Творчество лопе де вега и формирование испанской национальной драмы. Основные принципы творчества. Изображение ренессансного человека в драматургии лопе.

В испанском театре на рубеже 16-17 века особенно тесно сплетаются традиции Ренессанса и тенденции нового времени. «Золотой век» испанского театра (80-е г. 17 в – 80-е г. 18в) охватывает обе эпохи – ренессансную и барочную. В 1608 году Сервантес Сааведра вводит понятие «театр».

Лопе Феликс де Ваге Карпио – гений испанской и мировой драматургии, родился в семье ремесленника. Не сумел завершить образование в университете. Существовал миф, что Вега был очень рано одарен талантом. Сам Лопе считал себя поэтом, а не драматургом. В его коллекции - религиозные, житийные, исторические, любовные сюжеты.

Периодизация творчества:

1. 1594-1604 – написано более 200 комедий («Учитель танцев», «Валенсианская вдова»), утверждается национальный театр, возникает спор между Сервантесом и Лопе.

2. 1605 – 1613 – Драма о Лжедмитрии «Новые деяния великого князя Московского» (1606), «Овечий источник» (1613), «Собака на сене», «Ладама боба». Вега пишет эстетический трактат, как должна выглядеть пьеса «Новое руководство к сочинению комедий». Тезис: искусство не знает никаких правил, главное – нравиться зрителям.

3. 1614 – меняется отношение к театру. Начинают издаваться произведения, выходит 4 том с пометой, что издание основано на авторских рукописях, стал создавать фиксированный текст, обращается к классическому театру, далее – влияние барокко. «Алькаид», «Звезда Севильи», «Девушка с кувшином».

Классификация пьес Веги (Балашов). Драмы делятся на: Аутос и светские. 1. Светские - комедия плаща и шпаги – пьесы, которые не требовали реквизита, в основе – поединки, дуэли, переодевания, тип героя определен «Собака на сене». 2. Комедиас де театра – тетаральные постановки с декорациями, большая обеспеченная труппа ставила пьесы, они оплачивались. У Лопе они становятся историческими драмами. 3. Комедия интриги – выделяется по источнику комического, замысловатый сюжет, нет проблематики, комедии характера или положения («Учитель танцев»). В них утверждается ренессансный образ человека.

Классификация пьес (Баяджиев): Делятся на: комедии и героич. драмы. Жанровые итпы по характеру героя, конфликта и его разрешения. Типы героической драмы: драма чести («Звезда Севильи»), народная драма («Овечий источник»). В драме чести действующие лица – дворяне (благородное происхождение), в народной – народ, крестьяне, человек вообще. Комедии делятся на: положений («Собака на сене») и нравов(«Девушка с кувшином»). Комедия положений – дворянин, ситуации. Комедия нравов – герой – простолюдин, демократическая.

Важнейшими в творчестве Лопе были социально – политическая драма, ставившая главным образом проблемы монархической власти, ее взаимоотношений с феодалами и народом. Комедии о любви, утверждавшие победу высокого и чистого чувства, и религиозные пьесы, представленные преимущественно обработками житий святых. В большинстве «чистых» комедий Веги в центре – любовная история, а двигателем интриги является борьба влюбленных за свое счастье. Драматург не избегает общих мест и традиционных персонажей, но создает на их основе увлекательные, свежие, порой неожиданные вариации. Так, в комедии «Учитель танцев» с самого начала царит атмосфера игры и праздничности, которая выдвигает на первый план историю счастливой влюбленности бедного дворянина Альдемаро дочь аристократа Флорелу. Проникнув в дом девушки под видом учителя танцев, герой очаровывает девушку, нравится и ее отцу, и даже ее поклоннику, так что, несмотря на возникающие препятствия-недоразумения, довольно скоро наступает светлый миг развязки - свадьба влюбленных. Коллизия пьесы возникает и разрешается между двумя свадьбами: выйдя замуж не по любви, старшая сестра Флорелы Фелисьяна решает вместо сестры ответить на любовные письма и прийти на свидание к Вандалино; тем самым она ставит под угрозу доброе имя сестры — и свое собственное. Но драматизм игры честью явно приглушен: сам отец Флорелы и Фелисьяны, чтобы избавить дочь от нежеланного поклонника, объявляет Вавдалино о том, что Флорела якобы задумала убежать из дому с учителем танцев, и оскорбленный жених, не желая иметь подобную жену, разрывает отношения с семьей Альбериго, что, собственно, и нужно было влюбленным.

