светлой и легкой, то темной и тяжеловесной. Образы детей у Рейнольдса часто идеализированы, иногда немного слащавы, но не лишены определенной прелести и грации. Особенно милы изображения юных леди с собаками

57. Делакруа «Свобода на баррикадах»

Фердина́н Викто́р Эже́н Делакруа́ (1798—1863) — французский живописец и график, предводитель романтического направления в европейской живописи.

«Свобода, ведущая народ» или «Свобода на баррикадах»

Делакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года, положившей конец режиму Реставрации монархии Бурбонов. После многочисленных подготовительных эскизов ему потребовалось всего три месяца, чтобы написать картину.

Впервые «Свобода, ведущая народ» была выставлена в Парижском салоне в мае 1831 года, где картина была восторженно принята и тотчас куплена государством. В центре картины изображена женщина, символизирующая свободу. На голове у неё — фригийский колпак, в правой руке — флаг республиканской Франции, в левой — ружьё. Обнаженная грудь символизирует самоотверженность французов того времени, которые с «голой грудью» шли на врага. Фигуры вокруг Свободы — рабочий, буржуа, подросток — символизируют единство французского народа во время июльской революции. Некоторые искусствоведы и критики предполагают, что в виде мужчины в цилиндре слева от главной героини художник изобразил себя.

Романти́зм (фр. romantisme) — идейное и художественное направление в европейской и американской культуре конца XVIII века — первой половины XIX века, характеризуется утверждением самоценности духовно-творческой жизни личности, изображением сильных (зачастую бунтарских) страстей и характеров, одухотворённой и целительной природы. Распространилось на различные сферы деятельности человека. В XVIII веке романтическим называли всё странное, живописное и существующее в книгах, а не в действительности. В начале XIX века романтизм стал обозначением нового направления, противоположного классицизму и Просвещению.

58. Энгр «Большая купальщица»

Жан Огю́ст Домини́к Энгр (1780—1867) — французский художник, живописец и график, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века.

Одна из удивительно гармоничных работ Энгра, сочетающая в себе поэтику, красоту обнажённого женского тела и подробную реалистичность.
Картина эта была написана во время обучения художника в Риме, и в мировом искусстве работа отмечена двумя названиями - «Большая купальщица» и «Купальщица Вальпинсона». Если первое название вполне логично, то второе интригует, хотя и с этим наименованием всё понятно, ведь связано оно всего лишь с фамилией первого владельца картины.
Центральную ось композиции картины образует голая спина купальщицы. Физиологическая достоверность сочетается здесь с матовостью гладкой кожи, что избавляет сюжет от вульгарности.
Если пристально вглядываться в элементы работы, визуально «препарируя» каждую деталь, то становится видно насколько продумана и выстроена композиция «Купальщицы». Каждый изгиб тела подчинен стройности и классической гармоничности, при этом окружающие героиню декорации только подчёркивают линии мастера, которыми он изобразил фигуру. Так драпировка занавески делает акцент на вертикаль спины, а завитки-складки тюрбана гармонируют с локонами барышни, так же как и с аккуратной раковиной уха. Линия художника определённа и неразрывна, что не мешает Энгру играть с формами и объёмом.
Изображение невероятно пластично и спокойно. Здесь нет кричащих цветов и ярких контрастов за исключением одного –красные пятна на платке-тюрбане несколько выбиваются из спокойной палитры картины.
Свою купальщицу Энгр осветил ярким светом, чем не только подчеркнул красоту женского тела, но и придал ощущение интимности и одновременно комфорта. Купальщица абсолютно спокойна и раскована в привычной для себя обстановке, и зритель может без стыда наслаждаться прекрасной героиней, открытой и одновременно целомудренной.

59. Тернер «Дождь, пар и скорость»

Джо́зеф Мэ́ллорд Уи́льям Тёрнер (1775 — 1851) — британский живописец, мастер романтического пейзажа, акварелист. Прелвестник французских импрессионистов.

