Композиторы нововенской школы (Шенберг, Берг, Веберн)

Новая венская школа, Вторая венская, Венская атональная школа, Венская школа - творческое содружество А. Шёнберга и его венских учеников, в первую очередь А. Берга и А. Веберна, а также их муз. наследие. Названия "Н. в. ш." и "Вторая венская школа" исходят из кругов приверженцев Н. в. ш.; они имеют целью показать, что Н. в. ш. представляет явление, по своей значимости сопоставимое со "старой венской школой", или "первой венской школой", т. е. с венской классической школой, что Н. в. ш. преемственно связана с последней, обладая в то же время важным качеством новизны, современности. Шёнберг, Берг и Веберн неоднократно декларировали свою связь с традициями венской классич. школы. В действительности Н. в. ш. во многом противоположна венской классич. школе. По своей внутр. сущности она представляет собой типическое проявление модернизма в музыке. Для творч. представителей Н. в. ш. характерны крайний субъективизм, преобладание образов разрушения над образами созидания, фактич. отказ от принципов народности и национальности. Первоначальной общей основой Н. в. ш. был атонализм, к к-рому Шёнберг и Веберн в 1907-09 пришли первыми. В начале 20-х гг. Шёнберг на основе атонализма разработал метод двенадцатитоновой композиции, додекафонии, к-рый полностью приняли его ученики и последователи. В творчестве Веберна был сделан и следующий шаг на пути эволюции атональной музыки - к сериальности. В ранних произведениях Шёнберга ещё сказывается связь с традициями позднего муз. романтизма ("Просветлённая ночь", "Песни Гурре"), в творчестве Берга могут быть отмечены элементы сочувствия к угнетённым, социальной сатиры, стремление к правдивому воспроизведению речевых интонаций. Шёнберг, Берг и Веберн были активными пропагандистами собственных произведений и творч. установок, авторами ряда книг и статей, в к-рых разъясняли и обосновывали свои позиции. Идеи Н. в. ш., в первую очередь провозглашённые ею принципы атонализма и додекафонии, получили распространение в творчестве композиторов мн. стран. – крупнейшая музыкальная школа ХХ века. Представители: Берг, Шенберг, Веберн. «Ожидание», цикл «Лунный Пьеро», опера «Моисей и Арон» написаны крупнейшим деятелем школы – Шенбергом; пьесы «Хоровод» и «Воццек», «Лирическая сюита», концертная ария «Вино» принадлежат Бергу; пять оркестровых пьес («Прообраз», «Превращение», «Возвращение», «Воспоминание», «Душа»), «Святая святых», струнное трио, кантата «Свет глаз», автором которых является наиболее поздний представитель школы – Веберн.
Особенность нововенских мастеров в том,что все они солидные профессионалы, а не ремесленники, подлинные «люди культуры». Они авторы кантат, балетов, пьес для оркестра (им отводится особое место в творчестве), в том числе и «экспериментальных» с применением всевозможных авангардных новшеств. Многозначительным примером музыкального «дуализма» в творчестве нововенцев может служить творчество Шёнберга и Берга. Здесь есть все: экспрессионизм. Бунт, обличение и протест, которые особенно ярко проявились в годы первой мировой войны. Художественное самовыражение, искания композиторов, вклад в развитие музыки на западе дают право считать нововенцев гениями.В «Учении о гармонии» (1911) Шёнберг утверждал, что художнику (музыканту) вполне достаточно следовать своему внутреннему импульсу, это является гарантией правдивости и прогрессивности искусства. С Нововенской школы музыка пошла навстречу иному толкованию самой музыки: духовность, хаос, противоречия пытаются быть ограничены, находиться под контролем творчества. Композиторы по-новому испытывают ощущение правды жизни, пытаясь преодолеть инертность восприятия, развеять иллюзии. Лучшие произведения нововенцев (прежде всего Берга) были восприняты общественностью как проявления социального и нравственного критицизма. Конфликт в творчестве нововенцев проявился в ограничении мировоззрения авторов и одновременной радикализации принятия творческих решений, к взрыву творческих традиций. Школа нововенцев явилась для тех лет наиболее радикальной. Музыка не знала прежде столь решительных отказов от исторически сложившихся основ этого искусства. Что поставило нововенцев в особое, исключительное положение. Стилистические искания нововенцев были тесно связаны с потребностями времени – это отражало сложную ситуацию эпохи. Стиль, сложившийся в русле нововенской школы – жестко экспрессивный, аскетичный, абстрагированный от всего «слишком человечного». Реформа Шёнберга установила курс на ликвидацию основ музыки, их замену. Например: теперь все романтическое воспринималось как нетерпимо благодушное, тривиальное и к тому же ложное. Интонация остается осмысленной, а музыка стала сама собой (!), обрела новые возможности; на первый план выходят отдельные созвучия. Все эти последствия реформы Шёнберга не могли не отразиться на творчестве композиторов-нововенцев. Несмотря на ряд негативных последствий реформы Шёнберга, были созданы выдающиеся произведения. Это своеобразная «математика против чувств». Композиторская практика ХХ века не оправдала этих надежд. Главная заслуга нововенцев по сравнению с другими музыкальными школами ХХ века – это изобретение новой тональности и уничтожение упорядоченной мелодии. Трудно сказать, что потеряла или приобрела музыка, лишенная тональных опор. Во всяком случае, новая музыка ХХ века освобождена от классических, «догматических» установок прошлых эпох.