У Лопе было много последователей и учеников. Для его школы было характерно: нет ощущения трагизма существования, большая свобода личности, независимость, свобода принять судьбу, смириться с тем, что тебе суждено.

5. Испанский театр «золотого века» и драматургия Кальдерона. Философская драма Кальдерона «Жизнь есть сон». Образ Сегизмундо. Проблема Предопределения. Тема свободы воли и своеволия. Роль женских образов. Символический план драмы.

«Золотой век» испанского театра завершается драматургией Педро Кальдерона. Кальдерон не только доводит до совершенства драму, сложившуюся в школе Лопе де Веги, но и вырабатывает свою собственную драматургическую манеру. Отличительные её особенности: строгая соразмерность всех частей драмы, до деталей продуманная и логически стройная композиция, усиление интенсивности драматического действия, его концентрация вокруг одного или двух персонажей, необычайно экспрессивный язык, в котором широко используются приемы и культистской, и консептистской поэзии, и наконец, некоторая схематизация характеров.

В драматургическом наследии Кальдерона большое место занимают морально-философские и религиозные драмы. Среди них знаменитая пьеса «Жизнь есть сон» (1635). История принца Сехизмундо, которому при рождении было предсказано, что он станет жестоким тираном, и которого поэтому отец — польский король Басилио с детства заключил в уединенную башню, где он воспитывался вдали от людей, через христианские легенды о Варлааме и Иосафате восходит к восточным преданиям о Будде. Для Кальдерона эта история стала поводом для размышлений о коренных проблемах бытия, о смысле и назначении власти и т. п.

Много лет Сехизмундо уже томится в цепях в своей башне. Басилио решает проверить справедливость предсказания: по его приказу сына во сне переносят во дворец и, когда тот просыпается, объявляют ему, что он наследник престола. Очень скоро, однако, обнаруживается дикий и необузданный нрав принца и подтверждается пророчество. Сехизмундо во сне вновь переносят в башню и убеждают затем, что все происшедшее было лишь сновидением. Но народ, узнав о законном наследнике престола, восстает, требуя передать власть в руки Сехизмундо, а не московского принца Астольфо, избранного Басилио себе в преемники. После недолгих колебаний Сехизмундо становится во главе восставших и одерживает победу, но лишь для того, чтобы над самим собой победу одержать, и добро творить.

Нигде, быть Может, барочное мироощущение Кальдерона не получило более полного выражения, чем в этой пьесе. Горькие размышления принца о зыбкости границ между явью и сном, реальностью и фантазией, конечно, созвучны настроениям самого драматурга, как и неостоический идеал человека, к которому приходит. Сехизмундо. Однако содержание пьесы этим отнюдь не ограничивается.

Сехизмундо вырастает, не зная, кто его родители и кто он такой. Самая пылкая, всепоглощающая его страсть - жажда правды и свободы. Первый его монолог ("О, я несчастен, горе мне!") - яростный протест против неволи; и Кальдерон не оставляет сомнения, что свобода - неотъемлемое и важнейшее право человека. В переполненном болью и негодованием монологе герой проклинает судьбу, дающую человеку меньше свободы, чем зверю, ручью, рыбе и птице. Но, узнав, что он не жалкий узник, а всесильный государь, Сехизмундо возмущен учиненной над ним несправедливостью. Он становится убийцей и насильником. Его свобода - свобода зверя, и сам Сехизмундо знает, что он - получеловек-полузверь... Сехисмундо, запутанный предыдущими экспериментами отца, не уверен, "правда ли сон" то, что он возглавил восстание, но произносит ответственное суждение о том, что важно оставаться добрым. Если мы на яву - то для того, что бы просто быть им, а если во сне, чтобы проснуться в кругу друзей. " "Obrar bien" ("творить добро"), независимо от того, сон жизнь или не сон, - тезис этот, повторяемый Сехисмундо несколько раз и осуществляемый им на деле, еще глубже, чем о нем пишут". Поверил Сехисмундо в то, что жизнь есть сон, однако не поверил он в то, что сном была и его любовь к Росауре. Основная победа принца Сехизмундо - это побед над самим собой. Если бы Кальдерон задался целью показать просто торжество человека над своими страстями, его умение обуздать себя, то навряд ли ему понадобилось бы делать своего героя принцем, переносить действие в экзотическую абстрактную обстановку. Интересна одна незамеченная подробность. Разрешение линии Росаура - Астольфо. Сехизмундо соединяет молодых людей. Он отказывается от своего счастья ради восстановления ее доброго имени. Идея справедливого монарха - это итог воспитания идеального государя, достойно увенчанный торжеством принца над самим собой. Есть еще один существенный момент в пьесе, подкрепляющий эту точку зрения: история с солдатом, которого велено наказать (заточить в башню), хотя именно он поднял восстание в пользу Сехизмундо. Каким бы благим ни было намерение солдата, он нарушил закон верности своему сюзерену. Благое намерение не избавляет его от наказания. Солдат поднял бунт против установленного порядка. Справедливый монарх не может не покарать бунтаря, потому что любой бунт есть произвол, нарушение незыблемого закона. Именно так, по мнению Кальдерона, должен поступать идеальный монарх. Любовь и добро - мосты к людям и к вечности. Поверив в это, Сехизмундо. преодолевает рабское подчинение инстинктам, бездумным и бездушным вожделениям. Однако, как подчеркивает Кальдерон, борьба противоположных начал - интеллекта и чувства, ненависти и любви - длится вечно.

