Банок супа «Кемпбелл». 1962 г. Частное собрание.



Мы поможем в написании ваших работ!


Мы поможем в написании ваших работ!



Мы поможем в написании ваших работ!


ЗНАЕТЕ ЛИ ВЫ?

Банок супа «Кемпбелл». 1962 г. Частное собрание.



ПОП-АРТ

Термин «поп-арт» {англ. pop art, со­кращение от popular art — «популяр­ное, общедоступное искусство»), как и само направление, родился в кру­гу английских художников «Незави­симой группы» Института совре­менного искусства в Лондоне в середине 50-х гг. XX столетия. На их выставках «Коллажи и объекты» (1954 г.), «Человек, машина и дви­жение» (1955 г.), «Это — завтра» (1956 г.) обнаружились основные мотивы и истоки поп-арта, такие, как комиксы с их серийностью и упрощённым рисунком, броская и яркая коммерческая реклама.

Поп-арт сразу же получил из­вестность за океаном и очень скоро стал символом американского ис­кусства. Уже в 1955 г. на «Фестивале двух миров» в Сполетто (Италия) де­монстрировалась кровать с подуш­кой и одеялом, выкрашенными мас­ляной краской, — произведение американца Роберта Раушенберга (родился в 1925 г), вызвавшее взрыв негодования зрителей.

В экспозициях поп-арта мог быть выставлен любой знакомый зрителю

предмет: мусорное ведро, недоеден­ный бутерброд, чучело курицы. Са­мым известным произведением и своего рода визитной карточкой поп-арта стала натуральная кон­сервная банка с томатным супом. Его автор, американец Энди Уорхолл (1928—1987), говорил: «Поче­му вы думаете, что холм или дерево красивее, чем газовый насос? Толь­ко потому, что для вас это привыч­ная условность. Я привлекаю вни­мание к абстрактным свойствам вещей». Уорхолл, открещиваясь от высокого искусства, назвал свою мастерскую «фэктори» — «фабрика» (она и находилась в помещении бывшей фабрики). Всё это очень на­поминало весёлые издёвки дадаи­стов (поп-арт тоже ироничен и ве­сел). Но дадаисты дразнили сытых буржуа и совсем не рассчитывали на материальный успех, а американ­ские представители поп-арта сразу же получили мощную финансовую поддержку. Их работы часто занима­ли верхние строчки отчётов о про­дажах современного искусства.

Поп-арт в отличие от дада утвер­ждался в ином времени, когда сред­ства массовой информации пре­вратились в один из важнейших факторов, влияющих на культуру и искусство. Информация стала до­ступна каждому. А искусство остава­лось достоянием лишь избранных ценителей. Поп-арт хорошо про­чувствовал потребность в новом, общедоступном искусстве. Он поль­зовался узнаваемыми понятиями и предметами.

Приводился такой пример: холо­дильник, установленный на сейфе в помещении склада, и эта же комби­нация в выставочном зале воспри­нимаются зрителем совершенно по-разному. В последнем случае в со­знании срабатывает фактор «музеефикации» — иного отношения из-за невольного желания понять то, что тебе предлагают увидеть. Повседнев­ные предметы, по идее, должны вы­зывать иное, более внимательное отношение к ним зрителя, если на­ходятся в особом пространстве. С этой же целью использовался и

Энди Уорхолл.

Банок супа «Кемпбелл». 1962 г. Частное собрание.

Рой Лихтенштейн.

Может быть... Музей Людвига, Кёльн.

Энди Уорхолл.

Арман.

Галерея Тейт, Лондон.

ПРОЦЕССУАЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Существенная особенность культу­ры авангарда — отрицание грани­цы между искусством и жизнью. Поэтому художественным произве­дением может считаться не только готовый результат работы художни­ка, но и её процесс. Более того, «объектом искусства» становится сам художник: скандально-игровой стиль жизни футуристов, дадаистов, сюрреалистов — неотъемлемая часть соответствующих артистиче­ских движений. Наконец, поп-арт объявил искусством буквально всё вокруг.

