Характеристика клавирного творчества И. С. Баха.

Опера «Свадьба Фигаро».

Моцарт жил во второй половине XVIII века. Он принадлежит к венской классической школе, которая в его лице нашла свое высшее выражение.

Пребывание Моцарта в Италии, Франции, Германии сказалась на его творчестве. При прочной и ясной австрийской музыкальной основе, которая сама по себе является многонациональной, Моцарт воспринял то, что слышал, видел, наблюдал в других странах.

Композитор работал в различных жанрах опера; духовная музыка; инструментальная музыка (сонаты, симфонии, дивертисменты, инструментальные концерты).

В области инструментальной музыки продолжает традицию Гайдна, т. е. использует сонатно–симфонический цикл. Им было написано около 50 симфоний, сонаты, квартеты, квинтеты.

Также велико достижение композитора в области оперной музыки. Им было написано 19 опер, самыми известными являются: «Дон Жуан», «Свадьба Фигаро» и «Волшебная флейта».

Моцарт создает яркие, жизнелюбивые, жизнерадостные образы, т. е. такие, каким он сам был.

Опера «Свадьба Фигаро» была написана в 1786 году по комедии Бомарше. Либретто аббата Лоренцо да Понте. Опера комическая. Четыре действия.

Начинается с увертюры (от французского – «открывать») – сонатная форма без разработки. Г. п. – веселая, энергичная, связанная с образом Фигаро. П. п. – подвижная, нежная, грациозная. Это Сюзанна.

Первое действие. Каватина Фигаро «Если захочет барин попрыгать». Фигаро мысленно обращается к барину. Вежливо, но насмешливо он предлагает барину отказаться от Сюзанны. 3 раздела: 1и 3 разделы изображают важного и смешного барина. 2 раздел – смелый, напористый, энергичный Фигаро.

Керубино – юный слуга. Его граф решил отправить в армию. Ария Фигаро «Мальчик резвый» – это марш. Остроумно, с добродушной усмешкой Фигаро рисует Керубино его будущее (армию).

Ария Керубино «Рассказать, обьяснить…» – взволнованная, страстная. Керубино рассказывает Сюзанне о своих чувствах и стремлениях.

Второе действие. Ария Керубино «Сердце волнует» – нежная, теплая, робкая, застенчивая. Керубино выражает любовь к Графине, но побаивается ее.

Дочка садовника Барбарина ищет булавку, которой было приколото письмо, написанное Графу Сюзанной и Графиней. Ария «Уронила! Потеряла…» это наивный облик девочки. Она испуганна.

Четвертое действие. В арии «Приди мой милый друг» Сюзанна изображена нежной и обаятельной девушкой. Светлые чувства сливаются с красотой теплого южного вечера.

 

 

3.2. Развитие украинской культуры XVII–XVIII вв.

Большую роль в культурной жизни украинского народа сыграли братства, которые возникли в конце XVI века. В них участвовали образованные люди, которые боролись за развитие украинского языка, письменность, науку, культуру и православие. Благодаря их деятельности стали возникать средние и высшие учебные заведения – коллегиумы. В которых пение было неотъемлемой частью воспитания детей.

В XVII веке в Киеве, Львове и других городах интенсивно развивается хоровое искусство. Среди музыкальных жанров основное место занимает партесный концерт (многоголосное произведение, 8-12 голосов; партии делятся на 4 группы; участвовали мужские и детские голоса). Наряду с партесным концертом развиваются канты и псалмы. Это трехголосные произведения, небольшие за размером, при этом псалмы светские, а канты – духовные.

Новый этап развития музыкального творчества начинается с XVIII века. С первой половины до нас дошли партесные концерты на светскую тематику. Во второй половине XVIII века появляется 4–х голосный концерт, одноголосная песня с аккомпанементом, среди других жанров: сонаты для фортепиано, скрипки; оперы; симфонии.

 

 

4.1. Л. Бетховен. Характеристика творчества. Симфония №5, с–moll.

Людвиг ван Бетховен (1770 – 1827) – немецкий композитор.