Процесс становления человека рассматривается через категорию судьбы, власти, свободы, истины и т.д. В основе фабулы – концепция судьбы. Сначала для Сегизсундо свобода – разрушить, сломать, добиться свободы. В замке он проявляет себя как зверь, оскорбляет отца, выкидывает слугу с балкона, видит Росауру, хочет добиться её прямо там. К финалу из полузверя он становится мудрым, справедливым правителем, свободным. Система персонажей: Росаура – лабиринт чести, Клотальдо – честь, но выбор между личной и долгом, Астольфо – обещал руку и сердце, исчез - лабиринт власти, оставляет её ради власти, Басилио – лабиринт судьбы и власти.

 

Поэма Мильтона «Потерянный Рай». Философский план. Проблема выбора. Функция контраста, его своеобразие. Тема разума и чувства и ее воплощение в поэме. Выражение научных взглядов эпохи в «Потерянном Рае».

Переходный характер эпохи, сложность и острота социально-политических коллизий в стране обусловили сложность и противоречивость ее литературного процесса. Если для Франции XVII век- это с некоторыми оговорками, век классицизма, для Испании и Германии- век барокко, то в Англии та же эпоха не поддается сколько-нибудь однозначной характеристике: барокко сосуществует здесь с классицизмом, и подчас разнородные литературные принципы причудливо переплетаются в творчестве одного и того же автора. Симптоматично, что лучшее создание века- поэма Джона Мильтона «Потерянный Рай»- родилось как бы на скрещении двух художественных направлений, господствовавших в западно-европейском искусстве этого времени.

Из первых строк «Потерянного Рая» становится ясно, что Милтон решил придать рассказу о «первом преслушанье» человека вселенские масштабы, как того и требовал библейский источник. В гигантской перспективе истории возникновение зла и «благость Провидения» неминуемо сопрягались вместе, тема потерянного рая обязательно предполагала тему возвращенного рая благодаря искупительной жертве Величайшего Человека, Христа. Повествуя о грехопадении, поэт обратился и к творению мира, и к происхождению зла, и к божественному плану спасения человека, и даже к концу мира, после которого возникнет «новое небо и новая земля». Именно с точки зрения подобной гигантской перспективы истории и надо рассматривать грандиозную битву добра и зла, которая бурлит на страницах поэмы. Поэтому и финал «Потерянного Рая», как и подобает христианской эпопее, вопреки всему титанизму и трагичности этой борьбы, несмотря на «смерть и все невзгоды наши», несет с собой надежду и утешение. Только так по замыслу Мильтона можно было оправдать «пути творца перед тварью».

Материалом, на который Милтон в первую очередь опирался, стали первые три главы «Книги Бытия». Но эпопея выходит далеко за рамки ветхозаветного текста. Кроме этого он опирался на многие другие источники. Работая над текстом эпопеи, вводя в нее эпизоды, которых нет в Ветхом Завете, предлагая свою трактовку библейских событии, Мильтон не просто опирался на всю эту огромную литературу, но коренным образом переосмыслил ее и предложил совершенно новое, оригинальное прочтение библейского сюжета.