Картина «Дождь, пар и скорость» написана Тернером в 1844 году. Это время в английской истории считается эпохой всеобщего увлечения железной дорогой и поездами. Не обошла сия участь и Уильяма Тернера. Современники рассказывают, что совершая поездку по железной дороге, художник выглянул в окно и был поражен. Свои впечатления он выплескивает на полотно.

Целью живописца является перенести скорость поезда на полотно, именно поэтому картина такая размытая и нечеткая. Наиболее четко виден движущийся паровоз, причем особенно четко и ярко прорисована его труба. Это сделано с целью показать силу техники и нового наступающего времени. Тернер хочет показать паровоз как яростного зверя, несущегося на всех парах. Все остальное размыто, но угадывается в золотой дымке. Внизу различимы маленькая лодка.

Тернер изображает их как символ отступающей эпохи, пропускающей вперед скорость. Различим мост на опорах и берег реки, на котором столпились люди, разглядывающие паровоз. Для обозначения высокой скорости поезда Тернер изображает над трубой несколько белых пятен, символизирующих не успевший рассеяться пар. Уильям Тернер выступил новатором в жанре изображения поезда, популярного в то время. Все художники старались центральное место картины уделить самой машине, прорисовать все мелочи. А Тернер хочет показать именно мощь и скорость поезда, поэтому вся картина как бы завуалирована маревом.

Считается, что художником изображено реальное место – река Темза и Мейденхедский виадук.

В 1844 году картина с большим воодушевлением была принята молодыми импрессионистами.

60. Фредерик Лейтон «Пылающий июнь»

Барон Фредерик Лейтон (1830 — 1896) — английский художник, яркий представитель викторианского академизма (салонного искусства), в некоторых отношениях близкий к прерафаэлитам.

Академи́зм — направление в европейской живописи XVII—XIX веков. Академизм вырос на следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и Возрождения.

Викториа́нская эпо́ха (1837—1901) — период правления Виктории, королевы Британской империи, Ирландии и Индии.

Прерафаэли́ты — направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX века, образовавшееся в начале 1850-х годов с целью борьбы против условностей викторианской эпохи, академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

«Пылающий июнь» — картина английского художника Фредерика Лейтона, яркого представителя викторианского академизма. Картина была написана в 1895 году и считается важнейшим произведением художника.

Возможно, на изображение фигуры спящей женщины на картине Лейтона вдохновили многочисленные греческие скульптуры спящих нимф и наяд. В правом верхнем углу находится ветка олеандра, сок листьев которого ядовит, что может быть намёком на тонкую грань между сном и смертью.

«Пылающий июнь» изображает ослепительную молодую женщину в платье классического покроя, спящую на мраморной скамье под звёздами. Позади неё, под золотисто-оранжевым навесом, виднеется тонкая серовато-серебряная полоска воды,отражающая свет полной луны. Эта работа по своему духу почти реалистическая, в ней античный антураж органично сочетается с атмосферой «здесь и сейчас».

61. Клод Моне «Руанский собор в свете восходящего солнца», «Утром», «Вечером»

Клод Моне – выдающийся художник-импрессионист XIX века. Его картины удивляют своей свежестью и натуралистичностью. Моне писал очень живо, был внимателен к мельчайшим деталям и мастерски передавал цветовую гамму. Искусствоведы всего мира считают Клода Моне одним из знаковых представителей движения, получившего название "импрессионизм". Это направление в мировой живописи было создано несколькими художниками и быстро получило распространение в Европе. Основной идеей школы импрессионистов было передать впечатление, которое произвёл пейзаж, прямо на месте. Раньше художники работали в мастерских, рисуя несуществующие пейзажи или какие-то вещи по памяти. Новое направление ломало стереотипы о живописи в целом.