В творчестве Бетховена классическая музыка достигла своей вершины. И не только потому, что Бетховен сумел воспринять все лучшее из того, что уже было достигнуто. Современник событий французской революции конца XVIII века, провозгласившей свободу, равенство и братство людей, Бетховен сумел показать в своей музыке, что творцом этих преобразований является народ. Впервые в музыке с такой силой были выражены героические устремления народа.

Композитором написано 9 симфоний.

Симфония №5, до–минор была закончена в 1808 году. В ней 4 части. Все части объединены одной грозной и повелительной темой «судьбы».

1 часть – сонатное allegro. Г. п. – развитие начального мотива темы «судьбы». Музыка ритмически четкая, решительная, устремленная вперед, тревожная.

Св. п. – на теме Г. п.

П. п. – начинается властным призывом валторн на теме «судьбы». Новая мелодия напевная, нежная, светлая в параллельном Ми бемоль–мажоре.

З. п. – построена на том же грозном мотиве.

Разработка построена в основном на развитии основного мотива симфонии: звучат мотивы из Г. п.

В репризе Г. п. прерывается скорбной медленной фразой гобоя.

П. п. звучит в одноименном До–мажоре.

2 часть – медленные философские раздумья, двойные вариации: обе темы приподнято–героического характера.

3 часть – скерцо, в котором одна из тем строится на теме «судьбы».

4 часть – финал танцевального характера в До–мажоре, сонатное allegro, перед репризой в последний раз появляется тема «судьбы».

3 и 4 части звучат без перерыва.

 

4.2. П.Нищинский. Творческий портрет. «Вечорниці» –музыкальная картина к пьесе Т.Шевченко «Назар Стодоля».

Петро Iванович Нiщинський народився 9 вересня 1832 року в селi Наменка, Київської губернії. Батько був дячком у місцевій церкві, мати – проста селянка. Після смерті батька, мати з двома синами їде до Києва.

У 1842 році Нищінського прийнято до Києво-Софіїського духовного училища, на «кураторське утримання», згодом переведено до Києво-Подільського духовного училища, де влаштували у бурсу. Він добре займався, співав у різних хорах.

Після закінчення духовного училища у 1849 році Нищінського прийнято до Київської духовної семінарії.

За чудовий голос і музичні здібності у 1859 році їде до Греції, де співає у церкві, вивчає культуру і мистецтво, а також удосконалює грецьку мову. У Афінах отримує вищу освіту і ступінь магістра наук. Викладає грецьку мову в місцевій гімназії.

У 1857 році отримує відставку і разом з дружиною їде до Петербурга, згодом до Одеси. Тяжке матеріальне становище змушує композитора викладати російську, грецьку мови, витупати у пресі як літератор, критик, перекладати, писати вірші і пісні.

Знайомиться з українським драматургом,одним з основоположників українського професійного театру – Кропивницьким. До п’єси «Невольник» Кропивницького на сюжет поеми Шевченка «Сліпий» Нищінський написав твір «Закувала та сивая зозуля» для чоловічого хору.

Переводиться з Одеси до Ананьєва, де викладає грецьку мову і співи в чоловічій гімназії і російську у жіночій прогімназії. Пише «Вечорниці», музику з текстом до п’єси Шевченка «Назар Стодоля», яка виконувалась артистичним гуртком у який входила сім’я Тобілевичей і дочки Нищінського.

Після цієї прем’єри настали тяжкі часи, виданий у 1876 році указ царського уряду забороняв друкувати літературні твори українською мовою, ставити п’єси. В цей час Нищінський повністю віддається роботі над героїчним епосом (в музиці це «Байда»,а у художній літературі – переклад з грецької на українську мову «Антігони» Софокла).

У 80-ті роки театральне життя на Україні оновилось. Успішно виступають театральні трупи Кропивницького, Садовського, Саксаганського. Нищінський повертається до Одеси, бере участь у складанні російсько-українського словника, перекладає «Одісею», «Ілліаду» Гомера, «Слово о полку Ігореве». Організує хоровий гурток. Створює пісні-романси «Дівчинько-голубонько», «У діброві чорна галка». Останній твір «Ой, гук. мати, гук» для багатоголосного хору.