В рамках поп-арта зародился хэппенинг (англ. happening — «происходящее»). Это абсурдное действо, разыгрываемое художни­ками на публике без определённо­го сценария. Исход такой акции должно решить участие вовлека­емых в неё случайных прохожих. Человек, бьющий живой кури­цей по струнам рояля; студенты, облизывающие кузов автомобиля; девица в ванне с фруктовым со­ком — ещё не самые замысловатые примеры подобных провокацион­ных постановок.

Впервые хэппенинг был устроен в 1959 г. в Нью-Йорке Алланом Капроу. Его натолкнул на эту идею опыт абстракциониста Джексона Поллока, который писал свои ком­позиции стоя в центре холста. Капроу тоже ощутил себя художни­ком, создающим картину «изнутри», только «холстом» для него была

улица, а «красками» — многообра­зие характеров и настроений её обитателей. В 60-х гг. хэппенингом занимались Джим Дайн, Рой Лих­тенштейн, и Роберт Раушенберг в США, Ив Кляйн (1928—1962) во Франции, Йозеф Бойс (1921 — 1986 гг.) в Германии.

Сходная практика создания па­радоксальных ситуаций в Европе получила название флюксус (лат. fluxus — «поток»).

В 70-х гг. в культуре концепту­ализма хэппенинг преобразился в перформанс (англ. performance — «выступление», «представление»). В отличие от стихийных импрови­заций шестидесятников «живые картины» перформанса режиссиро­вались и приобретали ритуально-символический подтекст.

 

 

ГИПЕРРЕАЛИЗМ

На выставке гиперреалистов (грече­ская приставка «гипер-» означает «сверх») зритель может растеряться: написанные краской картины вы­глядят точь-в-точь как фотографии большого формата. И художники-гиперреалисты вовсе не скрывают своих пристрастий к фототехнике. Более того, возникшее на рубеже

60—70-х гг. в США течение вначале и называлось фотореализмом. Тер­мин «гиперреализм» появился лишь некоторое время спустя (впервые -в одном из отзывов Сальвадора Дали).

Гиперреалисты писали акрило­выми красками, благодаря которым поверхность картин приобретала глянец фотоснимка. Работая над композициями, они откровенно пользовались диапроекциями на холсты. Впрочем, само понятие «композиция» как искусство ком­поновки художественного про­странства лишь в самой малой мере применимо к их полотнам, одна из характерных особенностей кото­рых — запланированная «случай­ность кадрировки».

Гиперреалисты считали, что в отличие от любых других направле­ний, в том числе и поп-арта, их творчество наиболее доступно для понимания, так как фотографии есть в каждом семейном альбоме. Действительно, их картины стали чрезвычайно популярными, ведь там всё было «как в жизни».

От поп-арта гиперреализм уна­следовал использование «чужой» техники и интерес к самым обыден­ным происшествиям и предметам. При этом почти каждый из гиперре­алистов разрабатывал отдельную, привычную для себя тему: один пи­сал портреты, другой — изображе­ния ковбоев, кто-то — светящиеся вывески, кто-то — автомобили и т. д.

Огромные холсты выглядят как рекламные щиты. Панорамы чрез­вычайно редки, обычно укрупнённо представлены некие детали. И если многие фотографы, чьим работам присущи образность, эмоциональ­ность, справедливо претендуют на звание художников, то в картинах гиперреалистов нет чувств, пере­живаний, которые, по их мнению, «способны исказить объект». Мир гиперреалистов, стерильный и без­душный, существует без конфликтов, тревог, радостей. Фотографическая достоверность деталей (обычно вы­деляемых контрастной светотенью) только подчёркивает холодную от­чуждённость изображаемого. Пре­увеличивая предмет в буквальном смысле слова, художник придаёт мимолётному впечатлению от него вес и солидность, делает его значи­тельным. При этом взгляд зрителя не фокусируется: любая деталь на го­ризонте очерчена так же резко, как и предмет на первом плане.

Используя акриловые краски и стекловолокно, гиперреалисты со­здавали свои скульптуры. Если в галерее посетитель случайно заденет одну из них — сидящую или стоя­щую фигуру, одетую в костюм, шля­пу, стоптанные туфли, то вполне мо­жет, приняв её за живого человека, попросить прощения. Так велика степень иллюзорности.

