Русская музыкальная культура за рубежом

 

Русская музыкальная культура была представлена школой русских ком­позиторов-эмигрантов, музыкально-драматическим и музыкально-хореографическим жанрами. Этот вид искусства как процесс в целом, включающий также концертную деятельность известных в дореволюционной России музыкантов, музыкальное образование детей эмигрантов, в том числе работу консерватории имени Рахманинова, в которой преподавали ученики Римского-Корсакова, Танеева, наименее изученная область культуры Российского зару­бежья. Основная причина - скудность источниковедческой базы. Вот почему Российский институт искусствознания буквально по крупицам собирает и изу­чает факты музыкальной жизни эмиграции, без знания которых невозможно понять феномена музыкальной культуры Российского зарубежья в период меж­ду двумя мировыми войнами.

 

ШКОЛА РУССКИХ КОМПОЗИТОРОВ. Ядром этой школы за рубежом были С. Рахманинов, И. Стравинский, С. Прокофьев, Л. Глазунов, А. Гречани­нов, Н. Черепнин. В их творчестве по-прежнему оставались гуманизм, народ­ность музыки, непременное сочетание этического начала с эстетическим, ума и чувства, хотя с годами и наблюдалось некоторое воздействие другой нацио­нальной музыкальной традиции, иной культуры.

 

РАХМАНИНОВ СЕРГЕЙ ВАСИЛЬЕВИЧ (1873-1943). Имя С. Рахманино­ва в ряду известных музыкальных деятелей Серебряного века, в истории рус­ского искусства начала XX столетия занимает ведущее место. Он рано проявил себя и как гениальный пианист, и как выдающийся композитор и талантливый дирижер.

За 17 предреволюционных лет С. Рахманинов создал свои лучшие произ­ведения. Он написал Второй концерт, самый блестящий в русской фортепьян­ной музыке этих лет, и Третий концерт для фортепьяно с оркестром. Вторую симфонию, Виолончельную сонату, кантату «Весна» на слова Некрасова, кан­тату «Колокола», симфоническую поэму «Остров мертвых», две оперы, вариа­ции на темы Шопена, несколько прелюдий, два цикла романсов, в которых про­явился незаурядный мелодический дар композитора, и другие талантливые произведения. Безусловно, этот творческий подъем Рахманинова был связан с русской действительностью, с родным народом и родной Россией.

В композиторском творчестве С. Рахманинова заключены многогранно­сти яркая национальная окрашенность его музыки, реалистическая основа со­чинений, широкий круг музыкальных образов, эмоциональных состояний, пре­исполненных мощной силы, поэтического вдохновения и зрелого мастерства Вес это делает Рахманинова выдающимся явлением мировой музыкальней культуры.

Февральскую революцию он принял восторженно, но Октябрьскую рево­люцию отверг. В декабре 1917 г. Рахманинов отправился в Скандинавию, на свои последние заграничные гастроли, из которых в Россию не вернулся. В 1918 г. он переехал в США. Разрыв с Родиной Рахманинов переживал очень глубоко и до конца своей жизни воспринимал как большую жизненную трагедию. Своим друзьям он с горечью признавался: «Уехав из России, я потерял желание сочинять. Лишившись родины, я потерял сам себя. У изгнанника, ко­торый лишился музыкальных корней, не остается желания творить, не остается иных утешений, кроме нерушимого безмолвия нетревожимых воспоминаний».[41]

За рубежом Рахманинов, действительно, не проявил столь большой про­дуктивности в сочинениях. Постоянная тоска по родной природе, которую на­поминала ему Южная Калифорния, родным местам резко сократили его твор­ческий потенциал как композитора. За 25 лет он создал лишь шесть произведе­ний: Четвертый концерт (1926), Три русские песни для оркестра и хора (1926), Вариации на тему Корелли для фортепьяно (1931), Рапсодию на тему Паганини для фортепьяно с оркестром (1934), Третью симфонию (1936), Симфонию танца (1940). Ни в одном из этих произведений Рахманинов уже не мог подняться до того уровня, какой был характерен для его лучших творений, созданных в Рос­сии. В 1918-1942 годах он занимался преимущественно концертно-пианистской деятельностью. Публика называла его первым пианистом мира.

Осенью 1939 г. в Нью-Йорке проходил фестивальный цикл концертов из произведений Рахманинова. Под управлением дирижера Юджина Орманди в исполнении Филадельфийского оркестра и самого автора прозвучали Второй и Третий концерты. Симфонической поэмой «Остров мертвых» Рахманинов ди­рижировал сам. В исполнение своего любимого произведения, по признанию Сергея Владимировича своим друзьям, он вложил весь мир своей души и зре­лость жизненного опыта художника.