Помер 4 березня 1896 року.

Клавір музичної картини «Вечорниці» написаний у 1875 році як вставний розділ до другої дії п’єси Т.Шевченка «Назар Стодоля». У подальшому твір отримав статус самостійного, незалежного від постановок шевченківської драми. Вважається «генеральною репетицією» формування українського театру корифеїв. Текст українською мовою власне самого П. Ніщинського.

5.1. План ответа на тему: «Ф. Шуберт. Характеристика творчества. Вокальные циклы»

1. Франц Шуберт – австрийский композитор, современник Бетховена. Шуберт писал музыку очень простую, светлую, искреннюю, такую, каким он сам был. В его последних произведениях все чаще появляются грусть, страдание. Причины крылись не только в неудачах его личной жизни, но и в окружающей обстановке. Расцвет творчества Шуберта падает на 20–е годы XIX века, когда все революционное, передовое подвергалось гонениям. Поэтому сумрачное настроение его последних произведений можно рассматривать и как отражение жизни австрийского общества того времени. В своей неудовлетворенности окружающей жизнью Шуберт был не одинок. Эти неудовлетворенность и протест лучших людей общества нашли отражение в искусстве, где в те годы возникает целое направление – романтизм. Шуберт был одним из первых композиторов романтиков. Романтизм – направление в искусстве конца XVIII – I половины XIX века. Для эпохи характерно: внимание к внутреннему миру человека; сюжеты находили в древних преданиях, легендах, почерпнутых в искусстве средних веков; любимое время ночь.

2. Песни занимают в творчестве Шуберта главное место. Именно песни наиболее ярко отразили все то новое, что внес композитор в музыку. На смену герою произведений Бетховена — борцу за справедливость и независимость народов — приходит скромный и незаметный герой Шуберта. Он вынужден ограничиться интересами лишь своей личной жизни, в которой стремится найти и счастье и радость. Герой Шуберта — простой человек. Он глубоко несчастен. Все его мечты и надежды неосуществимы. Единственным, верным и неизменным его другом, которому он поверяет все свои мысли, является природа.

3. «Лесной царь» — это не песня, а скорее драматическая сцена, где перед нами выступают три действующих лица: отец, скачущий на коне через лес, больной ребенок, которого он везет с собой, и грозный лесной царь, являющийся мальчику в лихорадочном бреду. Каждый из них наделен своим мелодическим языком.

«Форель» – весело резвится серебристая рыбка в прозрачной воде горного ручья. Она хорошо видит грозящую ей опасность. Чтобы ее поймать, рыбак мутит воду, и вот рыбка поймана. Подвижная, грациозная мелодия песни имеет танцевальный оттенок. Она звучит на фоне коротких, быстро скользящих вверх арпеджированных пассажей, напоминающих легкие всплески волн.

«Серенада» — полна светлых, мечтательных настроений. Плавно и неторопливо льется мелодия, ей вторит фортепиано. Мягкий, вальсовый ритм песни сочетается с характерным рисунком сопровождения, напоминающим звучание гитары.

Шубертом написаны также два цикла песен — «Прекрасная мельничиха «Зимний путь» — на слова немецкого поэта Вильгельма Мюллера. В каждом из них песни объединены одним сюжетом.

В песнях цикла «Прекрасная мельничиха» рассказывается о юном мельнике. Следуя течению ручья, он отправляется в путь искать свое счастье. Большая часть песен этого цикла имеет светлый характер. Широко известна первая песня «В путь». Весело журчит вода, вращая жернова мельницы. Юноше кажется, что это ручей зовет его в путь за собою.

Герой Шуберта переживает любовь и разочарование, надежды на счастье и крушение этих надежд. Единственный друг мельника — ручеек.

Настроение цикла «Зимний путь» совсем иное. Бедный юноша отвергнут богатой невестой. В отчаянии он оставляет родной город и уходит бродить по свету. Он одинок. Его спутниками становятся ветер, метель, зловеще каркающий ворон.