Характерно, что в «Потерянном Рае» сразу же за авторским вступление следует рассказ о событиях, которых нет в библии, но которые Мильтон знал по апокрифам. Согласно апокрифической традиции, среди небесного воинства ангелов был один особенно любимый Богом. Возгордившись и решив сравняться с Господом, этот ангел поднял вместе со своими приспешниками восстание против Творца, но потерпел поражение и был низринут в преисподнюю и стал Сатаной, начальником всякого зла. Эпопея и открывается сценой, где Сатана, «разбитый, хоть бессмертный», приходит в себя после разгрома своих полчищ и решает продолжить борьбу с Богом. Задача Сатаны состоит в том, чтобы соблазнить людей «употребив обман /Иль принужденье». Сатана- прежде всего носитель абсолютного зла, существо, движимое вопреки отдельным колебаниям и сомнениям, свидетельствующим о его былой славе, гордыней и ненавистью.

Между небом и преисподней «Потерянном рае» существует целая система пародийных соответствий, и высокое на барочный лад находит искаженное, как в кривом зеркале, отражение в низком. Роль трех Лиц Пресвятой Троицы – Отца, Сына и Святого Духа- в преисподней исполняют Сатана, Грех и Смерть. Мистическому рождению Сына от Отца соответствует гротескно-неожиданное появление Греха из головы Сатаны. Богоборческие речи Архиврага в Пандемониуме контрастируют с исполненным пафоса самоотречения монологом Мессии в Небесном Совете. Мотивы поступков Сына и Архиврага полярно противоположны- Мессией движет самоотверженная любовь, а Сатаной- ненависть и желание мести. В общем Сын с Его любовью, милосердием, мудростью и готовностью к жертвенному служению служит антиподом Сатаны с его гордыней, своеволием, коварством и возведенным в абсолют эгоизмом.

Тем не менее главными героями эпопеи являются Адам и Ева, однако они появляются лишь ближе к середине произведения. Нехарактерное для искусства Возрождения или классицизма, подобное смешение перспективы вполне соответствовало критериям барочной эстетики и было оправдано с художественной точки зрения. Согласно авторскому замыслу, Адам и Ева должны были стать объектом космической борьбы Добра и Зла. Изобразив сначала преисподнюю, а затем небо, Мильтон наглядно показал расстановку сил перед началом этой борьбы.

Наделенный всеведением Бог, заранее зная о грядущем искушении и падении человека, тем не менее посылает в рай архангела Рафаила, чтобы «утвердить Адама в повиновении, поведать ему о свободе воли и уведомить о близости Врага». Парадокс всеведения Бога и самостоятельности поступков человека принципиально важен для Мильтона. Растянувшаяся на несколько книг беседа Рафаила с Адамом, играет ключевую роль в общем замысле эпопеи. Готовя первых людей к предстоящему испытанию, Рафаил рассказывает Адаму о мятеже непокорных ангелов, об их сражении с ангелами света и поражении Сатаны и его приспешников, о сотворении мира и человека и на последок предупреждает о грозящей опасности. Только после беседы с Рафаилом, когда Адам располагает всем нужным ему знанием, чтобы быть счастливым в раю, он может сознательно воспользоваться свободой воли и осуществить самостоятельный выбор. И только тогда «первое преслушанье» человека и должно обрести космические масштабы, допустив на землю «смерть… и все невзгоды наши».

Намек на то, что грехопадение возможно, хотя и не неизбежно, проскальзывает уже при первом знакомстве с Адамом и Евой. Едва появившись на свет, Ева сразу же поддается чувствам и, подобно Нарциссу, влюбляется в свое отражение в воде, а Адам уже в своем первом монологе, обращаясь к жене, говорит, что она ему дороже всего на свете, и тем самым неосознанно ставит ее выше Бога. Позже Адам жалуется архангелу Рафаилу, что красота Евы внушает ему страсть, готовую подчинить разум. Впоследствии уже ночью Ева видит посланный Сатаной сон, где она, вкусив запретный плод, возносится на небо. А наутро по настоянию Евы и вопреки желанию Адама герои расходятся в разные стороны райского сада, чтобы заняться работой поодиночке. В аллегорическом плане такая разлука чревата опасностями- разум расстался с чувством, и это значительно облегчает задачу Сатаны. Конечно у Евы есть собственный разум и своя свободная воля, но ее разум не может устоять перед хитросплетенной риторикой Сатаны, обернувшегося змеем. Вкусив запретный плод, Ева становится хитрой и расчетливой. Поразмыслив она все же решает открыться Адаму, но не из настоящей любви к нему, а скорее из эгоизма, из боязни потерять его, если Бог на самом деле прав и смерть настигнет ее. В отличие от Евы перед Адамом встает осознанный выбор- расстаться с падшей Евой, которую ждет смерть, или последовать ее примеру и тоже вкусить запретный плод. Выбор этот отчасти напоминает коллизию классицистической трагедии, где чувство противопоставлено разуму. Но определяющим в свободном выборе Адама стало не духовное, а плотское чувство, и страсть победила суверенный разум.