В годы Великой Отечественной войны Рахманинов стремился как-то по­мочь своему борющемуся народу. Он дал ряд концертов «В помощь русской армии». Умер Сергей Васильевич 28 марта 1943 г., не дожив трех дней до сво­его семидесятилетия. Первым официальным признанием со стороны СССР за­слуг С.В. Рахманинова как композитора, величайшего пианиста и дирижера было письмо советских композиторов, отправленное Сергею Рахманинову по случаю его семидесятилетия. Но поздравительное послание не застало адресата в живых. Однако в 1945 г. организуется конференция, посвященная Сергею Ва­сильевичу, концертный сезон проходит под знаком его музыки, в 1947 г выхо­дят первые научные труды о творчестве С. Рахманинова. Залу бывшего Сино­дального училища в Москве присвоено название Рахманинского.

Творчество великого маэстро, память о нем стали достоянием России, ее народа. Во всей мировой культуре Рахманинов олицетворил собой художественный гений своего Отечества, своеобразие русской культуры, драматизм, ее духовность, многозвучность и национальное достоинство. Похоронен С.В. Рахманинов на русском кладбище в Кенессико, близ Нью-Йорка. Рядом с ком­позитором погребены его жена и дочь Ирина Волконская.

 

СТРАВИНСКИЙ ИГОРЬ ФЁДОРОВИЧ (1882-1971). Происходил из семьи художественной интеллигенции. Его отец - известный русский певец (бас), солист Мариинского театра, мать - пианистка. Музыкальная атмосфера в доме родителей способствовала раннему художественному развитию мальчика. Впе­чатления от русских народных песен были первыми впечатлениями будущего композитора.

За долгую творческую жизнь И. Стравинский создал много произведений, написанных в различных стилях и творческих манерах, порой резко несхожих. Эти особенности и качества композиторской деятельности выделяют его в ис­тории мировой музыкальной культуры как фигуру противоречивую. Для твор­чества Стравинского в 10-х и 20-х годах характерна русская народная тематика. Он находил образы для своих произведений в русском фольклоре, народно-песенная палитра была той совокупностью выразительных музыкальных средств, используя которые, Стравинский создавал свои творения.

Этот народный колорит ярко проявился в «Байке про Лису, Kотa, Петуха да Барана», в вокальной сюите «Фавн и пастушка» на стихи Пушкина, в фанта­зии для оркестра «Фейерверк», опере «Соловей»; древнеславянская, языческая магия заклинаний, зовов - в балете «Весна священная», мелодии народных кре­стьянских песен в сочетании с бытовым городским романсом - в балете «Пет­рушка» и опере «Мавра».

Однако, в отличие от Глинки, Чайковского, использовавших националь­ные источники как бы в первозданном виде, бережно аранжировавших их, Стравинский стремился создать новый, современный музыкальный язык путем слияния музыкальных красок и образов русского национального фольклора с «интонационной атмосферой современного города».

Первая мировая война застала Стравинского в Швейцарии. Октябрьская революция и гражданская война преградили ему дорогу на родину. В 1920 г. он переехал во Францию, в 1939 г. в США, американское гражданство принял в 1945 г. За границей, наряду с композиторской деятельностью, выступал с кон­цертами, которые участились после Второй мировой войны. В 1962 году вы­ступил с авторским концертом в СССР.

В эмиграции И. Стравинский постепенно стал отступать от русской тема­тики и переходить к неоклассицизму. Русская тематика уступила место античной мифологии, библейским темам. В вокальных сочинениях использовались глав­ным образом латинские и отчасти французские тексты. Это резко ослабило зна­чение русского национального начала в творчестве композитора, хотя Стравинский утверждал: «Я всю жизнь по-русски говорю, по-русски думаю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это в ее скрытой природе».[42]

В конце 40-х и в 50-х годах тематика произведений Стравинского резко сужается, главенствуют духовные образы и сюжеты (перелом обозначила «Месса», 1948), музыка становится более суровой, нередко усложненной. Пре­обладают вокально-инструментальные произведения на латинские и англий­ские тексты. Наиболее значительные сочинения: кантата «Священное песнопе­ние» (1956), балет «Агон» («Состязание», 1957), «Заупокойное песнопение» (1966). Последнее произведение И. Стравинского - это обработка для камерно­го оркестра двух песен X. Вольфа (1967).

И.Ф. Стравинский стал одной из ярких фигур культуры Российского зарубежья, он с честью представлял отечественную культуру. Несмотря на неко­торые отклонения в своем творчестве, Стравинский всегда оставался русским композитором, и его музыка - это русская музыка по своему стилю и своей форме. Советский композитор Д. Шостакович признавал: «Русский дух неис­требим в сердце этого настоящего, подлинно большого, многогранного таланта, рожденного землей русской и кровно с ней связанного».[43]

 

ПРОКОФЬЕВ СЕРГЕЙ СЕРГЕЕВИЧ (1891-1953). В первые десятилетия XX в. современники часто противопоставляли изысканной и утонченной музы­ке И. Стравинского суровую и терпкую красоту произведений Сергея Прокофь­ева. Жизненный и творческий путь композитора оказался не менее сложным, противоречивым, чем у многих его сверстников.