Цикл начинается песней «Спокойно спи». Скорбная нисходящая мелодия сразу создает настроение тоски и глубокой печали.

Песня «Весенний сон» строится на чередовании двух резко контрастных образов: прекрасного сна несчастного странника и мрачной действительности, которую он видит, просыпаясь.

«Зимний путь» заканчивается песней «Шарманщик». Основное ее настроение — безнадежность, одиночество. Нищий старик еще по привычке крутит ручку шарманки. Он одинок, голоден, его чашка для подаяния пуста. Надеяться больше не на что.

Особенности песенного творчества Шуберта: мелодия тесно связана с текстом, фортепианная партия не менее важна, чем вокальная мелодия, куплетная форма, характерным приемом в изменении окраски звучания является чередование мажора и минора Такое изменение лада, игра света и тени имеют у Шуберта глубокий смысл, выражая смену настроений героя песни.

 

5.2. Л. Ревуцкий. Характеристика творчества. Симфония №2.

Лев Николаевич Ревуцкий – советский композитор, педагог, ученый и общественный деятель. Талант композитора раскрылся в Симфонии №2, Концерте для фортепиано с оркестром, кантате-поэме «Хустина», фортепианных произведениях, обработках народных песен.

Симфония №2 была написана на конкурс, посвященный 10-ти летию Октябрьской Революции, где и получила первое место. В ней использованы народные темы (условие конкурса), семь песен: две в первой «Ой весна, весниця», «Ой не жаль мені», три во второй – «Ой Микито, Микито», «Ой там в полі весна», «У Києві на ринку», две в третьей – «А ми просо сіяли», «при долині мак».

Состоит из трех частей, по характеру лирико-эпическая.

1 часть самая драматическая, в ней утверждается приход весны. Форма сонатного аллегро, главная и побочная партия – веснянки.

2 часть – композитор рисует весеннюю ночную природу, период цветения.

3 часть – финал, картина веселого народного гуляния. Утверждает идею служения народу, обществу.

 

 

6.1. Ф. Шопен. Характеристика творчества. Прелюдии и мазурки.

1. Фридерик Шопен — польский композитор, пианист XIX века. Шопен сочинял почти исключительно для фортепиано. Он не написал ни одной оперы, ни одной симфонии или увертюры. Исключение составляют несколько камерных сочинений.

Необычно сложилась и жизнь Шопена. Поляк по происхождению, горячо любивший родину и преданный ей, он все свои зрелые годы вплоть до смерти провел на чужбине.

2. Шопен – основоположник польской классической музыки, создал на основе народных песен и танцев художественные, неповторимо своеобразные произведения.

3. Мазурка – польский народный танец в трехдольном размере, живой, чаще акцент падает на третью, последнюю долю такта. Мазурки Шопена – пьесы танцевального характера, рассчитаны на концертное исполнение, разнообразны по характеру, например: мазурка До-мажор воссоздаст картину деревенского праздника, лирическая мазурка ля-минор связанная с образами родины, мазурка Си-бемоль мажор относится к группе бальных, блестящих танцев.

Полонез – праздничное церемониальное шествие, в XIX веке бал открывался полонезом в первой паре шел хозяин с самой уважаемой гостьей. Полонезы Шопена, как и его мазурки, предназначены для концертного исполнения, разнообразны по характеру. Наиболее известный полонез Шопена Ля-мажор – это торжественное произведение, аккордовая фактура, использование почти всего диапазона фортепианной клавиатуры придают звучанию большую насыщенность и плотность.

Среди семнадцати вальсов Шопена большой популярностью пользуется вальс до-диез минор. Все три темы вальса очень выразительны: первая – мягкая грациозная тема, передает начальную фигуру танца, плавную и легкую. Небольшое ускорение темпа сопровождает вторую тему, создает впечатление кружащегося движения, легкости, полетности, третья тема вальса — медленная, певучая. Это скорее размышление, воспоминание о вальсе.

Слово «прелюдия» в переводе с латинского означает «вступление». Во времена Баха прелюдия могла предшествовать сюите, фуге. Шопену принадлежит первенство в создании цикла из 24 прелюдий. Прелюдии Шопена написаны во всех мажорных и минорных тональностях.