Руанский собор – это не только произведение искусства архитектуры. Это —ещё и название серии потрясающих работ французского художника Клода Моне. Его картины похожи на множество копий фотографий, к каждой из которых применили какой-то фильтр. Однако, если присмотреться внимательнее, можно найти множество отличий. На каждой работе собор изображён иначе, чем на предыдущей. Вся суть в освещении. В разное время суток источник света – солнце – находится в разных точках небесного свода. Освещая композицию собора по-разному, светило меняет расположение теней на здании, создавая причудливые формы. Невозможно представить, как сильно художник любил это чудо архитектуры, если написал столько картин с его изображением. С полотен Моне собор предстаёт перед зрителем совершенно разным: загадочным, потерянным или уверенным, весёлым. Погодные условия меняют атмосферу картины, а вместе с ней — настроение, которое передаёт художник. Жизненный период, на который приходится время работы над «Собором», был крайне трудным для живописца. Он сомневался, но всё равно творил на протяжении нескольких лет. Порой Моне не заканчивал свою работу на месте, а доделывал в мастерской. Однако это не сделало его картины менее живыми и впечатляющими. Ведь главной задачей Моне, как и его друзей по художественной школе, было передать впечатление, impressione.

Картины, где собор – светлый, написаны днём. В зависимости от солнца и настроения, Моне кладёт мазки жёлтых, голубоватых, ультрамариновых «рефлексов» на стены собора. Если посмотреть внимательно – здания на «солнечных» картинах состоят из сплошных пятен света разных цветов и оттенков. Мастерство Моне заключается в том, что ему удалось передать форму, не используя контуров или достаточное количество тени. Художник просто набросал множество солнечных лучей – и получились прекрасные картины серии "Руанский собор". Клод Моне писал живо, напористо, и его эмоции передаются зрителям.

Изучая серию Клода Моне, посвящённую Руанскому Собору, можно заметить, что художнику очень нравилось волшебное время суток, называемое сумерками. Руанский собор художник изобразил загадочным, потерянным в утреннем тумане. Эта светлая, полупрозрачная дымка придаёт сооружению романтичность. Иногда дымка настолько окутывает собор, что все оттенки становятся пастельными, едва различимыми. Однако отсутствие контраста здесь – специально. Фиолетовые, синие, лиловые и тёплые жёлтые оттенки плавно переливаются, создавая ощущение мягкого сияния… На утренних картинах собор выглядит по настоящему святым местом.

Собор перед дождём, исполненный Клодом Моне – особенное произведение искусства. В этой картине почти нет тёплых оттенков: только холодные серые и синеватые. Кое-где видны коричневые проходы арок. Кажется, будто собор построен не из камня, а соткан из сотни грозовых туч, которые в любой момент могут пролиться дождём. Мазки Моне напоминают тяжёлые капли, которые вот-вот обрушатся с небес. Нависшее над зданием пасмурное небо кажется очень тяжёлым, так же, как и линии архитектурных элементов собора.

«Руанский Собор» Моне – ярчайший пример импрессионизма. В картинах, написанных во второй половине дня, ближе к вечеру, гораздо больше грусти, чем в других. Моне использует красноватые и медные оттенки для изображения вечерних этюдов собора. Иногда присутствуют оттенки только одного цвета: красного, синего или коричневого, охристого. Гармония в коричневых тонах – мрачное изображение собора «против света». Все детали сооружения находятся в тени и полутени, а на заднем плане выделяется светло-жёлтое яркое небо. Контрасты картины и одновременное сочетание всех оттенков приводит в восторг.

62. Эдгар Дега «Голубые танцовщицы»

«Голубы́е танцо́вщицы» — пастель французского художника-импрессиониста Эдгара Дега, созданная в 1897 году.