Ричард Эстес.

Телефонные кабины.

Г.

Собрание

Тиссен-Борнемиса, Лугано.

Пьетро Мандзони.

Живая скульптура. 1961 г.

Стеделийк-музей, Эйндховен.

КИНЕТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО

Кинетическое искусство (от греч. «кинетикос» — «приводящий в дви­жение») — весьма характерное про­явление духовной жизни «века ско­ростей». Оно возникло в 20-х гг. в прямой связи с творчеством футу­ристов и конструктивистов. «Отца­ми» кинетизма обычно считают На­ума Габо и Ласло Мохой-Надя (1891—1946). В 30-х гг. американ­ский скульптор Александр Колдер ввёл в обиход мобили — лёгкие подвесные конструкции, приходя­щие в движение при малейшем ко­лебании воздуха. Начиная с 1953 г. швейцарец Жан Тенгие (родился в 1925 г.) создавал кинетические ком­позиции с элементами хэппенинга: творения Тенгие меняют форму и саморазрушаются на глазах у пуб­лики (акция «В знак уважения Нью-Йорку», 1960 г.). Механические действа Тенгие получили развитие в «люминодинамических спектак­лях» Никола Шоффера (родился в 1912 г.), проходивших в Париже (1961 г.) и Гамбурге (1968 г.).

Начиная с 60-х гг. Нам Чжун Пак (родился в 1932 г.) и другие ху­дожники стали пионерами так называемого видео-арта. Это практика манипуляций с изображением на телеэкране путём создания искусст­венных помех.

Новой стихией современного искусства стала компьютерная тех­ника, применяемая с 50-х гг. в мультипликации, архитектурном и музыкальном творчестве. Первая выставка компьютерной графики состоялась в 1968 г. в лондонском Институте современного искусства.

И всё же, несмотря на абсолют­ную обыденность сюжетов и кажу­щуюся простоту изображения, мно­гие гиперреалистические работы проникнуты настроением какого-то напряжённого ожидания, так назы­ваемого саспенса (англ. suspens — «беспокойство», «тревога ожидания»). В ещё большей мере эта черта при­суща концептуальному искусству.

 

КОНЦЕПТУАЛИЗМ

Концептуализм (от лат. conceсерtus — «мысль», «представление») воз­ник в середине 60-х гг. XX в. одно­временно в Англии и США и очень скоро сделался ведущим направле­нием современного искусства. В по­лемике с торжествовавшим в то вре­мя поп-артом, сосредоточенным на предметном мире, концептуалисты утверждали, что единственно до­стойной задачей художника являет­ся создание идей, концепций. Ведь форма может быть выполнена лю­бым ремесленником, но лишь ху­дожнику дано придумать её.

На стене в затемнённой комнате высвечивается неоновая строчка: «Пять слов из оранжевого неона».

Так называется произведение амери­канского концептуалиста Джозефа Кошута (родился в 1945 г.), которое, собственно, и состоит из одной этой надписи. Зрителю, если он рас­положен к размышлению, предлага­ется вспомнить все свои ощущения от всех неоновых строк, пустых пространств, лёгкого сияния тёпло­го света. Впрочем, ассоциации могут возникнуть любые. Ни одна из них не навязана и не обязательна, по­скольку в концептуализме важно не само изображение, а его значе­ние. Кошут в статье «Искусство по­сле философии» (1969 г.) пояснял, что «физическая оболочка должна быть разрушена», так как «искусст­во — это сила идеи, а не материала». А значит, произведение концептуа­лизма рождается в тот момент, когда идея автора соединяется с мыслями зрителя по этому поводу. Здесь ак­цент переносится с произведения искусства на его восприятие. При этом коренным образом меняются отношения художника и зрителя. Они превращаются в соавторов — конечно, в том случае, если зритель примет «условия игры».

Концептуализм — искусство ин­теллектуальное, во многом иронич­ное. К тому же это своего рода про­тест против коммерциализации искусства, ибо его произведения не­возможно, да и не имеет смысла, продавать и покупать. По представ­лениям концептуалистов, от худож­ника не требуется вечных творений. Главное — передать ощущение на­стоящего времени.