Прелюдия ми-минор — лирическая, скорбно-задумчивая. Возможно, это воспоминание о чем-то прекрасном, но безвозвратно ушедшем. Совсем по-иному звучит прелюдия Ля-мажор – миниатюрна (16 тактов). Это изящная, грациозная пьеса, своим танцевальным ритмом она напоминает мазурку. Прелюдия до-минор — она еще более миниатюрна (13 тактов). Равномерное движение полнозвучных аккордов в низком регистре напоминает поступь шествия. Медленный темп, минорный лад придают музыке траурный характер:

Этюдом называется пьеса, предназначенная для развития технических навыков игры на том или ином инструменте. Этюды Шопена также ставят перед собой определенные задачи в развитии пианистической техники. В творчестве Шопена этюды превратились в глубокие по мысли концертные пьесы.

Этюд до-минор — «Революционный». На фоне бурных, стремительных пассажей звучит призывная, волевая мелодия, чувства наполняют музыку. Одновременно слышится и призыв к борьбе, выражение мужества и решимости борцов за свободу и независимость отчизны.

Этюд ми-мажор — мелодия отличается глубиной, мягкой и задушевной напевностью.

Ноктюрн (от фр. – «ночная песнь» — распространившееся с начала XIX века название пьес лирического, мечтательного характера и обозначал музыку, исполнявшуюся на открытом воздухе). Шопен и здесь сказал новое слово, значительно расширив содержание ноктюрна. Одни из его ноктюрнов отличаются вдохновенной лирикой, другие — глубиной и серьезностью мысли.

Ноктюрн фа-минор можно отнести к группе лирических произведений, тонких и поэтичных. Тихо и спокойно льется повествование — задумчивое, печальное, как исповедь человеческой души.

 

6.2. Развитие украинской музыки эпохи классицизма (М. Березовский, Д. Бортнянский, А. Ведель).

В эпоху барокко, на смену одноголосному знаменному пению пришло многоголосное партесное пение, которое поспособствовало развитию мажоро-минорной системы и на основе которого развился стиль духовного концерта. Среди выдающихся музыкальных деятелей того времени — Николай Дилецкий, автор «Мусикийской грамматики» (1675) — первого труда по музыковедению, который объяснил суть линейной, нотной системы, партесного пения и партесной композиции.

Важным событием того времени стало открытие в 1632 году Киево-Могилянской академии, где, среди других, преподавались и музыкальные предметы. Воспитанники академии популяризовали вертеп, а позже — канты. Среди выпускников Академии были многие деятели искусства, в том числе композиторы Григорий Сковорода, Артемий Ведель.

Светская профессиональная вокальная и инструментальная музыка, которая существовала в помещичьих усадьбах и военных частях, с XVII века начала развиваться и в городах. Появились цехи музыкантов, а при магистратах создавались оркестры и капеллы. На основе народно-песенных и кантовых традиций в XVIII — начале XIX веков получила распространение песня-романс на стихи разных поэтов. Одним из первых ввёл, в этом жанре начал творить Григорий Сковорода, который ввёл в песенный жанр гражданскую, философскую и лирическую тематику.

Особо важное значение в украинской музыкальной культуре XVIII века имела созданная по инициативе Даниила Апостола в 1730 года Глуховская песенная школа, воспитанниками которой стали Дмитрий Бортнянский, Максим Березовский и Артемий Ведель. По окончании глуховской школы Бортнянский и Березовский продолжили своё обучение в итальянских музыкальных школах, которые были центрами европейской музыки того времени.

Объединение традиций партесного пения и современных техник европейского письма обусловили уникальность творчества этих композиторов. Став придворным капельмейстером в Петербурге, а с 1796 года — руководителем придворной капеллы, сформированной почти исключительно из воспитанников Глуховской школы, Бортнянский очень повлиял и на развитие российской музыкальной культуры. Он же стал первым композитором Российской империи, музыкальные произведения которого начали выходить в печати.