Арнольд Шёнберг родился 13 сентября 1874 года в Вене в еврейской семье. Его мать была учительницей фортепиано. Отец был владельцем магазина. Арнольд был в основном музыкантом-самоучкой, бравшим только уроки контрапункта у своего. Двадцатилетним молодым человеком, Ш. зарабатывал на жизнь оркестровкой оперетт, параллельно трудясь над своими сочинениями в традициях немецкой музыки конца XIX века, наиболее известным из которых оказался струнный секстет «Просветлённая ночь».Те же традиции он развивал в поэме «Пеллеас и Мелизанда» (1902—1903), кантате «Песни Гурре» (1900—1911), «Первом струнном квартете» (1905). Имя Ш.а начинает завоёвывать известность. Его признают такие видные музыканты как Густав Малер и Рихард Штраус. С 1904 он начинает частное преподавание гармонии, контрапункта и композиции. Следующим важным этапом в музыке Ш.а стала его «Первая камерная симфония» (1906). Он создаёт первые атональные сочинения, романс «Ты прислонилась к серебристой иве» и наиболее революционное из своих ранних сочинений — «Второй струнный квартет, где в финале добавляет голос, сопрано, положив на музыку стихи Штефана Георге. В «Пяти пьесах для оркестра» впервые применяет своё новое изобретение — метод темброво-раскрашенной мелодии. Летом 1910 Ш. пишет свой первый важный теоретический труд «Учение о гармонии. Затем создаёт вокально-инструментальный цикл «Лунный Пьеро» на стихи Альбера Жиро, используя изобретённый им метод вокальная речитация, нечто среднее между чтением и пением. В начале 20-х годов он изобретает новый «метод композиции с 12 соотнесёнными между собой тонами», широко известный как «додекафония», впервые пробуя его в своей «Серенаде». Этот метод оказался самым влиятельным для европейской и американской классической музыки XX века. До 1925 Ш. жил в основном в Вене. В 1925 он стал профессором композиции в Берлине в Прусской академии искусств. В 1933 (приход к власти нацистов) Ш. эмигрировал в США, где преподавал сначала в Консерватории Малкина в Бостоне, с 1935 — в университете Южной Калифорнии, с 1936 — в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе. Одним из самых значительных достижений Ш.а стала его незавершённая опера на библейский сюжет «Моисей и Аарон», начатая ещё в начале 30-х годов. Вся музыка оперы строится на одной 12-звучной серии. Главная партия Моисея исполняется чтецом, роль Аарона поручена тенору. В течение всей жизни Ш. вёл активную педагогическую деятельность и воспитал целую плеяду композиторов. Наиболее выдающиеся из них Антон Веберн, Альбан Берг, Эрнст Кшенек, Ханс Эйслер, Роберто Герхард. Ш. создал и возглавил целую композиторскую школу известную под названием «новая венская школа». Хауэр свои ранние произведения писал под влиянием атональной музыки Ш.а. В 1935 г., уже в Калифорнии, его частным учеником становится Джон Кейдж. Параллельно с преподаванием, сочинением музыки, организацией концертов и выступлением в них в качестве дирижёра Ш. был также автором множества книг, учебников, теоретических исследований и статей. Кроме всего прочего он писал картины, отличавшиеся оригинальностью и пылкой фантазией.