Борьба направлений во французской литературе ХVII века. Роль литературных салонов. Прециозная литература и литература либертенов. Классицизм как литературное направление. Художественная концепция мира и личности.

Классицизм – ведущая художественная система французской литературы 17 в. Становление классицизма во Франции отмечено интенсивным развитием литературной теории и критики. Издается множество брошюр, трактатов, литературных памфлетов и пародий. Отбор явлений жизни, воплощаемых в литературе, диктовался разумом. Предметом художественного воплощения должно быть только всеобщее, объективное, необходимое, а не частное, субъективно воспринятое, случайное. Личность художника понималась тоже как проявление частного единичного, и потому поэт должен был говорить не от имени своего особенного, неповторимо индивидуального «я», а от имени человека вообще, поэта вообще. С этой установкой классицизма связано преобладание в нем объективных жанров – прежде всего, драматических, над субъективными, лирическими.

С первых шагов становления классицизма мы сталкиваемся с постоянным обращением к античным сюжетам и героям – мифологическим и историческим. Композиционные и жанровые формы античной литературы служили ориентиром для выработки правил классицизма.

Наряду с классицизмом во французской литературе 17 столетия, в особенности в первой половине, существовала художественная система барокко. Оно не играло роль существенной роли как в Испании, но имело многочисленных сторонников в среде писателей и оказало воздействие на весь литературный процесс как в 17 столетии, так и несколько позднее.

Быть может, резче, чем где бы то ни было, во французском барокко выявляются два течения, чуждые классицизму и враждебные друг другу. Речь идет об аристократическом барокко, представленном прециозной литературой, и о барокко демократическом, «низовом», ярче всего проявившем себя в бытописательных романах, и вольнодумной поэзии. Борьба барокко и классицизма особенно характерна для раннего этапа в развитии французской литературы 17 в.

На это раннем этапе (первая четверть века) происходит постепенное формирование поэтической системы классицизма, преимущественно в области лирики. Ведущая роль здесь принадлежит Франсуа Малербу, который считается основоположником классицизма во Франции. Малерб требовал от поэзии ясности мысли, точности выражения, тщательно продуманной и отчетливо воплощенной задачи, отшлифованной внешней формы. Поэтическому воображению, фантазии он не придавал значения и решительно выступал против любых попыток утвердить в поэзии субъективную, «оригинальную» форму выражения. Малерб вел борьбу против вычурной и замысловатой образности, перегруженной метафорами, против злоупотребления мифологическими именами, против чрезмерной орнаментальности, характерной для поэзии его времени и затемняющей смысл стихотворения.

Малерб и его школа во французской лирике первой четверти века не вытеснили полностью позднее ренессансную традицию и барочную поэзию. Черты Ренессанса и барокко переплетаются в творчестве поэтов-вольнодумцев («либертенов»).

Следующий этап – 1630-1650 годы – отмечен утверждением классицизма в драматических жанрах, преимущественно в трагедии. Именно в драматической форме разрабатываются стержневые проблемы общественной, государственной жизни и их нравственный смысл. С приходом в литературу Корнеля жанр трагедии становится ведущим. Одновременно формируется и национальный театр как центральное явление французской культуры 17 в. Постепенно выявляются специфические жанры классицистской драматургии – трагедия и комедия, противопоставляемые друг другу как «высокий» и «низкий» жанры.

 

ТРАГЕДИЯ

Объектом изображения трагедии объявлялись героические деяния царей и героев прошлого, главным образом мифологических и принадлежавших античной истории;

Центральным конфликтом становится противоборство чувств, страстей и долга;

Речь героев трагедии была подчеркнуто эмоциональной, возвышенной;

Число персонажей сводилось к минимуму;

Внешнее действие (убийства, поединки и пр.) выносилось за сцену, зритель узнавал о нем лишь из рассказов вестников.