Максим Созонтович Березовский – композитор XVIII века. Родился в Глухове. Высшее образование получил в Киевской Духовной Академии, где начал писать собственные произведения. В 1758 году, за исключительные вокальные данные послан в Петербург, солистом Придворной певческой капеллы. В 1765-1774 жил в Италии, куда был направлен для совершенствования. В Италии, в Болонье, Березовский занимался под руководством знаменитого тогда теоретика, падре Мартини, выдержал экзамен Болонской филармонической академии на звание академика-композитора. По возвращении в Россию в 1771 году Максим Березовский был зачислен на скромную должность.

Постоянная нужда, невозможность найти применение своим творческим силам привели Березовского к душевному кризису. Оскорбленный, униженный, терпя бедность, нужду и всяческие неудачи, Березовский покончил жизнь самоубийством, по другим данным – заболел горячкой и умер.

Драматична судьба творческого наследия композитора: большинство произведений оставались в рукописях долгое время и хранились в Придворной капелле. В начале нашего столетия они были безвозвратно утрачены. Известна соната для скрипки и чембало До-мажор, опера «Демофонт», около 17 духовных концертов из которых большой популярностью пользуется «Не отвержи мене во время старости». В концерте 4 части с контрастным сопоставлением темпов, динамики, тембров, способов изложения. Концерт в ре-миноре.

Дмитрий Степанович Бортнянский – украинский композитор середины XVIII – начала XIX столетия. Автор шести опер, симфонии, нескольких фортепианных сонат, камерно-инструментальных ансамблей, хоровых концертов.

Дмитрий Бортнянский, как и его старший коллега Максим Березовский, ребенком учился в знаменитой глуховской школе и уже в семилетнем возрасте благодаря своему чудесному голосу был принят в Придворную певческую капеллу в Петербурге. Как и большинство хористов Придворной певческой капеллы, наряду с церковным пением, он исполнял также и сольные партии

Благодаря рекомендации Галуппи семнадцатилетнему Бортнянскому, как особо одаренному музыканту, назначают художественную стипендию – «пансион» для учебы в Италии. Едет в Венецию, которая еще с XVII столетия славилась своим оперным театром. Для углубления своих знаний, Бортнянский выезжает на учебу и в другие большие культурные центры – в Болонью, в Рим и Неаполь.

Итальянский период был длительным (порядка десяти лет) и на удивление плодотворным в творчестве Бортнянского. Он написал здесь три оперы на мифологические сюжеты, а также сонаты, кантаты, церковные произведения.

После возвращения в Россию Бортнянский был назначен учителем и директором Придворной певческой капеллы в Петербурге.

Дмитрий Бортнянский умер под звуки своего концерта «Вскую прискорбна еси душе моя», исполненного по его желанию капеллой в его квартире.

 

Артемий Лукьянович Ведель – украинский композитор XVIII века. Получил образование в Киевской духовной академии, занимался 11 лет, где сформировался как композитор, дирижер и певец.

В лице Веделя украинская духовная музыкальная культура достигла звездных высот. Свыше 30 духовных концертов (особенно «Доколе, господи, забудеши мя»), Две Литургии, Всенощная, более 40 отдельных хоров и вокальних трио на канонические тексты — это лишь то, что известно на современном этапе из творческого наследия выдающегося композитора.

Вершин композиторского мастерства Ведель достиг в жанре духовного концерта. Его имя всегда упоминается вместе с именами Максима Березовского и Дмитрия Бортнянского. Все они украинцы по происхождению. Однако лишь жизненный путь Артемия Веделя в полной мере связан с Украиной.

 

7.1. М. Глинка. Характеристика творчества. Опера «Иван Сусанин».

1. Михаил Иванович Глинка – композитор XIX века, основоположник русской классической музыки, создатель национальной русской классической оперы — героической и сказочно-эпической, основоположник русского классического симфонизма, творец бессмертных по красоте песен и романсов.

Свой музыкальный язык Глинка создал на основе русской народной песни. В то же время он живо интересовался искусством других стран.