Альбан Берг родился в Вене в семье коммерсанта из Нюрнберга. Он рано проявил музыкальную и литературную одарённость, но не получил систематического музыкального образования. Около 1900 года начал сочинять музыку. Был чиновником муниципалитета. С 1904 по 1910 год учился у Арнольда Ш.а вместе со своим другом и коллегой Антоном Веберном. Далее Б. целиком посвятил себя музыкальному творчеству. Зимой он жил в Вене, зарабатывая уроками композиции, летом — в австрийских Альпах, занимаясь сочинением. В Шифлинг-ам-Зе, где он жил временами, в его честь назван парк и установлен бюст. Б. умер в Вене в возрасте пятидесяти лет от заражения крови, оставив сравнительно небольшое наследие. Широкую известность Б.у принесла опера «Воццек» (по пьесе Георга Бюхнера, на немецком, чешском, русском и французском языках. Вторая опера «Лулу», написанная по мотивам пьес Франка Ведекинда «Дух земли» и «Ящик Пандоры», не завершена.

Антон Веберн. Отец — Карл фон В., горный инженер, чиновник в министерстве сельского хозяйства. Мать — Амалия (урождённая Гер), дочь мясника, интересовалась искусством и была пианисткой-любительницей. В юности Антон жил в Вене, Граце, посещал гимназию в Клагенфурте (Каринтия). С 1895 стал серьёзно заниматься музыкой, обучался игре на фортепиано и виолончели у д-ра Эдвина Комауэра. Окончив гимназию, в 1902—1906 учился как музыковед в Венском университете под руководством Г. Адлера. В 1904—1908 занимался композицией у Арнольда Шёнберга, что оказало серьёзное влияние на формирование его личности и творчество. С 1908 В. работал как оперный и симфонический дирижёр в городах Австрии и Германии, а также в Праге. Руководил Венским рабочим певческим обществом. В 1928-38 —дирижёр австрийского радио, отстранён от этой должности после утверждения нацистского режима в Австрии. Жизнь В.а оборвалась трагично в Миттерзиле, занятом в 1945 году американскими войсками. 15 сентября около 10 часов вечера, выйдя из дома своего зятя Маттеля, чтобы выкурить дорогую американскую сигару, полученную в подарок от зятя, В. был застрелен из пистолета тремя выстрелами в упор солдатом (поваром) американской армии, по ошибке принявшим вспышку спички, зажжённой В.ом, за что-то другое. Ученик и последователь создателя т. н. «атональной» школы Арнольда Шёнберга, В. довёл её принципы до крайних форм выражения. Он использовал в своих сочинениях додекафонную и серийную технику. Автор симфонических, камерно-инструментальных, вокальных и хоровых произведений, из которых только 31 помечены номерами opus’ов. Автор литературных трудов, поэзии, драмы «Мёртвый» (1913), музыкальных исследований и статей, анализов собственной музыки, цикла бесед «Путь к новой музыке», изданного посмертно в 1960, и т. д. Творчество В.а оказало огромное влияние на течения послевоенного музыкального авангарда на Западе, включая таких композиторов.

 

Творческий путь Р.Штрауса

Наряду с Г. Малером он был также одним из лучших дирижеров своего времени. Слава сопутствовала ему с юных лет до конца жизни. Смелое новаторство молодого Ш.а вызывало резкие нападки и дискуссии. В 20-30-х гг. XX в. поборники новейших течений объявляли творчество композитора устаревшим и старомодным. Однако, вопреки этому, его лучшие произведения пережили десятилетия и сохранили свое обаяние и ценность до наших дней. Потомственный музыкант, Ш. родился и вырос в артистической среде. Его отец был блестящим валторнистом и работал в Мюнхенском придворном оркестре. Мать, происходившая из семьи состоятельного пивовара, имела хорошую музыкальную подготовку. Первые уроки музыки будущий композитор получил от нее, когда ему было 4 года. В семье много музицировали, поэтому неудивительно, что музыкальное дарование мальчика проявилось рано: в 6 лет он сочинил несколько пьес и попробовал написать увертюру для оркестра. Одновременно с домашними занятиями музыкой Рихард прошел курс гимназии, изучал историю искусства и философию в Мюнхенском университете. Мюнхенский дирижер Ф. Майер давал ему уроки гармонии, анализа форм, оркестровки. Участие в любительском оркестре дало возможность практически освоить инструменты, а первые композиторские опыты тут же исполнялись. Успешные занятия музыкой показали, что поступать в консерваторию юноше нет необходимости.