Тематика танцовщиц была близка художнику Эдгару Дега. Ценители живописи французских импрессионистов и Дега, в частности, высказывают единодушное мнение, что среди всех картин с балеринами «Голубые танцовщицы» являются лучшим воплощением данной темы. Картина выполнена очень ярко, крупными мазками. К моменту написания данной картины зрение Эдгара Дега сильно ослабло, поэтому для позднего творчества художника характеры именно большие и яркие цветовые пятна. Несмотря на слабое зрение, мастерство Эдгара Дега было настолько сильным, а чувство выразительности настолько острым, что ему удалось создать настоящий шедевр, который богат на цветовые сочетания и фактуру, обладает удивительной композиционной гармонией и цветовыми решениями, которые радуют глаз и заставляют зрителя буквально влюбляться в картину, впитывать её всеми фибрами своих чувств, ощущать в ней атмосферу, настроение и саму жизнь.

Картина необычна тем, что написана в ракурсе «вид сверху». Четыре балерины поправляют свои пачки и разминаются перед выходом на сцену. Необычный ракурс создаёт ощущение, будто зритель подсматривает за балеринами, а не находится с ними рядом. Композиционное размещение фигур танцовщиц вовлекает зрителя внутрь картины и создаёт ощущение, что танец балерин уже начался, а они сами уже полностью погружены в свои образы, начинается представление. Здесь чувствуется атмосфера, пропитанная вдохновением предстоящего танца. Асимметричность композиции и обрезанные края делают картину похожей на случайно брошенный взгляд, сиюминутную сцену, которая ценна своей неповторимостью.

63. Ренуар «Завтрак гребцов»

«Завтрак гребцов» — картина французскогохудожника Пьера Огюста Ренуара (французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма.), написанная в 1880—1881 годах.

Встреча друзей проходит в ресторане Фурнез, который находится немного к западу от Парижа, в городе Шату на острове Сены. Стоит отметить, что ресторан «Дом Фурнез» в восстановленном виде работает и и сегодня. Данный ресторан был любимым заведением Пьера Огюста Ренуара. Помимо «Завтрака гребцов», также здесь были написаны и некоторые другие картины.

Групповой портрет лишён всякой торжественности и парадности. Встреча проходит в лёгкой и непринуждённой обстановке. Все герои картины полностью расслаблены и занимаются обсуждением повседневных дел. На столе находится много фруктов и несколько бутылок вина, которые уже открыты и частично выпиты. Картина очень красочная и солнечная. У зрителя создаётся ощущение беззаботного отдыха от радостной встречи с любимыми друзьями.

На картине изображены отдыхающие за городом парижане. Действие запечатлено в местечке Шату, где как раз собирались любители гребли. Люди расположились под навесом на террасе ресторана Фурнез.

Картина создавалась в течение нескольких месяцев. Каждого из изображенных персонажей Ренуар приглашал позировать отдельно. В итоге получился большой групповой портрет.

Так, на переднем плане слева изображена Алина Шериго, возлюбленная художника. Она юнна и беззаботна. Девушка теребит в руках маленькую собачку. За ней, опираясь на перила, стоит мужчина. Это не кто иной, как сам Ренуар. На нем белая рубашка без рукавов и соломенная шляпа. Здесь он сильный и уверенный. В такой же рубашке изображен молодой человек справа, сидящий верхом на стуле. В правой руке он держит сигарету. Это художник-любитель и коллекционер Кайботт. Видно, что мужчины готовы к гребле. На столе много фруктов, несколько бутылок вина, тарелки и бокалы. Вино уже открыто и частично выпито. В бокалах розовеют его остатки. Художник мастерски добавил блики, заставив стекло сверкать на солнце. За центральным столом сидит еще одна девушка в голубом платье. Она внимательно слушает собеседника. К ней подошел молодой человек. Это итальянский журналист Маджиоло. За центральным столом расположен еще один столик ресторана, за которым сидят люди. На заднем плане двое мужчин о чем-то беседуют. Рядом с ними на фоне густой зелени стоит милая девушка в соломенной шляпе. Она облокотилась на перила, правой рукой подпирая голову. Это Альфонсина Фурнез, дочь владельца ресторана. Вдали видна река Сена и парусники. На заднем плане справа двое мужчин беседуют с девушкой, которая поправляет шляпку. В целом, картина получилась легкой, солнечной, наполненной красками. Герои застыли как бы в случайных естественных позах. Создается ощущение отдыха с его непринужденной обстановкой.