2. Опера «Иван Сусанин» впервые была поставлена в 1836 году на сцене Мариинского оперного театра в Петербурге.

Сюжет оперы – героический подвиг костромского крестьянина Ивана Сусанина в 1612 году, о котором написана дума Рылеева.

Либретто написал барон Розен.

Жанр произведения большая героико-патриотическая опера на исторический сюжет.

В первом и втором действии показывается русский и польский народ, в третьем – их столкновение, в четвертом – результат столкновения.

Новаторство. Глинка впервые вывел в большой серьезной опере главного героя – простого крестьянина, опера неразговорная.

Есть оркестровое вступление и хоровая интродукция. В опере 4 дествия и эпилог.

Первое действие – характеристика русского народа и основных героев произведения. Начинается с интродукции (хоровое вступление), которое состоит из трех частей. В ней два хора – мужской (1 раздел) и женский (2 раздел). В третьем – хоровая фуга, интонации женского и мужского хора сливаются.

Каватина и рондо Антониды. Каватина – нежная, задумчивая. Рондо – оживленное.

Трио «Не томи родимый» – в духе городской бытовой песни.

Второе действие – характеристика польского народа. В виде танцевальной музыки (4 танца). Полонез – блестящий польский танец, мазурка – легкий танец.

Третье действие. Песня Вани – простая, задушевная.

Сцена с поляками – драматическая музыка, первый ответ – зарождение темы хора «Славься» из эпилога, второй ответ – мужской хор из интродукции.

Свадебный хор – свадебная величавая песня 5/4.

Четвертое действие. Речитатив и ария Сусанина – простая.

Эпилог – хор «Славься» – величавая музыка.

 

7.2. Н. Леонтович. Обработки народных песен.

Николай Дмитриевич Леонтович – украинский композитор конца XIX – начала XX века. В наше время известны и популярны его хоровые произведения, такие как: «Щедрик», «Пряля» «Піють півні» «Дударик»и др.

Хор «Щедрик» – изображается народная жанровая сцена – обряд щедрования. Композитор применил форму вариаций, из небольшой темы вырастает целое произведение. За темой следуют 6 вариаций и кода.

Тяжелой женской судьбе посвящен хор «Пряля» – в нем рассказывается о тяжелой жизни невестки, т. к. ее не любит женихова родня. Мелодия отображает жизнь невестки, утомленной повседневной работой, которая чуть не засыпает за пряжей, в ее основе минорный пентахорд (5 звуков). Текст песни имеет форму рондо: 1, 3 и 5 – изображается невестка, 2 и 4 женихова родня и в 6 – любимый муж.

В хоре «Піють півні» рассказывается о трагедии женщины, она вышла замуж за нелюбимого и остается чужой в его семье. Произведение состоит из трех строф (А1, А2, А3), в первой рассказываются о событиях, во-второй – они комментируются автором, в третьей – раскрываются сами события.

Хоровая сцена «Дударик» – изображаются две сцены: радостная жизнь «діда-музики» (музыканта), который веселит людей и печальная – выражают грусть по поводу его смерти.

 

 

8.1. М. Мусоргский. Характеристика творчества. Опера «Борис Годунов».

Среди композиторов «Могучей кучки» Мусоргский был наиболее ярким выразителем в музыке революционно-демократических идей 60-х годов XIX века. Именно Мусоргский как никто другой сумел многосторонне, с большой обличительной силой раскрыть в музыке суровую правду жизни русского народа.

Опера «Борис Годунов» написана по пушкинской трагедии. Основная идея оперы Мусоргского, как и пьесы Пушкина, — это конфликт между преступным царем Борисом и народом, приводящий к восстанию. Трагедия усугубляется внутренней душевной драмой Бориса, царя-убийцы, муками его совести. Внимание композитора было сосредоточено на раскрытии основного замысла: столкновения царя и народа. Народ в опере Мусоргкого — главное действующее лицо.

Пролог. Первая картина. Оркестровое вступление рисует образ угнетенного народа. Важную роль в музыке пролога играет тема насилия — «топчущийся» мотив, как бы постукивание дубинки. «Живо! На колени!» — кричит пристав. Народ с плачем горестно причитает: «На кого ты нас покидаешь, отец наш!» – в этом плаче встает образ самого народа — угнетенного и голодного.