Ранние сочинения Ш.а написаны в рамках умеренного романтизма, но выдающийся пианист и дирижер Г. Бюлов, критик Э. Ганслитс и. И. Брамс увидели в них большую одаренность юноши. По рекомендации Бюлова Ш. становится его преемником — руководителем придворного оркестра герцога Саксен-Мейдингенского. Но кипящей энергии молодого музыканта было тесно в рамках провинции, и он покинул городок, перейдя на должность третьего капельмейстера в Мюнхенской придворной опере. Яркое впечатление оставила поездка в Италию, отразившаяся в симфонической фантазии «Из Италии» (1886), стремительный финал которой вызвал бурные споры. Через 3 года Ш. переходит на службу в Веймарский придворный театр и одновременно с постановкой опер пишет свою симфоническую поэму «Дон-Жуан» (1889), выдвинувшую его на видное место в мировом искусстве. Ш.овский оркестр впервые засверкал здесь мощью рубенсовских красок, а в жизнерадостном герое поэмы многие узнавали автопортрет самого композитора. В 1889-98 гг. Ш. создает целый ряд ярких симфонических поэм: «Тиль Уленшпигель», «Так говорил Заратустра», «Жизнь героя», «Смерть и просветление», «Дон-Кихот». В них многообразно раскрылось огромное дарование композитора: великолепная красочность, сверкающее звучание оркестра, дерзкая смелость музыкального языка. Созданием «Домашней симфонии» (1903) завершается «симфонический» период творчества Ш.а. Отныне композитор посвящает себя опере. Первые его опыты в этом жанре («Гунтрам» и «Потухший огонь») носят следы влияния великого Р. Вагнера. К началу века слава Ш.а распространяется по всему миру. Как дирижер-симфонист Ш. гастролирует. В 1898 г. Ш.а приглашают на должность дирижера Берлинской придворной оперы. Он играет видную роль в музыкальной жизни; организует товарищество немецких композиторов, набирается президентом Всеобщего германского музыкального союза, вносит в рейхстаг законопроект об охране авторских прав композиторов. Здесь же он знакомится с Р. Ролланом и Г. Гофмансталем — талантливым австрийским поэтом и драматургом, с которым сотрудничает около 30 лет. В 1903-08 гг. Ш. создает оперы «Саломея» (по драме О. Уайльда) и «Электра» (по трагедии Г. Гофмансталя). В них композитор вполне освобождается от влияния Вагнера. Библейский и античный сюжеты в трактовке ярких представителей европейского декаданса приобретают роскошный и тревожный колорит, рисуют трагедию заката древних цивилизаций. Смелый музыкальный язык Ш.а, особенно в «Электре», где композитор, по собственным словам, «дошел до крайних границ... способности к восприятию современных ушей», вызывал противодействие исполнителей, критики. Но вскоре обе оперы начали свое триумфальное шествие по сценам Европа. В 1910 г. в творчестве композитора наступает перелом. В разгаре бурной дирижерской деятельности он создает популярнейшую из своих опер «Кавалер розы». Влияние венской культуры, выступления в Вене, дружба с венскими литераторами, давняя симпатия к музыке своего однофамильца Иоганна Ш.а — все это не могло не отразиться в музыке. Опера-вальс, овеянная романтикой Вены, в которой переплетаются забавные приключения, комические интриги с переодеваниями, трогательные взаимоотношения лирических героев, Кавалер розы имел блистательный успех на премьере в Дрездене (1911) и скоро быстро завоевал сцены многих стран, став одной из популярнейших опер XX в. Под впечатлением давней поездки в Грецию он пишет оперу «Ариадна на Наксосе» (1912). В ней, как и в созданных впоследствии операх «Елена Египетская» (1927), «Дафна» (1940) и «Любовь Данаи» (1940), композитор с позиций музыканта XX в. отдал дань образам античной Греции, светлая гармония которой была так близка его душе. Первая мировая война вызвала волну шовинизма в Германии. В этой обстановке Ш. сумел сохранить независимость суждений, смелость и ясность мысли. Спасение композитор находил, по своему признанию, в «прилежной работе». В 1915 г. он заканчивает красочную «Альпийскую симфонию», а в 1919 — в Вене ставится его новая опера на либретто Гофмансталя «Женщина без тени». В этом же году Ш. на 5 лет становится руководителем одного из лучших оперных театров мира — Венской оперы, является одним из руководителей зальцбургских фестивалей. К 60-летию композитора фестивали, посвященные его творчеству, прошли в Вене, Берлине, Мюнхене, Дрездене и других городах. Изумляет творческая активность Ш.