Прокофьев рано проявил влечение к музыке, привитое матерью, неплохой пианисткой. В тринадцатилетнем возрасте он поступает в Петербургскую кон­серваторию. На формирование юного Прокофьева оказали влияние современ­ные ему композиторы - Скрябин, Рахманинов, Стравинский и другие. Ему им­понировали их новизна, оригинальность, шедшие порой вразрез с классически­ми традициями. Постепенно еще студентом С. Прокофьев начинает вырабаты­вать свой собственный стиль, соответствующий духу нового времени.

Весной 1909 г. он окончил Петербургскую консерваторию как компози­тор, но остался в ней еще на пять лет для обучения дирижированию. С самого начала творческого пуги Прокофьева сопровождали самые различные оценки его творчества. Он властно обратил на себя внимание. Его имя или хвалили, или бранили. Равнодушных не было.

После блестящего окончания дирижерского факультета консерватории в 1914 г Прокофьев едет за границу, в Лондон, где в то время гастролирует зна­менитая балетная труппа Дягилева. С этого времени началось творческое со­дружество композитора и знаменитого антрепренера. Вместе они «слепили» либретто нового балета и дали ему название «Шут». Вернувшись из-за границы, Прокофьев с головой ушел в работу над новым балетом. Не оставляя работу над ним, он начинает писать свою первую трагедийную оперу на сюжет Досто­евского «Игрок». Она была написана в короткий срок.

Опера «Игрок» явилась тем первым шагом по пути обновления этого жанра, который через много лет привел Прокофьева к созданию величественной музыкальной эпопеи «Война и мир». Вслед за оперой Прокофьев написал симфоническую сюиту «Портреты». Вскоре был закончен балет «Шут». За ним последовала симфоническая сюита, которую он назвал «Скифской».

Приближение революции Прокофьев воспринял как величественное и за­гадочное явление, и его откликом на нее была кантата «Семеро их», которую он закончил осенью 1917 г. в Кисловодске, где жил с больной матерью. К этому времени у Прокофьева созревает решение об эмиграции, поводом были гастро­ли в Южной Америке. Разрешение на выезд за рубеж он получил от наркома просвещения Луначарского. Это разрешение на многие годы определило жизнь композитора на чужбине, которая длилась 15 лет. Его композиторское творче­ство за этот период было малопродуктивным и незаметным. Очевидно, кон­цертная деятельность как средство к существованию отнимала все силы Про­кофьева.

В 1936 г. Сергей Сергеевич возвращается на родину. Стечение обстоятельств побудило его вернуться в Россию. Этому способствовали, с одной сто­роны, неоднократные приглашения советских органов приехать в СССР, с дру­гой - творческая неудовлетворенность композитора, которую он испытывал за рубежом. К тому же, Прокофьев начал все больше разочаровываться в запад­ном образе жизни. А приход к власти Гитлера заставил его сделать выбор: Америка или Россия. Он выбрал Россию.

В СССР С. Прокофьев создал свои лучшие произведения: оперы «Семен Котко», «Война и мир», симфонии и камерные сочинения. Смерть С.С. Прокофьева от кровоизлияния в мозг 5 марта 1953 г. всего на несколько часов опе­редила официальное сообщение о смерти Сталина. Церемония похорон велико­го диктатора затмила потерю композитора, давшего миру «Ромео и Джульет­ту», «Классическую симфонию» и другие шедевры. О похоронах С.С. Про­кофьева сообщили лишь некоторые иностранные газеты несколько дней спустя.

Мы рассмотрели творчество только трех известных русских композито­ров-эмигрантов. Но на музыкальном поприще за рубежом трудилось во славу русской культуры немало и других заметных фигур. Среди них назовем С.Л. Кусевицкого, дирижера, который возглавлял симфонический оркестр в Бостоне (США).

Плодотворную деятельность развила за рубежом B.C. Рябушинская, му­зыкальный критик и писательница. Она кончила Петербургскую консервато­рию, жила в Париже с 1919 г. Вера Сергеевна писала статьи для музыкальных журналов. С 1934 по 1938 годы читала лекции о русской музыке с древнейших времен до 1920 г. Многие из ее лекций, организованных Американским храмо­вым комитетом, шли в пользу бедных русских эмигрантов. Рябушинская была членом Общества по исследованию проблем искусства, участником Второго международного конгресса этики и науки об искусстве, где представила мемо­рандум на тему «О творчестве в музыкальном исполнении».

В 1921 г. по инициативе Е. Рябушинской был создан «Союз музыкальных деятелей», в который вошло более 40 русских музыкальных деятелей. На пер­вом, организационном собрании был принят устав и избрано правление. В его состав вошли Н. Арцыбушев, Н. Дризен, Е. Рябушинская, Н. Аверино, Е. Доленго-Грабовская. Союз занимался организацией музыкальных вечеров произ­ведений русских композиторов.