64. Сезанн «Натюрморт со шторой»

Поль Сеза́нн (1839—1906) — французский художник-живописец, яркий представитель постимпрессионизма.

Поль Сезанн написал полотно в 1899 году. Этот натюрморт знатоки приписывают к стилю кубизма, который начинал развиваться эти годы. На холсте представлено разнообразие геометрических форм и предметов.

На тяжелой, широкой песочной столешнице мы видим небрежно сложенную белую ткань, на которой лежат две плоские тарелки с фруктами. В центре композиции Сезанн написал удивительный кувшин с легким цветочным орнаментом, контрастирующим с общей техникой написания полотна. Слева присутствует тяжелая, темная драпированная ткань. Цветовая гамма нейтральная и сдержанная, на картине преобладают красные, желтые и белые краски.

Сочные теплые тона и прерывистые, ломаные мазки придают холсту особую динамичность. Художник словно делит картину на два сектора по горизонтали. Нижняя часть – теплая и сочная, а верхнюю – будто заволокла темная, холодная ткань. Таким образом, можно легко проследить яркий контраст этих двух составляющих полотна.

Мастерски изображены тончайшие изгибы ткани, что делает технику рисунка максимально реалистичной. Очень тщательно автор поработал с тенью и рефлексом тонов. Каждый предмет отбрасывает почти неуловимые тени. Оттенки разных предметов слегка смешиваются на стыке их границ.

Благодаря этой технике художнику удалось изобразить тончайшие переходы оттенков красок. Если пристально вглядеться в картину, можно ощутить реальность написанных идеальных геометрических форм, которые словно лежат перед нами. Точно передана объемность фигур и полотен ткани.

Благодаря легкой искаженности предметов тенями можно почувствовать их трехмерность. Мастер играючи работает с визуальными эффектами, объединяя вместе узоры и очертания тканей, таким образом, придавая им форму и фактуру.

65. Винсент ван Гог «Виноградники в Арле»

«Красные виноградники в Арле» — картина голландского живописца Винсента Ван Гога(нидерландский художник-постимпрессионист). Долгое время необоснованно считалась единственной проданной при жизни художника его живописной работой.

Картина написана во время пребывания Ван Гога в городке Арль на юге Франции. Небольшой период жизни там (с февраля 1888 по май 1889) считается самым продуктивным в жизни художника. К нему приехал Гоген, и Винсент мечтал о создании поселения художников, возглавить которое должен был его друг. Ван Гог вдохновлялся окружающими пейзажами, он изобразил на картине совершенно красный виноградник — красный, как красное вино. Издали он жёлтым, над ним — зеленое небо, вокруг — фиолетовая после дождя земля, кое-где на ней — жёлтые отблески заката». Картине изображено сбор винограда в окрестностях аббатства Монмажур. У Ван Гога этот пейзаж приобретает характер притчи. Люди, собирающие урожай, становятся символом жизни, представленной художником как тяжёлый ежедневный труд

66. Поль Гоген «Таитянские пасторали».

Пастораль – это (от лат. - пастушеский) – жанр античной пастушеской поэзии, воспроизводящий мирную безоблачную жизнь пастухов, земледельцев, рыбаков.

Эже́н Анри́ Поль Гоге́н (1848 — 1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. В начале 1870-х годов начал заниматься живописью как любитель. Ранний период творчества связан с импрессионизмом.