а. Он создает вокальные циклы на стихи И. В. Гете, В. Шекспира, К. Брентано, Г. Гейне, «веселый венский балет» «Шлагобер» («Сбитые сливки», 1921), «бюргерскую комедию с симфоническими интермедиями» оперу «Интермеццо» (1924), лирическую музыкальную комедию из венской жизни «Арабелла» (1933), комическую оперу «Молчаливая женщина» (на сюжет Б. Джонсона, в содружестве с С. Цвейгом). С приходом к власти Гитлера фашисты стремились вначале привлечь к себе на службу видных деятелей немецкой культуры. Не спрашивая согласия композитора, Геббельс назначил его главой Имперской музыкальной камеры. Ш., не предвидевший всех последствий этого шага, принял пост, надеясь противостоять злу и способствовать сохранению немецкой культуры. Но нацисты, не церемонясь с авторитетнейшим композитором, предписывали свои правила: запретили поездку в Зальцбург, куда приезжали немецкие эмигранты, преследовали либреттиста Ш.а С. Цвейга за его «неарийское» происхождение и в связи с этим запретили исполнение оперы «Молчаливая женщина». Композитор не мог сдержать своего негодования в письме к другу. Письмо было вскрыто гестапо и в результате Ш.у было предложено подать в отставку. Однако с отвращением наблюдая за деятельностью нацистов, Ш. не мог отказаться от творчества. Не имея возможности больше сотрудничать с Цвейгом, он ищет нового либреттиста, вместе с которым создает оперы «День пира» (1936), «Дафна», «Любовь Данаи». Последняя опера Ш.а «Каприччио» (1941) вновь восхищает неисчерпаемой силой и яркостью вдохновения. В годы второй мировой войны, когда страна покрывалась развалинами, рушились под бомбежками театры Мюнхена, Дрездена, Вены, Ш. продолжает работать. Он пишет скорбную пьесу для струнных «Метаморфозы» (1943), романсы, один из которых посвящает 80-летию Г. Гауптмана, оркестровые сюиты. После окончания войны Ш. несколько лет живет в Швейцарии, а накануне своего 85-летия возвращается в Гармиш. Творческое наследие Ш.а обширно и многообразно: оперы, балеты, симфонические поэмы, музыка к драматическим спектаклям, хоровые произведения, романсы. Композитора вдохновляли самые разнообразные литературные источники: это Ф. Ницше и Ж. Б. Мольер, М. Сервантес и О. Уайльд. Б. Джонсон и Г. Гофмансталь, И. В. Гете и Н. Ленау. Формирование стиля Ш.а проходило под влиянием немецкого музыкального романтизма Р. Шумана, Ф. Мендельсона, И. Брамса, Р. Вагнера. Яркая самобытность его музыки впервые проявилась в симфонической поэме «Дон-Жуан», которая открыла целую галерею программных произведений. В них Ш. развил принципы программного симфонизма Г. Берлиоза и Ф. Листа, сказав новое слово в этой области. Композитор дал высокие образцы синтеза детально разработанного поэтического замысла с мастерски продуманной и глубоко индивидуализированной музыкальной формой. Яркая театральность, занимательность (а иногда и некоторая запутанность) интриги, выигрышность вокальных партий, красочная, виртуозно выстроенная оркестровая партитура — все это привлекает к ним исполнителей и слушателей. Избегая стереотипного подхода в области оперной драматургии и обладая громадной творческой фантазией, композитор создает оперы, в которых причудливо, но достаточно органично сочетаются комизм и лиричность, ирония и драматизм. Иногда Ш., как бы шутя, эффектно сплавляет разные временные пласты, создавая драматургическую и музыкальную путаницу («Ариадна на Наксосе»). Значительно литературное наследие Ш.а. Величайший мастер оркестра, он пересмотрел и дополнил «Трактат об инструментовке» Берлиоза. Интересна его автобиографическая книга «Размышления и воспоминания. Исполнительская деятельность Ш.а как оперного и симфонического дирижера охватывает 65 лет.