Вторая картина. Площадь в Московском Кремле. Могучий звон колоколов сопровождает венчание Бориса на царство. Но не радостен Борис. Самая первая его музыкальная характеристика (ариозо) раскрывает душевный разлад, тяжкие предчувствия.

Первое действие. Первая картина. Монолог Пимена открывает действие. В нем рассказывается о долге историка-летописца, стремящегося передать всю правду потомкам.

Вторая картина. Песня Варлаама «Как во городе было во Казани» (на народные слова) – характеристика самого Варлаама, удалого и бесшабашного, которому некуда девать свою могучую силу.

Второе действие. Монолог Бориса «Достиг я высшей власти» раскрывает всю глубину страданий преступного царя.

Четвертое действие. Первая картина. Главное действующее лицо этой сцены — Юродивый. Обездоленный человек глубоко страдает, предчувствуя несчастья родной земли. Его музыкальная характеристика основана на интонациях народных причитаний и плачей. Юродивый поет заунывную песенку «Месяц едет, котенок плачет».

Народ просит хлеба. Начинается этот хор совсем тихо, с просьбой о милостыне — дать хлеба «Христа ради», затем вырастает в трагический и ужасный вопль, в котором вся неизбывная мука голодного люда.

Третья картина. Кульминация картины — могучий хор восставшего народа «Расходилась, разгулялась сила, удаль молодецкая», построенный на интонациях удалых молодецких песен. Три раздела. Ярким контрастом звучит средняя часть хора (мелодии народной хороводной песни «Заиграй, моя волынка»). Далее возвращается основная тема – динамика хора постепенно нарастает, убыстряется темп.

 

8.2. М. Калачевский «Украинская симфония»

Михаил Николаевич Калачевский – украинский композитор середины XIX – начала XX века. Получил образование в Лейпцигской консерватории. Вернувшись на Украину, занимается активной музыкально-просветительской деятельностью, выступает как дирижер.

Творческое наследие Калачевского невелико это: струнный квартет, фортепианное трио, романсы, 4 пьесы для фортепиано и «Украинская симфония».

Главное произведение симфония. Написанная как выпускная работа из консерватории.

Симфонический жанр на Украине в XVIII и XIX веках не получил широкого развития. Первые симфонии появились в конце XVIII века – «Украинская симфония» Ванжуры, Концертная симфония Бортнянского, Симфония неизвестного автора соль-минор и «Юношеская симфония» Лисенка.

Симфония состоит из 4 частей.

1 часть – лирическая, форма сонатного аллегро. В ней использованы 2 народные песни «Віють вітри» и «Йшли корови із діброви». Во вступлении и в главной партии звучит мелодия первой песни, только автор несколько меняет размер (в первоисточнике 4/4 на 3/4 – вступление, а в Г. п. – 6/8). Побочная партия стоится на основе второй песни. Разработка состоит из трех эпизодов, а в репризе повторяется тональный план экспозиции, т. е. ля-минор – Ля-мажор.

2 часть – интермеццо-скерцандо, шуточная народная сцена. Строится на народной песне «Дівка в сінях стояла».

3 часть – романс, Калачевский использовал историческую песню «Побратався сокіл з сизокрилим орлом».

4 часть – финал, автор сопоставляет две песни «Ой гай, гай», «Ой джигуне, джигуне».

 

 

9.1. Н. Римский–Корсаков. Характеристика творчества. Симфоническая сюита «Шехерезада»

Среди композиторов «Могучей кучки» Римский-Корсаков занимает особое место. С его творчеством пышным цветом расцвела в русской музыке сказка. Именно в сказке народ высказывал светлую мечту о лучшей доле, о торжестве правды и победе добра над злом, насилием и несправедливостью.

Римский-Корсаков оставил огромное творческое наследие почти во всех музыкальных жанрах. Его произведения разнообразны по своему содержанию, но основная черта их — глубокое проникновение в жиз