В то время как картинам импрессионистов присуще определенное стилистическое единство, творчество Поля Гогена, третьего из крупнейших мастеров постимпрессионистического периода, совершенно не похоже на творчество Сезанна или Ван-Гога. Начинал Гоген, отталкиваясь от импрессионизма и стремясь к обобщению цвета и формы. Лучшие свои произведения он создал на островах Тихого океана, где почти безвыездно провел последние годы жизни. В экзотике Таити и Маркизских островов он искал прибежища от угнетавшей его буржуазной цивилизации. Туземцы представлялись художнику прекрасными, гармоничными существами, живущими единой жизнью с окружающей природой. Воспевание «тихоокеанского рая» составляет содержание творчества Гогена.
Здесь, как и в других своих зрелых произведениях, Гоген совершенно отказывается от передачи освещения; цвет у него становится локальным и неподвижным. Одновременно он стремится к лаконичному упрощению формы и сокращению перспективной глубины. Картина приобретает плоскостный, декоративный характер. Гоген последовательнее и настойчивее других художников идет к цветовому синтезу. В его полотнах многообразные тональные оттенки превращаются в устойчивые, контрастирующие цветовые сочетания. Так, в «Таитянских пасторалях» воды реки, в которой отражается закатное небо, переданы сочетанием багровых, кроваво-красных и лиловых пятен. Таким же пятном чистого желтого цвета становится прибрежная песчаная полоса, а поросший травою противоположный берег реки дан художником в виде нерасчлененной изумрудно-зеленой плоскости.
Предельно насыщенный, одновременно празднично-яркий и напряженный колорит, придавая полотну сходство с восточным ковром, привносит в изображение дух пряной экзотики, усиливает отличие изображаемого мира от тоскливой повседневности «цивилизованной» жизни. Гоген хочет создать идиллию: это проявляется в свободной и простой композиции, в медленном, словно ленивом, ритме человеческих тел и растений. Художник пытается дать картину идеально прекрасного мира, хотя в «Таитянских пасторалях» есть определенный оттенок литературности, даже искусственности. И в то же время в фигурах таитянок, одетых в короткие белые одежды, в деталях переднего плана — сосуде, напоминающем древние амфоры, в лежащей рядом поджарой собаке —неожиданно ощущаются черты, родственные классически простому и спокойному духу античности.

67. Климт «Голова Олоферна»

Густав Климт (1862— 1918) — широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм.

Юдифь – персонаж женского рода, это вдова, спасшая весь свой еврейский род от врагов. Ассирийцы осадили ее родной город, вдове пришлось переодеться и отправиться в лагерь проклятого недруга. Она была очень привлекательной девой и полководец вражеской стороны не смог проигнорировать ее прелести. В палатах своих он утешался прекрасным телом и опивался вином. После того, как мужчина уснул, девица отрубила его голову и гордо принесла к ногам своего народа. Эта история вдохновляла многих художников всех времен. Густав Климт не стал исключением. Он изобразил свой образ смелой и отчаянной женщины. В его понимание Юдифь является роковой женщиной. Он изобразил ее выходящей из шатра недруга. Девушка не успела привести себя в порядок и даже не запахнула края халата. Ее грудь слегка выглядывает из-под платья. Голова в руке не сразу бросается в глаза. Автор стремился показать ее гордый и немного надменный вид. В этой битве она стала настоящим победителем и совсем неважно, что враг был пьян и находился в состоянии сна. Героиня все равно остаётся хрупкой, женской особой, которая готова бороться до последнего. Написал художник картину в 1901 году. Позировала для этого портрета жена известного банкира в Венеции. Работа проводилась несколько лет, тогда и возникли новые отношения с чужой супругой. В итоге мир увидел противоречивое полотно. С одной стороны, это женщина, которая стала спасительницей. Она думала о победе народа и поэтому отдала свои прелести Олоферну. Многие ее осуждают, ведь это была в большей степени месть и всплеск гнева на все мужское население. Всем известно, что юная дева была несчастлива в своем браке, она даже не плачет, узнав о гибели супруга. Автор использует солнечные краски, как символ победы и нового периода в жизни евреев. Но глаза героини практически закрыты, непонятно рада она этой казни либо сожалеет в содеянном убийстве.