Творческий путь Малера

Великий австрийский композитор Г. М. говорил, что для него «писать симфонию — значит всеми средствами имеющейся техники строить новый мир. Всю жизнь я сочинял музыку лишь об одном: как я могу быть счастлив, если где-нибудь еще страдает другое существо». При таком этическом максимализме «построение мира» в музыке, достижение гармоничного целого становится сложнейшей, едва разрешимой проблемой. М., по существу, завершает традицию философского классико-романтического симфонизма (Л. Бетховен — Ф. Шуберт — И. Брамс — П. Чайковский — А. Брукнер), стремящегося дать ответ на вечные вопросы бытия, определить место человека в мире. На рубеже столетий понимание человеческой индивидуальности как высшей ценности и «вместилища» всего мироздания переживало особенно глубокий кризис. М. остро его чувствовал; и любая его симфония — это титаническая попытка обретения гармонии, напряженный и каждый раз неповторимый процесс поиска истины. Творческие искания М.а приводили к нарушению устоявшихся представлений о прекрасном, к кажущейся бесформенности, несвязности, эклектичности; композитор возводил свои монументальные концепции словно из самых разнородных «осколков» распавшегося мира. М. родился в бедной еврейской семье, в Чехии. Рано проявились его музыкальные способности (в 10 лет он дал первый публичный концерт как пианист). В пятнадцатилетнем возрасте М. поступил в Венскую консерваторию, брал уроки композиции у крупнейшего австрийского симфониста Брукнера, тогда же посещал курсы истории и философии в Венском университете. Вскоре появились первые произведения: эскизы опер, оркестровая и камерная музыка. С 20 лет жизнь М.а неразрывно связана с дирижерской работой. Сначала — оперные театры небольших городков, но уже вскоре — крупнейших музыкальных центров Европы: Праги (1885), Лейпцига (1886-88), Будапешта (1888-91), Гамбурга (1891-97). Дирижирование, которому М. отдавался с не меньшим энтузиазмом, чем сочинению музыки, поглощало почти все его время, и над крупными произведениями композитор работал летом, свободный от театральных обязанностей. Очень часто замысел симфонии рождался из песни. М. — автор нескольких вокальных «циклов, первый из которых — «Песни странствующегo подмастерья», написанный на собственные слова. Из этих песен выросла Первая симфония (1888), в которой первозданная чистота затемняется гротескным трагизмом жизни; путь преодоления мрака — в восстановлении единства с природой. В следующих симфониях композитору уже тесно в рамках классического четырехчастного цикла, и он расширяет его, а в качестве «носителя музыкальной идеи» привлекает поэтическое слово (Ф. Клопштока, Ф. Ницше). Вторая, Третья и Четвертая симфонии связаны с циклом песен «Волшебный рог мальчика». Вторая симфония завершается утверждением религиозной идеи воскресения. В Третьей выход найден в приобщении к вечной жизни природы, понятой как стихийное, космическое творчество жизненных сил. В 1897 г. М. становится главным дирижером Венского придворного оперного театра, 10 лет работы в котором стали эпохой в истории оперного исполнительства; в лице М.а совмещался гениальный музыкант-дирижер и режиссер — руководитель спектакля. М. был и крупнейшим симфоническим дирижером, гастролировавшим во многих странах (трижды бывал в России). Созданные в Вене симфонии обозначили новый этап творческого пути. Четвертая, в которой мир увиден детскими глазами, удивила слушателей не свойственной М.