 

КОМЕДИЯ

Объект изображения повседневная жизнь горожан, делая эту будничную реальность объектом юмористической и иронической оценки, либо сатирического осмеяния. Вместе с тем и здесь постепенно утверждался жанр «высокой комедии (чаще всего стихотворной), в которой фарсовый комизм - непристойные шутки, потасовки, примитивная клоунада – либо оттесняется на задний план, либо вовсе исключается.

Для трагедии и для комедии вырабатывается знаменитое Правило трех единств: времени, места и действия. Единство времени сторонники классицизма истолковали как ограничение сценического времени, т.е. времени событий развертывавшихся в пьесе, - сутками; единство места - единство сценической площадки (все события должны были происходить в одном месте – в доме или на площади); единство действия – концентрация сценических событий вокруг немногих персонажей, связанных между собой общим конфликтом, как отказ от каких-либо побочных эпизодов.

Обязанность следить за строгим соблюдением этих правил взяла на себя Французская Академия. Она должна была руководить литературной жизнью, критически обсуждать литературные новинки, а также работать над созданием нормы национального литературного языка. «Сорок бессмертных» членов Академии, регулярно собирались на заседания, читали свои сочинения, сообща работали над созданием академического словаря литературного языка.

Творчество Буало, Мольера, Расина и др. поэтов создает тот «золотой век» французской литературы, который длительное время рассматривался как культурный и художественный образец для других европейских народов. В центре внимания Б. – трагедия (попутно о романе – роман, развлекательно чтиво, ему можно простить то, что нельзя простить трагедии, например, не великого героя, несообразности). Отвергает трагикомедию. Трагедия жестока и страшна, но мир искусства прекрасен, потому что его позволяют сделать такими правила. Трагедия воздействует через ужас и сострадание. Если пьеса не вызывает сострадания, автор зря старался. Ориентация на традиционный сюжет, где поэт соревнуется с предшественниками. Автор творит в рамках традиции. Свои проблемы осмысливали в зеркале античных сюжетов.

Но Б. предлагал трактовать антич. сюжеты правдоподобно. Правда не равна правдоподобию! Правда может быть такой, что зритель в нее не поверит, а неправда может быть правдоподобна. Главное, чтобы зритель поверил, что все так и было. Такая беда случилась с «Сидом» Корнеля: его упрекали, что сюжет неправдоподобен. А он отвечал, что это зафиксировано историей.

 

Классицизм противостоял барокко. Классицизм как бы воскрешает стиль Высокого Ренессанса. Самое мерзкое чудовище должно быть написано так, чтобы радовало взгляд, о чем и пишет Буало. Во всем должна соблюдаться мера и хороший вкус. Особенность классицизма в том, что правила четко сформулированы и закреплены и в основном относятся к форме произведения.

1670-е гг. – «Поэтическое искусство» Буало. Манифест классицизма. В этой работе Б. опирается на Аристотеля и Горация. Работа состоит из трех частей: 1 – о поэт. искусстве вообще, 2 – о малых стихотворных жанрах, 3 – большие жанры (трагедия, эпопея, комедия), 4 – опять вообще.

Разум – это ясность, гармония мира, важнейший признак красоты. Что неясно - неразумно – некрасиво (средневековые мифы, например). В драматургии – движение от средневековой драмы к античной (а они называли это современным искусством). Б. вообще отвергал все средневековое искусство. А еще он отрицал барокко, а именно прециозность и бурлеск (это были разновидности французского барокко). Прециозность была реакцией на трезвость, рационализм, бездуховность. Вот этому всему она противопоставляла утонченность нравов, высоту чувств и страстей. Не самая лучшая разновидность барокко, но в ее рамках развивался роман с его психологизмом и сюжетной интригой. Прециозные произведения отличались усложненным сюжетом, большим количеством описаний, буйной метафоричностью и игрой словами, что бесило Буало.

Бурлеск противостоял прециозности. Это была низовая форма барокко со стремлением к грубой правде, торжеству вульгарного над возвышенным. Основан был на шутливой перелицовке античных пр-й и средневековой героической сказки. Язык был, соответственно, площадной, что не нравилось Б. Еще одно расхождение с барокко, на сей раз мнимое. Это вопрос о подражании и воображении. Художники барокко отвергали античный принцип подражания природе, вместо этого – ничем не стесненное воображение. А Б. вроде бы верен подражанию. Но он считает, что в искусстве воспроизводится не первозданная, а преображенная человеческим разумом природа. Принцип подражания сочетается с принципом воображения а истинный способ подражания природе – по правилам, созданным разумом. Именно они привносят в произведение красоту, которая невозможна в действительности.