68. Эдвард Мунк «Крик»

Э́двард Мунк (1863 — 1944) — норвежский живописец и график, театральный художник, теоретик искусства. Один из первых представителей экспрессионизма.

Экспрессиони́зм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусствеэпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора.

«Крик» — созданная в промежутке между 1893 и 1910 годами серия картин норвежского художника-экспрессиониста Эдварда Мунка. На них изображена кричащая в отчаянии человеческая фигура на фоне кроваво-красного неба и крайне обобщённого пейзажного фона.

«Крик» как эмблема экспрессионизма служит своего рода прелюдией к искусству XX века, предвещая ключевые для модернизма темы одиночества, отчаяния и отчуждения. Словно бы заглянув в грядущее столетие мировых войн, революций и экологических бедствий, автор, кажется, отрицает саму возможность какого-либо их преодоления.

Фигура кричащего примитивизирована до такой степени, что напоминает различным комментаторам скелет или эмбрион. Волнообразные линии пейзажа, будто эхо, повторяют закруглённые контуры головы и широко раскрытого рта — как если бы звук крика отдавался повсюду^[2]. Негативная эмоция субъекта, таким образом, подминает под себя окружающий мир, приобретая вселенский размах. Но возможно и обратное прочтение: человек агонизирует по поводу раздающегося отовсюду, как выразился сам художник, «крика природы».

69. Анри Руссо «Сон цыганки»

Анри́ Жюлье́н Фели́кс Руссо́ (1844—1910) — французский художник-самоучка, один из самых известных представителей примитивизма.

Примитиви́зм — стиль живописи зародился в XIX веке. Включает в себя обдуманное упрощение картины, которое делает её формы примитивными, как творчество ребёнка или рисунки первобытных времен

Казалось бы, перед нами зловещая сцена. К спящему человеку подкрался хищник. Но ощущения тревоги не возникает. Мы почему-то уверены, что лев не нападет.

Лунный свет мягко ложится на все. Халат цыганки словно светится флуоресцентными красками. А ещё на картине много волнистых линий. Полосатый халат и полосатая подушка. Волосы цыганки и грива льва. Струны мандолы и гряды гор на заднем плане.

Мягкий, фантастический свет и плавные линии никак не могут сочетаться с кровавой сценой. Мы уверены, что лев обнюхает женщину и пойдёт дальше по своим делам.

Очевидно, что Анри Руссо – примитивист. Двухмерное изображение, нарочито яркие краски. Все это мы наблюдаем и в его «Цыганке».

Но самое удивительное, что будучи самоучкой, художник был уверен, что он реалист! Отсюда такие «реалистичные» детали: складки на подушке от лежащей головы, грива льва состоит из тщательно прописанных прядей, тень у лежащей женщины (хотя тени у льва нет).

Художник, осознанно рисующий в стиле примитивизма, проигнорировал бы такие детали. Грива льва была бы сплошной массой. А уж про складки на подушке речь бы вообще не шла.

Вот почему Руссо настолько неповторим. Просто не было на свете другого такого художника, который искренне считал бы себя реалистом, на самом деле им не являясь.

70. Пабло Пикассо «Авиньонские девицы», «Девочка на шаре»

«Девочка на шаре» — картина Пабло Пикассо (испанский и французский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер. Основоположник кубизма, в котором трёхмерное тело в оригинальной манере изображалось как ряд совмещённых воедино плоскостей.), написанная в 1905 году. Крупное произведение «розового» периода в творчестве художника.

Это, пожалуй, одна из самых известных картин Пикассо. Свой шедевр художник написал в 1905 году. «Девочка на шаре» знаменует собой новый период в творчестве Пабло Пикассо, который исследователи назвали «розовым». Полотна художника становятся более жизнерадостными и позитивными. Основные герои его картин в это время – люди циркового искусства.