у прежде уравновешенностью, стилизованным, неоклассическим обликом и, казалось, безоблачной идилличностью музыки. Но идиллия эта мнимая: текст песни, лежащей в основе симфонии, раскрывает смысл всего произведения — это только грезы ребенка о райской жизни; и среди мелодий в духе Гайдна и Моцарта звучит что-то диссонирующе-надломленное. В последующих трех симфониях (в них М. не использует поэтических текстов) колорит в целом омрачается — особенно в Шестой, получившей название «Трагическая». Образным истоком этих симфоний стал цикл «Песни об умерших детях» (на ст. Ф. Рюккерта). На этом этапе творчества композитор словно уже не в силах найти разрешения противоречий в самой жизни, в природе или религии, он видит его в гармонии классического искусства. Последние годы жизни (1907-11) М. провел в Америке (только уже тяжело больным он вернулся в Европу для лечения). Бескомпромиссность в борьбе с рутиной в Венской опере осложнила положение М.а, привела к настоящей травле. Он принимает приглашение на должность дирижера Metropolitan Opera (Нью-Йорк), а вскоре становится дирижером Нью-Йоркского филармонического оркестра. В произведениях этих лет мысль о смерти сочетается со страстной жаждой запечатлеть всю земную красоту. В Восьмой симфонии — «симфонии тысячи участников» (увеличенный оркестр, 3 хора, солисты) — М. пытался по-своему претворить идею Девятой симфонии Бетховена: достижение радости во вселенском единении. В симфонии использована заключительная сцена «Фауста» И. В. Гете. Подобно финалу бетховенской симфонии, эта сцена — апофеоз утверждения, достижения абсолютного идеала в классическом искусстве. Духовное родство с Гете постоянно ощущалось М.ом. На протяжении всего творческого пути М.а цикл песен и симфония шли рука об руку и, наконец, сплавились воедино в симфонии-кантате «Песнь о Земле» (1908). Воплощая вечную тему жизни и смерти, М. обратился на этот раз к китайской поэзии VIII в. Экспрессивные вспышки драматизма, камерно-прозрачная (родственная тончайшей китайской живописи) лирика и — тихое растворение, уход в вечность, благоговейное вслушивание в тишину, ожидание — вот черты стиля позднего М.а. «Эпилогом» всего творчества, прощанием стали Девятая и неоконченная Десятая симфонии. Завершая век романтизма, М. оказался провозвестником многих явлений музыки нашего столетия. Предельная искренность, глубокое сострадание каждому человеку, широта мышления делают М.а очень и очень близким нашему напряженному, взрывоопасному времени.

Творческий путь Равеля

В музыке М. Равеля — крупнейшего французского композитора, великолепного мастера музыкального колорита — сочетаются импрессионистическая мягкость и размытость звучаний с классической ясностью и стройностью форм. Его перу принадлежат 2 оперы («Испанский час», «Дитя и волшебство»), 3 балета (в т. ч. «Дафнис и Хлоя»), произведения для оркестра («Испанская рапсодия», «Вальс», «Болеро»), 2 фортепианных концерта, рапсодия для скрипки «Цыганка», Квартет, Трио, сонаты (для скрипки и виолончели, скрипки и фортепиано), фортепианные сочинения (в т. ч. Сонатина, «Игра воды», циклы «Ночной Гаспар», «Благородные и сентиментальные вальсы», «Отражения», сюита «Гробница Куперена»), хоры, романсы. Смелый новатор, Р. оказал большое влияние на многих композиторов последующих поколений. Он родился в семье швейцарского инженера Жозефа Равеля. Отец был музыкально одарен, хорошо играл на трубе и флейте. Он приобщил юного Мориса и к технике. Интерес к механизмам, игрушкам, часам сохранился у композитора на всю жизнь и даже нашел отражение в ряде его произведений. Мать композитора происходила из баскской семьи, чем композитор гордился. Музыкальный фольклор этой редкой национальности с необычной судьбой Р. неоднократно использовал в своем творчестве (фортепианное Трио) и даже задумывал Концерт для фортепиано на баскские темы. Уже в июне 1875 г. семья переехала в Париж, с которым связана вся жизнь композитора.