Поскольку в концептуальном ис­кусстве важно не само изображение, а его смысл, иногда оно может вооб­ще отказаться от экспоната, лишь рассказав об идее. Например, к од­ному из вернисажей была получена телеграмма от художника, который сообщал, что помнит о выставке. Эту телеграмму и демонстрировали зри­телям.

Всё же концептуалисты были за­интересованы в сохранении своих идей, поэтому тщательно докумен­тировали их. Одним из приме­ров такого подхода стала широко

Джозеф Кошут.

Джозеф Кошут.

Один и три стула. 1965 г.

ПОП-АРТ

Термин «поп-арт» {англ. pop art, со­кращение от popular art — «популяр­ное, общедоступное искусство»), как и само направление, родился в кру­гу английских художников «Незави­симой группы» Института совре­менного искусства в Лондоне в середине 50-х гг. XX столетия. На их выставках «Коллажи и объекты» (1954 г.), «Человек, машина и дви­жение» (1955 г.), «Это — завтра» (1956 г.) обнаружились основные мотивы и истоки поп-арта, такие, как комиксы с их серийностью и упрощённым рисунком, броская и яркая коммерческая реклама.

Поп-арт сразу же получил из­вестность за океаном и очень скоро стал символом американского ис­кусства. Уже в 1955 г. на «Фестивале двух миров» в Сполетто (Италия) де­монстрировалась кровать с подуш­кой и одеялом, выкрашенными мас­ляной краской, — произведение американца Роберта Раушенберга (родился в 1925 г), вызвавшее взрыв негодования зрителей.

В экспозициях поп-арта мог быть выставлен любой знакомый зрителю

предмет: мусорное ведро, недоеден­ный бутерброд, чучело курицы. Са­мым известным произведением и своего рода визитной карточкой поп-арта стала натуральная кон­сервная банка с томатным супом. Его автор, американец Энди Уорхолл (1928—1987), говорил: «Поче­му вы думаете, что холм или дерево красивее, чем газовый насос? Толь­ко потому, что для вас это привыч­ная условность. Я привлекаю вни­мание к абстрактным свойствам вещей». Уорхолл, открещиваясь от высокого искусства, назвал свою мастерскую «фэктори» — «фабрика» (она и находилась в помещении бывшей фабрики). Всё это очень на­поминало весёлые издёвки дадаи­стов (поп-арт тоже ироничен и ве­сел). Но дадаисты дразнили сытых буржуа и совсем не рассчитывали на материальный успех, а американ­ские представители поп-арта сразу же получили мощную финансовую поддержку. Их работы часто занима­ли верхние строчки отчётов о про­дажах современного искусства.

Поп-арт в отличие от дада утвер­ждался в ином времени, когда сред­ства массовой информации пре­вратились в один из важнейших факторов, влияющих на культуру и искусство. Информация стала до­ступна каждому. А искусство остава­лось достоянием лишь избранных ценителей. Поп-арт хорошо про­чувствовал потребность в новом, общедоступном искусстве. Он поль­зовался узнаваемыми понятиями и предметами.

Приводился такой пример: холо­дильник, установленный на сейфе в помещении склада, и эта же комби­нация в выставочном зале воспри­нимаются зрителем совершенно по-разному. В последнем случае в со­знании срабатывает фактор «музеефикации» — иного отношения из-за невольного желания понять то, что тебе предлагают увидеть. Повседнев­ные предметы, по идее, должны вы­зывать иное, более внимательное отношение к ним зрителя, если на­ходятся в особом пространстве. С этой же целью использовался и

Энди Уорхолл.

банок супа «Кемпбелл». 1962 г. Частное собрание.

Рой Лихтенштейн.

Может быть... Музей Людвига, Кёльн.

Энди Уорхолл.



Последнее изменение этой страницы: 2021-04-04; Нарушение авторского права страницы; Мы поможем в написании вашей работы!

infopedia.su Все материалы представленные на сайте исключительно с целью ознакомления читателями и не преследуют коммерческих целей или нарушение авторских прав. Обратная связь - 18.207.132.116 (0.029 с.)