На картине изображена бродячая группа акробатов. Почти весь холст занимают двое: хрупкая гимнастка репетирует цирковой номер, балансируя на шаре, и мощный атлет сидит рядом, отдыхая. Картина наполнена внутренним драматизмом, который положен в основу композиции картины, и построена на сопоставлении контрастов. Пейзаж, изображённый на картине, представляет собой унылую, выжженную солнцем холмистую равнину, по ней протянулась просёлочная дорога, где и остановилась кибитка бродячего цирка. На заднем плане картины изображена случайная прохожая с ребёнком, собака и пасущаяся белая лошадь. Унылый фон контрастирует с весёлым ремеслом артистов, работающих среди шумной весёлой толпы зрителей. Шар и куб, стоящие на земле, — цирковой реквизит — также представляют собой противоположности. Обыгрывается контраст движения и неподвижности. Девочка грациозно покачивается, удерживая равновесие, атлет сидит застывший, словно монолит. Он практически слился в одно целое со своим постаментом, олицетворяя неподвижность и постоянство.

Картина Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» - это первый опыт художника в написании полотен в направлении кубизма. Автор работал над данным произведением в течение одного года (в период с 1906 по 1907 год). Сюжетом для картины «Авиньонские девицы» послужили воспоминания Пикассо о публичном доме, который располагался в квартале Авиньон в Барселоне. Первые эскизы были совсем непохожи на конечный вариант произведения – на них художник изображал сцену соблазнения в борделе. Однако во время написания картины Пикассо решил изобразить лишь 5 обнаженных силуэтов девушек и натюрморт. Пабло Пикассо представил всему человечеству неких чудищ, которые имеют вместо человеческих лиц маски, а в их фигурах едва обозначена какая-либо половая принадлежность. В природе этих дев одновременно отражен агрессивный посыл и возбуждающая экспрессия. Образы, написанные художником, выполнены весьма странно и отличаются друг от друга. Силуэты, изображенные в левой части картины, схожи с египетскими и ассирийскими мотивами. Женщины в центре явно напоминают росписи романских храмов в Каталонии и отличаются мистической лиричностью. А вот лица девушек, написанных в правой части произведения, ассоциируются с африканским мистицизмом и, кажется, что они вот-вот совершат свой устрашающий магический ритуал. Женщины написаны в розово-охристых тонах, фон в голубых тонах, что напоминает о «розовом» и «голубом» периодах творчества Пикассо.

71. Сальвадор Дали «Постоянство времени»

«Постоянство памяти» — одна из самых известных картин художника Сальвадора Дали(испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма.).

Сюрреализм (буквально «сверх-реализм», «над-реализм») — направление в литературе и искусстве двадцатого века, сложившееся в 1920-х годах. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

Известна также как «Мягкие часы», «Твердость памяти» или «Стойкость памяти».

Эта небольшая картина (24×33 см) — вероятно, самая известная работа Дали. Размягченность висящих и стекающих часов — образ, выражающий уход от линейного понимания времени.

Картина Сальвадора Дали «Постоянство памяти» была написана в 1931-м на холсте-гобелене ручной работы. Идея создания данного полотна была связана с тем, что однажды, дожидаясь возвращения своей жены Галы из кино, Сальвадор Дали писал абсолютно пустынный пейзаж морского побережья. Вдруг он увидел на столе тающий на солнце кусок сыра, который они ели вечером вместе с друзьями. Сыр таял и становился все мягче и мягче. Задумавшись и связав долго идущее время с тающим куском сыра, Дали начал заполнять полотно растекающимися часами. Свою работу Сальвадор Дали назвал «Постоянство памяти», объясняя название тем, что один раз взглянув на картину, ты уже никогда её не забудешь. Другое название картины - «Текучие часы». Это название связано с содержанием самого полотна, которое вложил в него Сальвадор Дали.