Музыкой Р. начал заниматься в 7 лет. В 1889 г. он поступает в Парижскую консерваторию, которую заканчивает по классу фортепиано Ш. Берио с первой премией на конкурсе 1891 г. Окончание консерватории по классу композиции не было для Равеля столь счастливым. Начав заниматься в классе гармонии Э. Прессара, обескураженного чрезмерным пристрастием своего ученика к диссонансам, он продолжает занятия в классе контрапункта и фуги А. Жедальжа, а с 1896 г. обучается композиции у Г. Форе, который, хотя и не принадлежал к защитникам чрезмерной новизны, оценил дарование Равеля, его вкус и чувство формы и сохранил до конца дней теплое отношение к своему ученику. Ради окончания консерватории с премией и получения стипендии для четырехлетнего пребывав Италии Р. 5 раз участвовал в конкурсах (1900-05), но так и не был удостоен первой премии, причем в 1905 г. после предварительного прослушивания его даже не допустили к участию в основном конкурсе. Если вспомнить, что к этому времени Р. уже сочинил такие фортепианные пьесы, как знаменитая «Павана почившей инфанте», «Игра воды», а также струнный Квартет. Нелюбовь к излишнему общественному вниманию и официальным церемониям была ему присуща на протяжении всей жизни. Так, в 1920 г. он отказался от получения ордена Почетного легиона. В годы первой мировой войны он, будучи признан негодным к военной службе, добивается, чтобы его отправили на фронт сначала в качестве санитара, а потом водителем грузовика. Небезразличной оказалась ему и организация в 1914 г. «Национальной лиги защиты французской музыки» и ее требование не исполнять во Франции произведений немецких композиторов. Он написал в «Лигу» письмо с протестом против подобной национальной ограниченности. Событиями, вносившими разнообразие в жизнь Равеля, были путешествия. Р. пользовался успехом как композитор, пианист, дирижер и даже лектор. В своей беседе о современной музыке он, в частности, призывал американских композиторов активнее разрабатывать элементы джаза, проявлять больше внимания к блюзу. Стихия танца всегда привлекала Равеля. Монументальное историческое полотно его обаятельного и трагического «Вальса», хрупкие и изысканные «Благородные и сентиментальные вальсы», четкая ритмика знаменитого «Болеро», Малагуэнья и Хабанера из «Испанской рапсодии», Павана, Менуэт, Форлана и Ригодон из «Гробницы Куперена» — современные и старинные танцы различных народов преломлены в музыкальном сознании композитора в лирические миниатюры редкостной красоты. Не остался глух композитор и к народному искусству других стран («Пять греческих мелодий», «Две еврейские песни», «Четыре народные песни» для голоса и фортепиано). Увлечение русской культурой увековечено в блестящей инструментовке «Картинок с выставки» М. Мусоргского. Но на первом месте для него всегда оставалось искусство Испании и Франции. Принадлежность французской культуре сказывается у Равеля и в эстетической позиции, и в выборе сюжетов для своих произведений, и в характерности интонаций. В выборе текстов для своих вокальных произведений он указал на особенно близких ему поэтов. Это символисты С. Малларме и П. Верлен, близкий искусству парнассцев Ш. Бодлер, Э. Парни с ясным совершенством его стиха, представители французского Возрождения К. Маро и П. Ронсар. Равелю оказались чужды поэты-романтики, разбивающие бурным наплывом чувств формы искусства. В облике Равеля законченно полное выражение получили отдельные истинно французские черты, его творчество естественно и закономерно входит в общую панораму французского искусства. Хотя Равеля справедливо называют композитором-импрессионистом, однако характерные черты импрессионизма проявились у него лишь в некоторых произведениях, в остальных же преобладает классическая четкость и соразмерность структур, чистота стиля, ясность линий и ювелирность в отделке деталей. Как человек XX в. Р. отдал дань увлечению техникой. Современная железная поступь и скрежет металла слышатся в одном из самых драматичных произведений композитора — Концерте для левой руки, написанном для австрийского пианиста П. Витгенштейна, потерявшего на войне правую руку. Творческое наследие композитора не поражает количеством произведений, объем их как правило невелик. Подобный миниатюризм связан с отточенностью высказывания, отсутствием «лишних слов». Обо всем, что связано с творческим процессом, мы можем лишь догадываться, т. к. композитор отличался скрытностью как в вопросах творчества, так и в области личных переживаний, духовной жизни. Р. не относится к числу композиторов-реформаторов, сознательно изменявших средства выражения и осовременивавших темы искусства. Стремление донести людям то глубоко личное, интимное, что он так не любил выражать словами, заставляло его говорить на всеобщем, естественно сложившемся и понятном музыкальном языке. Круг тем равелевского творчества очень широк. Часто композитор обращается к чувствам глубоким, ярким и драматичным. Его музыка всегда удивительно человечна, ее обаяние и пафос близки людям. Р. не стремится решать философские вопросы и проблемы мироздания, охватить в одном произведении большой круг тем и найти связь всех явлений. Иногда он концентрирует свое внимание не на каком-то одном — значительном, глубоком и многогранном чувстве, в других случаях с ноткой затаенной и пронзительной грусти говорит о красоте мира.

Творческий путь Дебюсси